En 2015, George Lucas a déclaré à Vanity Fair : » Vous allez faire un film et tout ce que vous faites, c’est être critiqué, et les gens essaient de prendre des décisions sur ce que vous allez faire avant que vous ne le fassiez. Vous savez, ce n’est pas très amusant. Et vous ne pouvez pas expérimenter, vous ne pouvez rien faire. Vous « devez » tout faire d’une certaine façon. Je n’aime pas ça, je ne l’ai jamais fait – j’ai commencé dans les films expérimentaux et je veux revenir aux films expérimentaux, mais bien sûr, personne ne veut voir de films expérimentaux. » Compte tenu de son statut d’icône de la culture pop depuis des décennies, une telle déclaration peut surprendre ceux qui ne connaissent pas les premiers efforts de Lucas en matière de réalisation de films.
Bien que son nom soit synonyme de divertissement à grande échelle et à haut concept destiné aux masses, George Lucas a en fait débuté sa carrière derrière la caméra en tant qu’artiste expérimental, se targuant de rejeter les sensibilités conventionnelles en faveur de matériaux plus stimulants et ésotériques. Alors qu’il était inscrit au programme de cinéma de l’USC, l’auteur en herbe s’est rapidement fait un nom en tant qu’homme qui sort des sentiers battus, impressionnant ses camarades de classe et ses instructeurs par sa vision audacieuse de ce que pourrait être l’expérience cinématographique. Ce n’est que plusieurs années plus tard, à la suite d’une série d’événements et de circonstances imprévus, que Lucas se tournera vers le cinéma de masse et changera à jamais le paysage hollywoodien.
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Un cinéaste franc-tireur à la vision unique
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En 1965, George Lucas, 21 ans, commence à fréquenter l’école d’arts cinématographiques de l’USC. Tout en côtoyant de futurs cinéastes tels que John Milius, Walter Murch, Randal Kleiser et Caleb Deschanel, le jeune homme originaire de Modesto fait immédiatement parler de lui et est sans doute le petit génie du campus. Muni d’une bobine de film équivalente à une minute d’écran et chargé de « tester la caméra », Lucas monte son premier projet universitaire avec Look at Life. Collage rapide d’images en noir et blanc surprenantes illustrant de nombreux événements mondiaux turbulents survenus au milieu du 20e siècle, Look at Life est un exemple de cinéma ambitieux, frénétique et non narratif à son meilleur. En réfléchissant aux premiers efforts cinématographiques de son camarade de classe, Walter Murch a déclaré : « Les films de George, dès le début, avaient une liberté, une inventivité et une audace étonnantes.
Fasciné par l’esthétique du cinéma vérité, qui s’écarte des normes narratives traditionnelles en faveur d’une approche plus pure et expérimentale de la fusion de l’image et du son, Lucas continue à produire des projets expérimentaux qu’il qualifiera plus tard de « poèmes sonores ». Après Look at Life, un court métrage intitulé 1:42.08, autre film non narratif, met l’accent sur le style plutôt que sur la narration formelle. En tant que grand amateur d’automobiles en général et de voitures de course en particulier, il est tout à fait normal que Lucas conçoive un projet mettant en scène les pitreries à grande vitesse d’un pilote de compétition dévalant une piste de course. D’une durée de sept minutes, 1:42.08 est un exercice technique passionnant. Avec un montage rapide, un travail de caméra cinétique et une bande sonore puissante composée uniquement du moteur rugissant de la voiture de course, le film de Lucas montre les signes d’un cinéaste qui a le don de jouer avec le médium cinématographique.
Mais sa plus grande réussite à l’USC arrivera l’année suivante avec le Labyrinthe électronique de 15 minutes : THX 1138 4EB. Servant de base à ce qui sera le premier long métrage de Lucas des années plus tard, Electronic Labyrinth raconte l’histoire d’un homme qui tente désespérément d’échapper à sa réalité dystopique. Naviguant dans un réseau souterrain de couloirs et de tunnels, échappant aux yeux et aux oreilles d’un État de surveillance quasi-futuriste, il finit par se libérer des limites de sa communauté oppressive. Le film a offert au public une expérience lyrique, d’un autre monde, qui s’appuie fortement sur les images et, comme ses précédents films d’étudiants, il s’est moins attaché à une narration concrète qu’à la création d’une expérience cinématographique surréaliste. Electronic Labyrinth a remporté un franc succès auprès des autres étudiants en cinéma et des festivaliers occasionnels, et a attiré l’attention d’un futur ami et collaborateur. Steven Spielberg est particulièrement séduit par ce qu’il voit et, des décennies plus tard, il dira du film de Lucas : « C’était une vision tellement énorme en si peu de minutes. Il en disait long sur l’avenir et sur mon sujet préféré, la science-fiction. »
M. Lucas va à Hollywood
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Après avoir obtenu son diplôme à l’USC, Lucas a obtenu une bourse qui l’a envoyé sur le plateau de la Warner Bros. en tant que stagiaire sur le film Finian’s Rainbow avec Fred Astaire. C’est sur ce plateau qu’il rencontre et se lie d’amitié avec un ancien de l’école de cinéma de l’UCLA, Francis Ford Coppola, qui va bientôt se lancer dans la production d’un autre film, Les Gens de la Pluie. Accompagnant son ami et confident, Lucas réalise simultanément son propre film sous la forme d’un documentaire sur le tournage du film de Coppola. Les deux hommes, ainsi qu’une poignée de collègues de leurs écoles de cinéma respectives, ne tardent pas à créer la société de production indépendante American Zoetrope, avec l’intention de travailler en dehors du système hollywoodien. L’un des premiers projets de la société est une adaptation en long métrage du Labyrinthe électronique de Lucas : THX 1138 4EB.
Mais après avoir terminé son premier long métrage, Lucas a été confronté à la dure réalité de l’aversion d’un grand studio pour la prise de risque. Bien qu’il ait été autorisé à réaliser le film selon ses propres conditions créatives, le cinéaste dépendait de Warner Bros. pour la distribution de THX en salles. Après avoir visionné une version du film, le studio a rapidement paniqué à l’idée de sortir une parabole de science-fiction aussi sombre et non conventionnelle sur l’état actuel et futur de la société. John Calley, alors directeur de la production chez Warner Bros, se souvient du film de Lucas : « Je dois avouer que personne dans la salle ne savait quoi faire de THX-1138. Si tout le monde s’était dit : ‘Bon sang, c’est Easy Rider 2, et on va faire fortune’, tout le monde se serait serré dans les bras et embrassé. » Coppola se souvient que Calley « ne pouvait absolument pas croire que nous avions fait ce film, et le détestait tellement ».
Après une relation conflictuelle avec Warner Bros., Lucas perd finalement le contrôle créatif de son premier long métrage. L’expérience a été formatrice pour le jeune cinéaste, validant sa réticence à travailler avec un studio et cimentant ses sentiments de désaffection envers le système hollywoodien en général. Mais toute crise est une opportunité, et après l’accueil désastreux de THX-1138 par l’industrie, Lucas s’engage sur une voie créative résolument différente avec ses deux films suivants.
« Faire une comédie »
Le film semi-autobiographique American Graffiti est essentiellement né d’un défi. Frustré par les tendances avant-gardistes de Lucas, Francis Ford Coppola a demandé à son ami d’adopter une approche plus directe du cinéma et de réaliser une comédie. Le résultat est la comédie classique de 1973 sur une nuit dans la vie d’une poignée de diplômés du secondaire en 1962. Avec un budget modeste de 777 000 dollars, American Graffiti a connu un grand succès auprès des cinéphiles et des critiques. En plus de récolter 140 millions de dollars au box-office, le film a obtenu cinq nominations aux Oscars, notamment pour la réalisation et le scénario coécrit par Lucas.
Dire que le succès de son deuxième film a été un tournant majeur pour Lucas serait un euphémisme. Non seulement American Graffiti est son premier film à être vu par le grand public dans le monde entier, mais c’est aussi son film le plus conventionnel à ce jour en termes de structure et de narration. Imprégné du sous-texte thématique qui traverse l’ensemble de l’œuvre de Lucas, qui voit un protagoniste blasé et égaré se libérer de ses limites rigides dans sa quête de découverte de soi, le film a touché une corde sensible universelle avec son histoire accessible, ses personnages attachants et sa nostalgie d’une époque révolue de la culture pop.
American Graffiti est également remarquable pour sa bande-son composée de chansons à succès des années 50 et 60, marquant ainsi l’une des premières incursions du cinéma dans une bande-son mur-à-mur de chansons bien-aimées. En outre, l’idée de diviser un film en narrations parallèles, chacune suivant un personnage clé différent, était également considérée comme inhabituelle et risquée par rapport aux normes de l’époque. Lucas, toujours innovateur et friand d’expérimentations, a réussi à innover tout en faisant le bonheur du grand public. Mais pour ce qui est d’ouvrir une nouvelle voie avec un film destiné au grand public, American Graffiti ne fait pas le poids face au film suivant de Lucas.
Un jalon de la culture populaire lance Lucas sur une voie différente
Lorsque le troisième film de Lucas est sorti en salle le 25 mai 1977, le paysage cinématographique a été modifié à jamais. Star Wars est rapidement devenu le plus grand film de tous les temps, établissant de nouvelles normes pour le divertissement à grande échelle. En un clin d’œil, le cinéaste qui s’était enorgueilli d’aller à contre-courant de la création se retrouve soudain dans une position où il connaît un succès et une visibilité extraordinaires. Lucas a commenté la nature soudaine et inattendue de son statut dans l’industrie cinématographique en déclarant : « Je me battais en quelque sorte contre le système des entreprises, que je n’aimais pas. Et je ne suis pas heureux que les entreprises aient pris le contrôle de l’industrie cinématographique. Mais maintenant, je me retrouve à la tête d’une société, ce qui est assez ironique. Je suis devenu la chose même que j’essayais d’éviter, ce qui est en fait le sujet d’une partie de Star Wars. »
La boucle est bouclée
Après des décennies d’écriture, de réalisation, de production et, en fin de compte, d’avancement des objectifs technologiques du cinéma, George Lucas a laissé une empreinte indélébile dans l’histoire du cinéma. Depuis qu’il s’est éloigné d’Hollywood et qu’il a vendu Lucasfilm à Disney, il a toutefois exprimé publiquement son désir de revenir à ses racines expérimentales en ce qui concerne ses aspirations créatives. En 2015, peu avant que la franchise qu’il a créée ne revienne sur grand écran avec Star Wars : The Force Awakens, il a déclaré à Charlie Rose : « Je vais faire des films que je suis le seul à vouloir voir et à vouloir faire. C’est ce que j’ai toujours voulu faire. Je suis tombé dans le cinéma populaire par accident. J’ai toujours détesté les films théâtraux d’Hollywood. Je ne voulais rien avoir à faire avec eux. »
