Drive et 9 films emblématiques où le décor est la star du spectacle

Il semble étrange de dire qu’un décor peut être un personnage. Après tout, un décor n’a pas d’agence, de motifs ou de capacité de décision. D’un autre côté, un décor peut être bien plus qu’une simple toile de fond pittoresque pour des éléments de décor et des dialogues. Il existe certainement des cas où le décor fait tellement partie intégrante de l’ADN des films que si vous le changez, toute l’histoire s’en trouve bouleversée.

RELATIF : Les 10 meilleurs films se déroulant dans la neige, selon Letterboxd

Un décor, lorsqu’il est bien utilisé, est un raccourci qui peut dire au public tout ce qu’il a besoin de savoir sur un personnage. Le décor peut être utilisé pour illustrer l’oppression et les attentes chaudes et inéluctables dans lesquelles vivent les personnages d’un film, comme c’est le cas dans In the Mood for Love, ou pour renvoyer à un personnage son caractère miteux et glauque, comme c’est le cas dans Nightcrawler.

Lost in Translation (2003)

Un acteur autrefois célèbre (Bill Murray) et une femme (Scarlett Johansson) qui se sent délaissée par son mari nouent une amitié improbable lorsque leurs chemins se croisent au Park Hyatt de Tokyo. La pression étouffante de la vie se heurte à un sentiment de solitude tout aussi étouffant dans Lost in Translation de Sofia Coppola. Ces deux notions ne sont nulle part mieux incarnées qu’à Tokyo, une ville surpeuplée où l’on ne peut s’empêcher de se sentir invisible dans un océan d’anonymat.

Lost in Translation déploie parfaitement son décor pour refléter et représenter la solitude unique que ressentent ses protagonistes. Stagnant dans leur carrière ou leurs relations, ils luttent pour se sentir vus, alors qu’ils sont si souvent entourés.

Collateral (2004)

Dans Collateral, un chauffeur de taxi sans méfiance est contraint de passer une longue nuit à conduire un tueur à gages dans Los Angeles. Le film met en vedette Jamie Foxx et Tom Cruise, qui interprètent respectivement un chauffeur de taxi malchanceux et un méchant froid, calme et posé. Le décor est également à contre-courant.

Los Angeles joue souvent son propre rôle dans les films. Bien qu’elle soit une plaque tournante du cinéma, ce n’est pas la seule raison pour laquelle elle est un décor populaire : LA est toujours reconnaissable. Son étalement dans le smog est si familier, mais que ce visage familier apparaisse lisse, sinistre ou menaçant dépend du cinéaste qui le capture. Dans le cas de Michael Mann, il a choisi tout cela pour Collateral.

In the Mood for Love (2000)

Lorsque deux voisins se rendent compte que leurs conjoints ont une liaison, ils se lient d’amitié et tentent de résister à l’envie de commencer leur liaison, malgré la force de leurs sentiments l’un pour l’autre. Situé dans le Hong Kong chaud et surpeuplé des années 1960, In the Mood for Love est à la hauteur de son titre, le réalisateur Wong Kar-wai ayant parfaitement su capturer une ambiance unique et étouffante tout au long du film.

RELATIF : Tous les films de Wong Kar-wai classés par ordre décroissant de qualité.

La chaleur, l’humidité et la ville claustrophobe pèsent sur M. Chow (Tony Leung) et Mme Chan (Maggie Cheung) de la même manière que les pressions sociales de l’époque. Entassés les uns sur les autres dans une ville surpeuplée, ils ont des yeux et des attentes sur eux à tout moment. Vivant dans des chambres louées avec leurs propriétaires bavards et observateurs toujours à quelques pas d’eux, M. Chow et Mme Chan peuvent à peine admettre leurs sentiments à eux-mêmes, sans parler de ceux qui les entourent.

Wake in Fright (1971)

Un instituteur de Sydney (Gary Bond) sombre dans la folie et l’autodestruction lorsqu’il se retrouve bloqué dans une petite ville de l’arrière-pays australien. Wake in Fright se définit à la fois par son cadre et par son sujet. Le contraste entre l’Australie métropolitaine et l’Australie de l’outback, en particulier dans les années 70, était frappant.

RELATIF : Les 10 meilleurs films d’horreur de l’Australie profonde, selon Rotten Tomatoes

Il existe un désir chez les citadins de se distancier des comportements et des intérêts stéréotypés des Australiens (ce que l’on appelle le  » malaise culturel australien « ) et de se détourner des façons de faire nettement moins modernes de l’arrière-pays. Wake in Fright cherche à savoir si cette distinction de classe et de culture est réelle ou si nous sommes tous des Australiens de l’outback brutaux et prêts à tout, essayant simplement de nier nos instincts les plus bas.

Nightcrawler (2014)

Lou Bloom (Jake Gyllenhaal) est un homme dangereusement ambitieux qui commence à filmer des crimes et des accidents de voiture dans tout Los Angeles, gagnant son argent en vendant les images aux chaînes d’information locales. Le cadre de Los Angeles de Nightcrawler va bien au-delà de la simple apparence du film. En plus de fournir les rues tentaculaires, miteuses et dangereuses où Lou cherche le sang, le sang et la misère, elle partage également un trait important avec Lou.

Connue pour être un endroit où les gens affluent pour « réussir », L.A. est une ville d’ambition, de désir et de tout ce qu’il faut faire pour obtenir ce que l’on veut. Ces caractéristiques définissent Lou et, plus largement, le film de Dan Gilroy. Nightcrawler, tout comme L.A., traite des dangers du fonceur et de notre obsession pour le voyeurisme et la consommation macabre de la tragédie des autres.

Playtime (1967)

Monsieur Hulot, interprété par Jaques Tati, qui a également réalisé le film, se fraie maladroitement un chemin dans la ville animée et rapide de Paris. Playtime est bien plus qu’un film narratif. Il s’agit d’une chorégraphie spectaculaire et d’un exploit technique qui se délecte de la joie et de l’émerveillement enfantin que seul le cinéma peut offrir.

La beauté de Playtime et la raison pour laquelle son cadre est si distinct est qu’il fonctionne presque comme un film muet. C’est un film entièrement visuel et complexe à regarder, avec de longues séquences d’histoire qui sont explorées uniquement par la façon dont les personnages du film habitent et se déplacent dans les incroyables décors et lieux.

Drive (2011)

Cascadeur le jour, conducteur en fuite la nuit, Drive est le film d’ambiance ultime de L.A. qui suit le personnage anonyme de Ryan Gosling alors qu’il navigue dans les rues et les bas-fonds de L.A. Drive capture, par-dessus tout, la solitude et la romance de conduire dans une ville après la tombée de la nuit, parfois sans autre raison que de conduire.

Le film met en lumière l’étalement urbain et le faste hollywoodien de L.A. dans une égale mesure. Avec des scènes filmées au bord de la rivière Los Angeles, qui a également servi de toile de fond à des scènes emblématiques de films comme Grease et Chinatown, le réalisateur Nicolas Winding Refn connaît et aime la façon dont Los Angeles a été représentée au cinéma.

The Great Beauty (2013)

Un écrivain vieillissant (Toni Servillo) fait le point sur sa vie et réfléchit à son passé. La Grande Beauté est à la fois un drame narratif, une comédie et une œuvre d’art. Se déroulant à Rome, peu de films adorent et vénèrent leurs décors autant que ce film. L’histoire et les thèmes du film sont ancrés dans la réflexion, et les lieux et la cinématographie sont les mêmes.

Non content des pièges à touristes typiques que les spectateurs internationaux reconnaîtraient sur des cartes postales ou des bobines Instagram, The Great Beauty présente des lieux italiens incroyables, comme les musées du Capitole, l’église Santa Maria, le musée Palazzo Braschi et la Villa Médicis.

‘Midsommar’ (2019)

Après qu’une terrible tragédie ait frappé Dani, jouée par Florence Pugh, elle rejoint son petit ami pour un voyage entre garçons dans une petite communauté suédoise qui n’est pas ce qu’elle semble être. L’importance du décor de Midsommar tient moins à l’endroit où il a été filmé qu’au contraste saisissant entre le langage visuel du film et les événements qui s’y déroulent.

CONNEXE : Les 10 meilleurs débuts de réalisateur de films d’horreur du 21e siècle (jusqu’à présent)

Midsommar est un film visuellement époustouflant. Ses lieux sont mis en valeur par des décors magnifiques et des costumes fantaisistes et somptueux. Les incroyables paysages ensoleillés et parsemés de fleurs sauvages qu’habitent les personnages du film contrastent totalement avec la nature sombre et macabre de ce qui se passe dans le film. Ce contraste fonctionne comme une couche supplémentaire de thème pour le film, explorant davantage l’idée que ce qui est barbare, traumatique ou répugnant pour une personne, peut représenter la tradition, la communauté et l’unité pour une autre.

Zodiac (2007)

Zodiac suit le dessinateur de journaux Robert Graysmith, joué par Jake Gyllenhaal, alors qu’il devient obsédé par la célèbre affaire du tueur du Zodiaque. Le film est basé sur le livre de Graysmith sur l’affaire et sur son expérience de l’enquête. Bien que le livre, et par extension l’adaptation cinématographique, aient été critiqués pour leurs interprétations libérales des preuves, on ne peut nier que Zodiac est un thriller magistral qui recrée minutieusement un certain nombre de villes californiennes d’époque, des années 60 aux années 80.

Le cadre de Zodiac ne se résume pas à des images magnifiques et obsédantes, il s’agit également de la géographie réelle des villes concernées. Les lieux où se déroulent les crimes dans le film jouent un rôle très important, et l’incroyable scénario de James Vanderbilt fait tout autant pour transmettre l’importance de la géographie du film que ses images.

POURSUIVRE LA LECTURE :  » The Flawless Club : 15 des meilleurs films ayant obtenu un score parfait de 100 % sur Rotten Tomatoes « .