Dans l’un des premiers grands thrillers de science-fiction de l’année 2023, 65, le duo de scénaristes et réalisateurs Scott Beck et Bryan Woods porte un concept unique sur grand écran. Avec Adam Driver et Ariana Greenblatt, le film détourne le thème de la planète extraterrestre pour nous donner une nouvelle vision de l’affrontement entre l’homme et les dinosaures. Lors d’une interview avec Steve Weintraub de Collider, Beck et Woods ont décrit l’épopée comme un « hybride » entre les films de Roland Emmerich (Independence Day) et de Terrence Malick (The Thin Red Line). Le duo est surtout connu pour avoir écrit les scénarios de la franchise A Quiet Place, et sont également les scénaristes de la prochaine adaptation de Stephen King par Rob Savage, The Boogeyman, qui, selon eux, est leur œuvre préférée du roi de l’horreur.
Dans 65, Beck et Woods puisent dans leur passion d’enfance pour le cinéma et les films de dinosaures à grande échelle en renvoyant le public il y a 65 millions d’années sur la Terre préhistorique. Lorsque le vaisseau spatial du pilote Mills (Driver) s’écrase sur une planète inconnue, lui et le seul autre survivant, une jeune fille nommée Koa (Greenblatt), doivent maintenant survivre sur ce terrain mortel. Avec une dernière chance de s’échapper, tous les deux vont voyager à travers des terres inconnues, en combattant cette espèce prédatrice.
Avant que 65 ne sorte en salles, Beck et Woods discutent des défis qu’ils ont dû relever pendant la production, du tournage sur place à la budgétisation des effets visuels et de la fabrication des dinosaures pour réaliser leurs rêves d’enfant. Ils partagent les conseils qu’ils se donneraient le premier jour de tournage, ce qui a dû être coupé pour gagner du temps, et pourquoi ils voulaient travailler avec le directeur de la photographie Salvatore Totino (Spider-Man : Homecoming). Ils parlent également du cinéma de rêve des cinéphiles qu’ils ouvrent dans leur ville natale de Davenport, dans l’Iowa, et de The Boogeyman. Pour tout cela et bien plus encore, découvrez l’interview dans le lecteur ci-dessus, ou lisez l’intégralité de l’interview ci-dessous.
COLLIDER : Je voudrais commencer par Congrats. C’est vraiment cool que vous ayez pu faire un film pour un grand studio.
SCOTT BECK : Oh, merci. Oui, c’était un film très amusant à faire.
BRYAN WOODS : J’apprécie, merci.
Un million de questions à vous poser. La première est probablement la plus importante. J’accorde du crédit à tous ceux qui ouvrent un cinéma et vous ouvrez un cinéma à Davenport, ce qui est génial. Pour les gens qui vivent dans cette région, comment se fait-il que vous ouvriez un cinéma ?
BECK : Merci d’en parler. C’est un projet qui nous passionne. Pour nous, l’expérience théâtrale est sacrée, et Davenport, dans l’Iowa, d’où nous sommes originaires, est un endroit très improbable, mais c’est ce qui le rend magique. C’est un endroit où, très tôt, l’une des premières caméras 16 millimètres a commencé à être développée, mais elle a finalement été battue par d’autres concurrents. C’est le Heartland, et c’est un endroit où nous voulons revigorer l’expérience cinématographique.
J’ai l’impression qu’elle a été un peu gâchée par la façon dont les multiplexes ne prêtent parfois pas attention à la projection ou au son, ou à la programmation. Il y a deux écrans, un écran sur le toit, et le projet est de faire des salles de première diffusion, des projections de répertoire, des projections cultes, des projections communautaires, un peu comme Tarantino le fait avec le New Beverly, mais aussi d’en faire un centre d’activités cinématographiques, de faire revenir des invités spéciaux. Vous savez, si le cinéma était ouvert aujourd’hui, nous y projetterions 65 films et ferions revenir Driver, ou Sam Raimi, et nous nous assurerions que le cinéma reste pertinent d’un point de vue communautaire, que nous ne sommes pas tous coincés chez nous à regarder des films en streaming exclusivement.
J’ai vu l’illustration de ce à quoi va ressembler le cinéma, et l’étage avec l’extérieur. J’apprécie que vous fassiez cela, et j’espère que ce sera, évidemment, une entreprise très prospère. Si vous pouviez obtenir le financement nécessaire pour faire ce que vous voulez, que feriez-vous ?
WOODS : [Laughs] Le financement ? Je veux dire…
BECK : C’est drôle parce que j’ai l’impression que nous sortons de quelque chose que nous voulions faire depuis longtemps, un film sur les dinosaures. Je pense que le seul endroit où nous n’avons pas fait – et cela va sembler un peu générique, mais c’est comme faire un film sur l’espace, comme un pur film sur l’espace. Vous savez, qu’il se déroule sur différentes planètes ou non.
Il y a une franchise que nous aurions aimé faire, mais j’ai l’impression qu’elle est sans cesse refaite, c’est Resident Evil. J’ai l’impression qu’à chaque fois que nous voulons lever la main pour le film Resident Evil, quelqu’un vient d’être réengagé pour en faire, genre, le cinquième remake. Resident Evil est un jeu vidéo auquel Bryan et moi avons joué lorsque nous étions enfants dans l’Iowa. C’était tellement cinématographique parce qu’il y avait ces longs travellings qui étaient pleins de suspense, et on ne savait jamais ce qu’il y avait au coin de la rue. Nous avons toujours voulu faire un film Resident Evil qui soit ostensiblement un oner, comme le mariage de George Romero et de Gus Van Sant, avec sa trilogie de la mort Gerry and Elephant et Last Days, et utiliser le style pour créer du suspense de manière inhérente. Alors je ne sais pas, c’est un film sur la liste des choses à faire. Je ne sais pas s’il verra un jour le jour.
Image via Momentum Pictures
Parfois, je pose cette question et les gens sont perplexes, et d’autres fois, les gens ont des idées et se disent : « Je vais les présenter tout de suite. » Vous voyez ? C’est comme : « Resident Evil ! » Qu’auriez-vous aimé savoir ou pouvoir vous dire le premier jour du tournage de 65 ? Quelque chose que vous avez appris au montage ou pendant le tournage et que vous auriez aimé savoir.
BECK : Ce sont d’excellentes questions. Elles nous permettent de rester vigilants. Je veux dire que je dirais : « Appréciez le processus. » Le problème, c’est que faire un film, c’est parfois des journées de 16 heures, et vous travaillez six jours par semaine, parfois sept jours par semaine, et c’est juste, c’est vraiment un défi physique et mental. Mais apprécier le processus de réalisation d’un film sur les dinosaures, je pense que c’est toujours la chose dont nous essayons de nous souvenir, mais dont nous ne nous souvenons peut-être pas assez clairement.
WOODS : Oui, il y a eu quelques moments pendant le tournage où on s’est dit : « Oh oui, c’est un film de dinosaures. » Par exemple, lors d’une des journées de tournage, nous avons demandé à un groupe d’artistes du Cirque du Soleil de revêtir des costumes de dinosaures géants et de se produire en tant que dinosaures. Le fait d’avoir ces artistes physiquement et pratiquement sur le plateau nous a rappelé : « Quelle chance nous avons de pouvoir vivre nos rêves de dix ans sur un film ! »
Mais oui, le tournage a été difficile. C’était un tournage difficile parce que nous avons tourné ce film en 40 jours. Il s’agit de lieux de tournage pratiques dans un monde où presque tous les films sont tournés sur un plateau de tournage VR à l’heure actuelle. Vous savez, c’était un véritable défi de pouvoir aller voir des cascades et de faire de la randonnée dans une montagne pour trouver une forêt particulière qui n’avait jamais été filmée auparavant. Et je suis d’accord avec Scott, ce serait bien de revenir en arrière et d’essayer de profiter un peu du voyage.
Vous n’aviez pas l’argent de Marvel pour faire ce film, et je sais comment les films sont faits et comment vous devez renoncer à certaines choses parce que vous avez votre emploi du temps et votre budget. Y a-t-il des choses que vous étiez vraiment triste d’avoir écrites et que vous aimiez, mais que vous n’avez pas eu le temps ou l’argent de mettre dans le film, et comment avez-vous résolu ce problème ?
BECK : Oui, je veux dire, je pense que [there are] les décors qui, du fait qu’ils doivent être tournés pendant 40 jours, n’ont pas tout le temps nécessaire pour le faire. [There are] des séquences qui sont comme des précurseurs dans le vaisseau spatial, comme avec Mills. Donc [there are] Du point de vue de l’histoire, vous écrivez tout, mais inévitablement le processus de réalisation la condense et vous devez trouver des moyens de transmettre l’histoire d’une autre manière. Mais c’est le défi auquel j’ai l’impression que nous sommes confrontés depuis l’âge de 11 ans, celui de faire des films dans notre propre jardin. Du genre : « Il faut qu’une explosion géante se produise ici, mais on ne peut pas faire de pyrotechnie, on a 12 ans. » Nous devons donc trouver des moyens d’utiliser le pouvoir de suggestion, et cela ne nous a jamais quittés.
Dans ce film, sachant que nous avons un budget pour faire des effets visuels de dinosaures et quelques dinosaures pratiques, mais qu’on ne peut pas dépenser 170 millions de dollars pour réaliser tout cela, il faut commencer à penser à la conception du son, ou bien nous voyons les ombres de quelque chose, et c’est une sorte d’exercice créatif amusant. C’est parfois exaspérant parce qu’on se met vraiment au défi d’un point de vue créatif, mais en fin de compte, c’est un peu ce que nous faisons depuis que nous sommes enfants.
WOODS : Et c’était un peu l’attrait de ce film pour nous, franchement, de prendre un concept élevé, une prémisse de film de série B pulpeux et de le mettre sur une grande toile, mais ensuite de l’exécuter avec une approche presque minimaliste et intime avec les personnages. Nous avons plaisanté en disant que c’est un peu comme si le film reflétait notre amour des films catastrophes de Roland Emmerich, mais aussi de Terrence Malick. C’est un hybride de tout cela, et je pense que c’est en partie ce qui nous a séduits, et c’est pourquoi nous étions reconnaissants d’avoir un interprète aussi merveilleux qu’Adam Driver. Parce que chaque jour, nous ne parlons pas nécessairement de dinosaures et des dinosaures qui s’approchent, nous parlons plutôt du poids émotionnel qui couve dans son personnage et de la façon dont il s’exprime sans dialogue. C’est ce qui était amusant.
Comment avez-vous choisi Salvatore [Totino]? Comment l’avez-vous choisi pour être votre [director of photography]? Parlez-nous un peu de l’élaboration de certains plans spécifiques avec lui, parce qu’il y a des plans sympas dans le film. Il y en a un dans la bande-annonce avec le T. rex, ou juste derrière l’eau, vous voyez ? Vous avez dit que vous aviez 40 jours, vous ne pouvez pas passer toute la journée à essayer de rendre un plan parfait.
BECK : Oui. L’une des choses fascinantes à propos de Sal, c’est la variété des films qu’il a tournés, depuis Everest, qu’ils ont en fait tourné sur des parties du Mont Everest, et il y avait une physicalité qu’il a apportée. Il a également tourné des films plus intimes, axés sur les personnages, comme Frost/Nixon. Je pense qu’il semblait avoir la ténacité, l’énergie et l’esprit créatif nécessaires pour s’engager dans un film comme celui-ci, qui a été tourné assez souvent dans des lieux de tournage pratiques.
Il a également la capacité d’innover et de concevoir. Par exemple, dans une scène où nos personnages dorment dans l’entrée d’une grotte avant qu’un T. rex ne surgisse derrière eux, nous avons dû construire une piste personnalisée qui a dû être entièrement conçue et construite à partir de zéro. Nous avons dû construire une piste personnalisée qui a dû être entièrement conçue et fabriquée. Nous avons fait un story-board de presque chaque image du film pour déterminer comment réaliser ces différentes conceptions visuelles. Il était à nos côtés pour faire les calculs, mais aussi pour collaborer de manière créative et discuter de la meilleure façon d’y parvenir. Comment pénétrer les personnages si le plan est davantage axé sur l’intérieur ou sur la menace extérieure ? » C’est donc une vérification constante avec lui, mais il a été un collaborateur de rêve pour nous.
J’aime parler du processus de montage parce que c’est là que tout se joue, alors comment le film a-t-il évolué de manière inattendue dans la salle de montage ?
WOODS : Eh bien, le film a beaucoup évolué en post-production. La nature même du film, qui est un film très calme, sans beaucoup de dialogues, avec beaucoup de suggestions et d’émotions internes afin d’illustrer l’histoire. C’était un film difficile. Il fallait le bon morceau de musique, les bons effets sonores ou le bon design sonore pour qu’une scène donnée fonctionne. Il s’agissait donc d’une évolution constante, d’un test de pression, d’un échantillonnage et d’un essai de différentes choses, de différentes coupes, de différents montages, de la façon dont certains plans étaient assemblés.
C’était délicat parce qu’il n’y a pas… Et c’est le défi que nous nous sommes lancé, et qu’Adam nous a lancé aussi, à savoir : « Comment faire ça avec le moins de lignes de dialogue possible ? » Si nous réalisons le film comme nous le souhaitions, vous devriez pouvoir appuyer sur le bouton « muet » tout en suivant l’histoire. C’était le défi initial. Comme vous pouvez l’imaginer, c’était un processus très délicat et très précieux pour faire émerger l’histoire.
Image via Sony
Je pose toujours des questions sur les scènes supprimées. En avez-vous eu beaucoup sur le plancher de la salle de montage ou non ?
BECK : [There are] quelques scènes qui n’ont pas été retenues, et nous les présenterons probablement sur certaines des sorties vidéo. Je veux dire.., [there are] certaines séquences entre Adam et Ariana où c’est un moment de calme au milieu d’une menace, et c’était toujours comme cette vérification instinctive de « Est-ce qu’ils se lient trop tôt ou est-ce qu’il faut retirer la menace dans ce moment et laisser le calme s’installer, ou est-ce qu’il faut que ce soit l’inverse ? » C’est donc inévitable : on peut écrire toutes les scènes du monde, mais en fin de compte, le film et le processus de montage nous informent vraiment de ce dont le film a besoin et de ce qu’on peut en écarter.
Vous ne vous contentez pas de réaliser ce film. Qu’avez-vous hâte que les fans voient dans The Boogeyman ?
WOODS : C’est un film dont nous sommes très fiers. C’est notre œuvre préférée de Stephen King, ce qui est absurde car il a écrit tellement de choses miraculeuses, mais nous avons toujours aimé cette nouvelle, The Boogeyman, elle nous a toujours donné la chair de poule. Elle est si simple, si claire et si terrifiante, et pouvoir jouer dans ce bac à sable était un véritable rêve. (Le réalisateur) Rob Savage a fait du bon travail et je pense que le public va s’amuser à voir ce film. J’espère que c’est une autre raison pour les gens de venir au cinéma, et nous avons été vraiment, vraiment émus par la décision de 20th de le prendre, car il devait ostensiblement sortir sur Hulu, et ils réinvestissent en quelque sorte dans l’écosystème des salles de cinéma, ce qui est si important pour nous.
Image via 20th Century Studios
C’est la chose que je voulais aborder parce que j’avais espéré avec Prey, qui [Dan Trachtenberg] que le film sortirait en salles, mais il y a les contrats et tout le reste. Pour les gens qui ne le savent pas, peut-être pourriez-vous l’expliquer, c’est une grosse affaire de prendre les contrats de Hulu et de dire « Oh, faisons-le dans les salles de cinéma ».
BECK : Oui, nous avons compris qu’avec Prey, c’était presque une impossibilité contractuelle pour ce film de sortir en salles parce qu’il aurait été bloqué par d’autres services de streaming s’il avait été diffusé en salles. Boogeyman a donc eu la chance de ne pas être coincé dans le pipeline 2022, sinon il aurait été strictement en streaming. Il sort en 2023, cet été, ce qui lui a permis de s’affranchir de ces obligations contractuelles. Mais encore une fois, nous avons écrit le film initialement pour la 20th Century Fox, lorsque la Fox existait encore, et c’était un film de studio. Le fait qu’il ait été diffusé en streaming et qu’il revienne maintenant dans les salles de cinéma est une grande source d’inspiration pour nous. Nous avons l’impression qu’il y a eu un tournant, après les trois dernières années d’un paysage cinématographique vraiment bizarre, qui, espérons-le, trouvera une nouvelle normalité où, oui, le streaming n’ira nulle part, mais il y aura un certain type de film, ou une certaine attente du processus de sortie en salle, qui nous inspire parce que c’est ce dont nous sommes tombés amoureux quand nous étions enfants.
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