La seule nomination de Jim Henson aux Oscars concernait un court métrage expérimental

Au cours d’une carrière riche en histoire qui s’est étendue sur la seconde moitié du XXe siècle, Jim Henson a reçu des dizaines de récompenses pour sa contribution au cinéma et à la télévision pour enfants. Si son travail incomparable sur les Muppets et Sesame Street lui a valu de nombreux Peabody et Emmy Awards, la seule reconnaissance de Henson par l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences a eu lieu en 1966, pour un court métrage résolument adulte, follement expérimental et notablement dépourvu de marionnettes.

Quatre ans avant la création de Sesame Street, dans le sillage des premiers travaux de Henson sur Sam et ses amis, Henson a écrit, réalisé, produit et joué dans un court métrage décalé intitulé Time Piece. Le film, qui dure un peu moins de neuf minutes, s’ouvre sur un homme anonyme (joué par Henson) allongé dans un lit d’hôpital à côté d’une horloge. Un médecin vérifie le rythme cardiaque de l’homme à l’aide d’un stéthoscope et le battement produit un rythme qui se transforme en une chanson percutante. En synchronisation avec les tambours, le film passe à des plans de formes animées avant que l’horloge n’explose et que nous soyons transportés dans les rues de la ville où l’homme traverse des passages piétons très fréquentés à des moments et dans des espaces différents.

FAIRE DÉFILER POUR POURSUIVRE LE CONTENU

RELIEF : 10 meilleurs films de la Jim Henson Company selon IMDB

À partir de là, le film suit l’homme dans d’autres activités quotidiennes et inoffensives : il travaille dans un bureau, signe des documents et travaille sur la chaîne de montage d’une usine. Pendant ce temps, le rythme s’intensifie et des images abstraites continuent d’émerger – de téléphones, de machines à écrire, d’argent et d’horloges. La seule rupture dans le rythme est lorsque l’homme offre la seule ligne de dialogue – un cri faible et impassible de « à l’aide », répété par intermittence à quatre moments du film.

Time Piece » plonge dans le conflit existentiel d’un homme

Dans ce seul premier acte, Henson définit son thème par le biais d’un son synchrone et d’un montage asynchrone. Les riffs constants et croissants des battements de cœur de l’homme et le tic-tac des horloges signifient la temporalité de la vie dans une course contre la montre. Parallèlement, les coupures brutales entre la vie banale de l’homme et des images inattendues et bizarres (comme les formes désincarnées, Henson sur un pogo-stick, ou le fait qu’il danse brièvement pour entrer dans un ascenseur) montrent que le personnage est prisonnier d’un monde industriel routinier, contraint d’étouffer une créativité latente.

Image via The Jim Henson Company

Cette dichotomie se poursuit lorsque l’homme quitte son lieu de travail et entame une promenade dans les bois. À chaque plan, il se débarrasse d’une nouvelle couche de son costume, jusqu’à ce qu’il devienne un Tarzan torse nu dans la jungle. À la seconde où il commence à se balancer à une liane, le film passe à un quartier de banlieue, où l’homme, une fois de plus en costume, rentre chez sa femme (Enid Cafritz) pour un somptueux dîner aux chandelles.

La scène commence de manière conservatrice, le couple mangeant son repas avec des manières délicates. Cependant, au fur et à mesure que l’on passe d’un couple à l’autre, leur étiquette devient de plus en plus barbare. Ils finissent par dévorer la viande avec leurs mains. Un chien ronge un os et l’homme apparaît à nouveau torse nu, avant que son costume ne réapparaisse soudainement et que le couple soit assis dans un restaurant luxueux. De toute évidence, la dissonance cognitive de l’homme entre une société manucurée et sa nature sauvage s’étend à sa sphère domestique.

Le restaurant se transforme en club jazzy, où les percussions se transforment en cacophonie. Des enseignes commerciales clignotent sur l’écran, de même que des danseurs et des artistes sur la scène. Bientôt, les femmes sur scène commencent à se déshabiller, sous le regard intense de l’homme. Le film passe d’elles à des images de champagne qui éclate, d’une banane qui s’épluche, d’un enfant nu et, surtout, de squelettes dansants et de poulets morts. Il jette un pont entre la consommation, la viscéralité et l’érotisme d’une manière à la fois étrange et astucieuse. En lien avec le message général du film, qui oppose la nature à l’éducation dans une vie fragile et limitée, le sexe est dépeint comme une forme basse de complaisance, et pourtant, lorsqu’il est marchandisé dans un tel environnement, il devient une exhibition acceptée et encouragée. Le film s’attaque directement à la crise existentielle de l’homme.

Le message de Henson se dévoile dans le dernier acte de Time Piece

Le troisième et dernier acte de Time Piece porte le surréalisme à son paroxysme, lorsque le personnage de Henson, désormais habillé en cow-boy, fait un trou dans la Joconde, assassinant un emblème de la haute culture qui le retient ainsi. Il se retrouve en prison, où il casse des pierres jusqu’à ce que la prison explose et qu’il prenne la fuite. Dans diverses tenues, l’homme fuit à travers le désert, la ville, les montagnes et un cimetière, tandis qu’un calvaire le poursuit. Pendant ce temps, les plans intermittents incluent un homme peignant un éléphant en rose, un gorille sur un bâton de pogo, des liquides qui coulent dans un égout, et encore plus d’horloges, qui approchent maintenant de minuit.

Enfin, l’homme atteint un haut plongeon, d’où il saute, se fait pousser des ailes et commence à voler dans les airs, mais il est la cible de missiles venus du monde entier. Avec un autre cri de « à l’aide », le son s’interrompt avant que les fusées n’entrent en collision avec l’homme dans une explosion. Dans les coupes, une flèche frappe un œil de bœuf, un coup est lancé et une plume tombe du ciel. Ensuite, l’horloge sonne minuit et, tandis que le carillon retentit, le film rejoue les plans précédents jusqu’à ce que la tête de l’homme soit jetée dans les toilettes et que nous retournions dans la chambre d’hôpital du début.

L’homme est présumé mort, mais lorsque le médecin tire le drap sur sa tête, on découvre qu’il est lui aussi interprété par Henson. Il fait un clin d’œil à la caméra dans le dernier plan, qui se fige avant le générique. Cela apporte un dernier élément de confusion dans ce film décalé. Pendant tout ce temps, nous supposons que nous suivons cet homme au cours d’une journée – ou peut-être d’une vie – où il tente désespérément d’éviter une mort inévitable. Nous pensons qu’il s’agit d’un effort infructueux, mais le dernier plan renverse cette hypothèse, suggérant que l’homme s’en est peut-être sorti à la fin.

Dans son ensemble, Time Piece est un voyage sauvage et loufoque qui oscille entre le symbolisme le plus évident et l’abstraction la plus totale. Bien qu’il ne contienne pas de marionnettes et qu’il soit peut-être trop sophistiqué pour le jeune public de Henson, le film démontre la maîtrise précoce de l’art du réalisateur, en particulier son aptitude au minimalisme. Il fait un usage innovant du son et des images pour partager une histoire et un message intelligents en seulement quelques minutes, comme il le fera par la suite dans d’innombrables sketches des Muppets et de Sesame Street.

Il n’est donc pas surprenant que l’unique nomination de Henson aux Oscars soit pour un film aussi audacieux et décalé. Même si Time Piece est un film pour adultes, les fans des Muppets et de Sesame Street savent que même le contenu préscolaire de Henson peut contenir des blagues et des messages pour adultes. De même, les films de Henson, tels que The Dark Crystal, Labyrinth ou The Witches, montrent qu’il est capable de repousser les limites et d’explorer des sujets sinistres, quel que soit le public visé. Time Piece est donc unique, mais sa loufoquerie et sa qualité s’inscrivent dans la lignée de l’œuvre incomparable de Jim Henson et de Muppets Inc. et il mérite amplement les honneurs qui lui ont été décernés.