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Il n’y a sans doute pas de réalisateur qui divise autant que Darren Aronofsky. Se concentrant généralement sur des études de personnages aux conséquences brutales, il est connu pour le frénétique et dérangeant Requiem for a Dream, le film d’horreur psychologique Black Swan, le film allégorique de Jennifer Lawrence Mother !
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Aronofsky s’est fait remarquer cette année en réalisant La Baleine, un drame plus sentimental mais toujours aussi dévastateur sur le plan émotionnel, avec une performance puissante de Brendan Fraser, qui a reçu sa première nomination aux Oscars pour son interprétation. Bien qu’il ait incontestablement réussi dans son propre domaine, Aronofsky a cité ses films préférés comme une influence directe sur sa carrière.
1 « Angel Heart » (1987)
Robert De Niro
Avec Mickey Rourke et Robert De Niro (le premier jouera dans The Wrestler, le film d’Aronofsky), Angel Heart est un film éclectique et insaisissable qui raconte l’histoire d’un détective privé à qui un personnage mystérieux ordonne de retrouver une personne disparue, et qui entame un voyage surnaturel vers l’accomplissement de soi.
Aronofsky a fait connaître son amour pour le film à de nombreuses reprises, en entrant dans les détails sur Twitter : « [sic] à 18 ans, je parcourais l’europe sac au dos, souvent fauché, et je passais beaucoup de temps à fuir la pluie dans les salles de cinéma. j’ai vu ANGEL HEART d’ALAN PARKER de cette façon à Paris & ; c’était la première fois que je m’asseyais pendant le générique & ; que je regardais un film à nouveau. je n’ai pas bougé. j’ai pu le rencontrer des années plus tard. généreux en sagesse ».
2 ‘Brazil’ (1985)
Image via Universal
Un voyage bizarre à travers l’objectif de Terry Gilliam, un ancien des Monty Python, Brazil est un terrain de jeu conceptuel et thématique pour une critique cinglante des absurdités de la bureaucratie. La nature sauvage du film dépasse la description de l’intrigue, car la rapidité et l’esprit de son histoire sont tous intangibles par rapport à la satire.
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Aronofsky, qui n’est pas le seul réalisateur à aimer ce classique de la science-fiction, l’a placé dans sa liste des films préférés. Le futur dystopique de Gilliam a toujours le mordant comique de son œuvre Monty Python, tout en introduisant une essence d’anti-establishmentarianisme.
3 « Time Bandits » (1981)
Image via Avco Embassy Pictures
Time Bandits est une aventure loufoque mais amusante où un jeune passionné d’histoire est accosté par six personnes de petite taille qui sortent de son placard une nuit. Alors qu’ils tentent de remonter le temps et de voler des trésors de différentes époques historiques, l’histoire se déroule dans un ridicule poignant. Le réalisateur Taika Waititi a un remake de série télévisée en cours de production.
Aronofsky a nommé plus d’un film de Gilliam sur sa liste « They Shoot Pictures, Don’t They » aux côtés de Brazil. Le désespoir d’échapper à la conformité que l’on voit dans Time Bandits est parallèle à de nombreux personnages d’Aronofsky et à leurs situations.
4 ‘Breaking Away’ (1979)
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Une recommandation relativement obscure, Breaking Away met en scène un groupe de diplômés du secondaire dans une comédie dramatique sportive qui a remporté l’Oscar du meilleur scénario. Ici, le groupe passe à l’âge adulte en examinant leurs relations mutuelles dans une comédie sportive.
Bien que ce film soit léger, Aronofsky l’a cité comme l’un de ses films préférés et s’en est inspiré en travaillant sur The Wrestler. Son film est l’une des œuvres les plus solides de son catalogue, mais il adopte un ton sombre et dramatique, contrairement à cette inspiration de 1979.
5 ‘Il était une fois dans l’Ouest’ (1968)
Salué comme l’un des plus grands westerns de tous les temps, Il était une fois dans l’Ouest est un film de Sergio Leone au sommet de sa forme, dans lequel Charles Bronson et Henry Fonda s’affrontent sur fond de la ville de Flagstone, un vieux western.
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Rares sont les cinéastes qui ne regarderaient pas les westerns de Leone sans admiration, Aronofsky y compris, puisqu’il a placé le film sur sa liste de recommandations » They Shoot Pictures, Don’t They « . C’est un film tendu, plein de suspense, et finalement une influence monumentale dans la narration cinématographique.
6 ‘Le bon, la brute et le truand’ (1966)
Clint Eastwood, dans le rôle de L’homme sans nom, est l’un des personnages de western les plus influents de tous les temps, et Le bon, la brute et le truand est le film qui le définit. Dans ce film, un solitaire tranquille, un tueur à gages impitoyable et un bandit mexicain sont à la recherche de 200 000 dollars d’or volé dans le Sud-Ouest américain.
Aronofsky a spécifiquement cité la partition emblématique de ce western de Sergio Leone, composée par Ennio Morricone, comme une raison essentielle pour aller voir ce film. Elle est à peu près aussi emblématique que le genre du western dans son ensemble, et les fioritures sonores de ce classique de 1966 transcendent le film lui-même.
7 ‘Yojimbo’ (1961)
Image via Toho
Un classique qui peut sembler intimidant mais qui en laissera plus d’un sur le bord de son siège, Yojimbo est un film de samouraï d’Akira Kurosawa dans lequel un samouraï véreux prépare tactiquement une guerre entre deux hommes d’affaires à son profit.
Aronofsky s’extasie devant les refrains musicaux du film : « C’est l’idée d’utiliser la musique pour ouvrir un nouveau chapitre en revenant au refrain principal, comme le moment où Toshiro Mifune, dans Yojimbo, devient soudain le méchant de la ville et le joueur d’échecs le plus précieux de l’échiquier. Maintenant, il s’agit de savoir comment cette pièce d’échec va être déplacée ».
8 ‘La fièvre du samedi soir’ (1977)
Avec le jeune John Travolta dans un rôle décisif, La fièvre du samedi soir incarne la folie du disco. Sur les rythmes endiablés des Bee Gees Stayin’ Alive, le film suit un maigre employé d’un magasin de peinture dont la carrière monotone est contrastée par l’attrait de la piste de danse, où il est vénéré.
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Se souvenant du film qu’il avait vu dans son enfance, Aronofsky remarque : » Il est si facile d’oublier à quel point La Fièvre du samedi soir est un bon film. À l’époque, je n’en avais pas la moindre idée. En fait, c’était mon premier film interdit aux moins de 18 ans. Je devais avoir 7 ou 8 ans quand il est sorti et a fait fureur dans le monde entier ». Aujourd’hui encore, beaucoup l’apprécient.
9 ‘Do The Right Thing’ (1989)
Do The Right Thing a été un point de contact culturel lors de sa sortie en 1989. Couvrant une génération entière de préjugés malheureux dans la ville de New York, il met en scène Giancarlo Esposito, Danny Aiello et bien d’autres, alors que la tension sur les relations raciales monte le jour le plus chaud de l’année.
Son impact est saisi dans la recommandation d’Aronofsky lorsqu’il dit : « C’était un film majeur quand il est sorti pour nous tous, parce que New York était dans un endroit très différent de ce qu’il était en 1977… » Il poursuit : « Spike [Lee] est capable de mettre une tournure stylistique sur tout, mais aussi de rendre tout émotionnellement vrai et réel. Il a pu capturer toute cette douleur qui se passait, mais aussi avoir cet humour et ce style espiègle. »
10 ‘Full Metal Jacket’ (1987)
Stanley Kubrick a tellement de films acclamés que même ses films moins célèbres sont souvent considérés comme des classiques. C’est certainement le cas de Full Metal Jacket, un film mettant en vedette une performance dynamique et inoubliable de R. Lee Ermey, qui suit les effets déshumanisants de la guerre du Vietnam sur les recrues de l’armée, depuis leur entraînement brutal en camp d’entraînement jusqu’aux combats horribles.
« La première moitié de Full Metal Jacket est consacrée à l’ordre, et à la transformation de ces êtres humains en machines… ensuite, il s’agit d’amener ces machines et cet ordre dans le chaos ». Aronofsky fait l’éloge, poursuivant : « soudain, tout le style de tournage change, et c’est un film complètement différent. Je pense que le dernier plan du film consiste à prendre la grille de cet ordre et à la coller sur ce chaos, alors qu’ils sont en enfer, littéralement. Ils sont dans ce paysage détruit, et pourtant ils sont parfaitement ordonnés dans une grille, chantant la grande chanson thème de l’Amérique, essayant d’imprimer cette grille sur le chaos ». L’équilibre entre l’ordre et le chaos est un élément central de nombreux films de Darren Aronofsky, ce qui fait de Full Metal Jacket un parallèle parfait.
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