Largement considérées comme l’une des meilleures décennies pour le cinéma, les années 1990, à l’instar des années 1970, ont vu les studios offrir de plus grands espaces à de nouveaux réalisateurs d’auteur, dont beaucoup sont devenus des noms connus. L’un des genres préférés du public, la décennie a vu une abondance de grands films policiers.

Si des films mystérieux des années 90 comme Se7en et The Usual Suspects sont restés dans l’air du temps, d’autres sont passés entre les mailles du filet. Que ce soit parce qu’ils ont eu des sorties limitées, des stars limitées ou qu’ils ont été éclipsés par des projets plus importants, ces films mystérieux n’ont pas reçu l’appréciation qu’ils méritaient.

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10 « Lone Star » (1996)

Considéré par beaucoup comme le chef-d’œuvre du cinéaste indépendant John Sayles, Lone Star est son film le plus grandiose. Ce néo-western sur l’argent sale, les gens sales et les secrets enfouis depuis longtemps tisse de manière experte le mélodrame typique de Sayles avec un mystère effrayant. Ambitieux par son ampleur mais personnel par sa narration, le film marque l’apogée de la carrière de Sayles ainsi qu’un point culminant pour le cinéma indépendant des années 90 dans son ensemble.

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Contrairement à d’autres scénarios moins bien ficelés, Lone Star s’intéresse autant à la destination qu’au voyage. C’est un film où les secrets sont émotionnellement dévastateurs et obsédants. Succès modeste au box-office, le film n’a pas obtenu de nominations aux Oscars. Sa fin, une catastrophe naturelle d’une douceur amère imminente, est l’une des meilleures de la décennie.

9 « Lost Highway » (1997)

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De tous les prismes énigmatiques de David Lynch, Lost Highway reste le plus incompris. Narrativement cryptique, même pour les standards de Lynch, le film a souvent été rejeté comme incohérent lors de sa sortie, avant d’être admiré rétrospectivement. Le film est une fusion hallucinatoire de psychologie freudienne et d’une bande-son pimpante dans la structure d’une « fugue psychogène ».

Scène par scène, Lost Highway se classe parmi les meilleures œuvres de Lynch. Chaque image est digne d’un cadre et chaque performance est parfaite, avec en particulier un rôle inoubliable du regretté Robert Blake. Avec son exploration des rêves et des désirs refoulés, le film a été considéré comme un film culte et placé thématiquement aux côtés de Mulholland Drive et Inland Empire de Lynch.

8 « Le pic des veuves » (1994)

widows_peak_1994

Widows’ Peak est une version plus fantaisiste du genre policier, mais il n’en demeure pas moins que les mots ne manquent pas. Le film suit une nouvelle venue dans une petite ville irlandaise exclusive, l’humour du film est subtil et les dialogues éloquents. Le trio principal composé de Mia Farrow, Joan Plowright et Natasha Richardson joue un rôle de premier ordre, donnant vie à leurs personnages finement ciselés.

Ce film est une comédie d’assomption très anglaise, car il se concentre fortement sur la dignité et la hiérarchie. Ses personnages semblent majestueux et nobles, mais leur façade cache une rudesse sournoise. Le rebondissement du film est léger mais bien joué, exposant les fronts que le film explore depuis le début.

7 « La Célébration » (1998)

La Célébration 1998

Premier film Dogme 95, The Celebration reste l’une des œuvres phares de Thomas Vintberg, qui a remporté il y a quelques années seulement le prix du meilleur long métrage international aux Oscars pour Another Round. La Célébration est un film vif et mordant, mais aussi un film tragique et dévastateur, un point sur lequel le film se bat tout au long de sa durée.

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Se déroulant lors d’une réunion de famille à l’occasion du 60e anniversaire du patriarche, le mélange de sujets sombres et de comédie dans le cadre d’une famille évoque la série à succès Succession. À l’instar de cette série, The Celebration ne s’accroche pas à la douleur, traitant plutôt l’incident comme une farce. Choquante et influente, The Celebration trouve un fil conducteur tendre dans son ton incertain.

6 « Le diable en robe bleue » (1995)

Don Cheadle et Denzel Washington dans Devil In A Blue Dress

Après l’électrique One False Move, l’un des meilleurs films de la décennie, les fans attendaient beaucoup du prochain film de Carl Franklin. Il a tenu ses promesses en adaptant le roman policier classique de Walter Mosley, Devil in a Blue Dress (Le diable en robe bleue). Avec son scénario fluide et ses images fumantes, Devil in a Blue Dress ne réinvente pas le genre policier, mais en offre une version de premier ordre.

Bien qu’il ait été un échec au box-office, le film offre un mystère astucieux et bien rythmé, accompagné d’un commentaire racial poignant. La performance de Denzel Washington dans le rôle du détective Ezekiel ‘Easy’ Rawlins, la seule représentation du shamus à l’écran à ce jour, est l’une de ses plus belles réussites. L’un des meilleurs néo-noirs noirs des années 90, Devil in a Blue Dress devrait prouver que Rawlins mérite d’être à nouveau porté à l’écran.

5 « Zero Effect » (1998)

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Premier film de Jake Kasdan, Zero Effect est un mélange rare de touches comiques et d’introspection. Avec Bill Pullman dans le rôle de Daryl Zero,  » le détective le plus privé du monde « , c’est un film excentrique, mais pas de façon rebutante. Bien qu’il n’ait pas le cadre grinçant et brûlant d’autres films policiers, le film réussit malgré, et en partie grâce à son environnement ordinaire.

Si Zero Effect peut sembler au départ une aventure frivole, il n’en demeure pas moins qu’il réserve de sinistres surprises, qui ne sont pas sans rappeler un film comme The Kid Detective. Malgré son pedigree, le film n’a rapporté que 2 millions de dollars pour un budget de 5 millions. Avec une prémisse intrigante et une écriture comique aiguë, Zero Effect est un mariage parfait entre l’humour et l’intrigue.

4 « The Interview » (1998)

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À ne pas confondre avec la satire de 2014, The Interview a marqué un point culminant pour les thrillers australiens des années 90. Emmené par un Hugo Weaving câblé, le film a connu une sortie limitée en dehors de l’Australie, où il a remporté de nombreux prix, dont l’AACTA du meilleur film. Le film se déroule comme un théâtre, autour de trois acteurs principaux et presque entièrement dans une salle d’interrogatoire.

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C’est un film lent et long qui s’intéresse plus à la psyché qu’à l’intrigue. Weaving est la force motrice du film, jouant un reclus qui peut être une victime ou un coupable. La dynamique du pouvoir et le concept de vérité peuvent changer, mais la propulsion de The Interview reste constante.

3 « Thunderheart » (1992)

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Michael Apted n’est pas un réalisateur qui aime jouer. Ses films sont évocateurs, non pas en raison de leur style écrasant, mais plutôt parce qu’ils sont souvent ancrés dans la vérité et le monde réel. Un autre thème du travail d’Apted est celui des personnes en position de pouvoir qui tentent d’obtenir ce qu’elles veulent. Le film néo-western Thunderheart, réalisé par Apted en 1992, est une fusion de ces deux concepts.

Succès financier modeste, le film met en scène un agent du FBI d’origine sioux envoyé dans une réserve pour enquêter sur un meurtre. Bien qu’il ne soit pas aussi frappant, Thunderheart est un prédécesseur évident des films policiers modernes ayant trait aux terres amérindiennes, en particulier Wind River. Plus spirituel que la plupart des films policiers des années 90, Thunderheart est une version supérieure à la moyenne d’un genre éprouvé grâce à son atmosphère riche.

2 « Manhattan Murder Mystery » (1993)

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Depuis sa sortie, un film comme Manhattan Murder Mystery a été tenté de faire. Le film, qui s’inspire de Neil Simon et de Double Indemnité, met en scène un couple new-yorkais qui part enquêter sur son voisin après la mort suspecte de sa femme.

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Le jeu des acteurs est dynamique, avec Diane Keaton dans l’un de ses meilleurs rôles des années 90. Alan Alda et Anjelica Huston ajoutent également du flair à l’ensemble dans des rôles secondaires. Bien que les acteurs se complètent parfaitement, le film n’a même pas réussi à récupérer son budget au box-office. Néanmoins, Manhattan Murder Mystery est un mystère conjugal merveilleusement inspiré qui tire le meilleur parti de son talentueux casting.

1 « La prisonnière espagnole » (1997)

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Les deux obsessions de David Mamet, le langage et la tromperie, n’ont jamais été aussi harmonieusement réunies que dans La Prisonnière espagnole. C’est du Mamet pur, sans filtre, où personne ne dit ce qu’il pense et ne pense jamais ce qu’il dit. Cependant, il n’est pas encombré par la méchanceté des autres œuvres de Mamet, ce qui prouve qu’il a fait preuve de la forme la plus authentique.

Comme son premier film House of Games, The Spanish Prisoner est une intrigue diabolique. Il s’agit essentiellement d’un film à suspense, et Mamet se rapproche le plus possible d’Hitchcock. Cependant, ses personnages sont encore plus riches et énigmatiques, Steve Martin étant envoûtant dans le rôle du mystérieux étranger. Sans faille dans le style et l’exécution, La Prisonnière espagnole est à la fois une énigme et un Rubik’s Cube du langage.

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