Dans Super Mario Bros : The Lost Levels, un champignon empoisonné fait partie des objets que Mario et Luigi peuvent attraper dans leur quête à travers le Royaume Champignon pour sauver la Princesse Peach. Contrairement à tous les autres objets de la franchise alors naissante, cet objet est conçu pour blesser l’utilisateur. À première vue, il ressemble à un champignon de puissance ordinaire, mais si vous le saisissez, vous rétrécissez ou vous mourez. Il s’agissait d’un élément de noirceur, voire de trahison, à introduire dans le monde amical et souriant de la franchise de jeux vidéo Mario.

L’adaptation cinématographique de 1993 de ce monde, le film Super Mario Bros, semble s’inspirer de la philosophie du champignon vénéneux. À première vue, on retrouve Mario (Bob Hoskins), Luigi (John Leguizamo), la princesse Daisy (Samantha Mathis), le roi Koopa (Dennis Hopper) et le royaume des champignons. Mais tout cela est déformé, corrompu à dessein, conçu pour vous attirer avant de vous « empoisonner » avec une dissection de la politique d’un état policier dystopique, les avantages et les inconvénients d’une société primitive dévolue, et les horreurs qui découlent des dictateurs déifiés qui subjuguent les gens. Allons-y ?

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« La pire chose que j’ai jamais faite »

Personne ne voulait de ce champignon vénéneux qu’est le film ; ni les participants, ni les critiques, ni les fans, ni Nintendo. Hoskins a dit ceci, sans détour, à propos de l’expérience : « La pire chose que j’aie jamais faite ? Super Mario Brothers. C’était un putain de cauchemar. Toute l’expérience a été un cauchemar. Il s’agissait d’un couple de réalisateurs dont l’arrogance avait été prise pour du talent. Après tant de semaines, leur propre agent leur a dit de quitter le plateau ! Un putain de cauchemar. Des putains d’idiots ». Cette équipe mari-femme, Annabel Jankel et Rocky Morton, co-créateurs du personnage cyberpunk Max Headroom (qui donne un bon aperçu de l’esthétique et des objectifs thématiques qu’ils apporteraient à tout projet pour lequel ils seraient engagés), ont également exprimé un sentiment d' »humiliation » en travaillant sur le film (c’est le mot exact choisi par Morton dans cette interview). Le film n’a pas récupéré son budget. Le créateur de Mario, Shigeru Miyamoto, a déclaré, de manière plutôt diplomatique, que « c’est devenu un film sur un jeu vidéo, plutôt qu’un film divertissant en soi ». Le Super Mario Bros. Movie d’Universal et Illumination est certainement une correction de trajectoire plus précise par rapport à ce que nous avons vu au début des années 90.

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Et pourtant, depuis la première fois que je l’ai regardé jusqu’à la dernière, je ne peux pas me lasser de ce film étrange, magnifique, délirant, inspirant et complètement fou. C’est un film commercial audacieux, un témoignage des forces captivantes et des défauts idiosyncrasiques qui surviennent lorsque l’on donne carte blanche à des cinéastes avec une propriété intellectuelle connue, une secousse politique rafraîchissante pour le système (surtout lorsqu’on le compare à son matériel d’origine, qui est censé être apolitique). Le regarder maintenant vous rappelle à quel point la tactilité est puissante ; chaque décor, chaque effet pratique et chaque grain de pellicule chantent l’authenticité et le mérite. Le film ressemble à un mélange d’autres superproductions d’action, de science-fiction et de super-héros acclamées à l’époque : le design de production gonzo du Batman de Tim Burton, la politique provocatrice du RoboCop de Paul Verhoeven et le tempo et la sentimentalité du Hook de Steven Spielberg. Si Mario était un super-héros plutôt qu’un personnage de jeu vidéo, nous nous souviendrions beaucoup plus affectueusement de ce film comme d’une adaptation audacieuse, un précurseur des Christopher Nolan et, oui, des Zack Snyder du monde entier qui filtrent nos mythes pop à travers un sens de l’ancrage engagé et des points de vue esthétiques sans compromis (en particulier dans l’intrigue secondaire du film sur les emprunts à la mafia et aux films criminels).

L’équilibre entre la noirceur et la convivialité

Super Mario Bros. Dennis HopperImage via Buena Vista Pictures Distribution

En parlant de M. Snyder, je suis connu pour chanter les louanges de la bêtise dans le cinéma de super-héros et pour dénigrer les descentes dans le territoire sinistre. Pourquoi Super Mario Bros. bénéficie-t-il d’un traitement de faveur, surtout quand on sait à quel point j’aime la joie non dissimulée du matériau d’origine ? Je pense que c’est à cause du sens évident et omniprésent de l’intégrité, de l’amour et même du respect au cœur du film – et, il est bon de le noter, parfois transporté par avion depuis ce qui semble être un autre film dans une tentative d’adoucir les bords les plus durs de la vision de Jankel et Morton. Le film, en grande partie grâce au concepteur de production David L. Snyder (également responsable des cauchemars cyberpunk similaires de Blade Runner), est tout simplement bourré d’artefacts d’un monde néo-fasciste surindustrialisé qui est parti en vrille. Des cellules de prison entassées les unes sur les autres, des postes de police en proie au chaos, des écrans de télévision déformés partout, des paysages brumeux, une propagande politique géante implorant les citoyens opprimés de continuer à soutenir leur oppresseur, une course-poursuite à la Mad Max débouchant sur des explosions géantes… tout cela donne une impression assez bizarre, soulignée par la musique zinzin, loufoque, répétitive et corniaude d’Alan Silvestri. On ne peut s’empêcher de penser qu’il s’agit d’une ultime tentative pour rendre le film « familial », ce qui donne un produit final étrangement bifurqué et pourtant toujours intéressant (plus traditionnellement réussi dans ces ajouts pour « rendre le film familial » ? Fisher Stevens et Richard Edson dans les rôles d’Iggy et de Spike, des personnages de Mario transformés en hommes de main stupides et intelligents, dont les interprétations burlesques de la relation entre Rosencrantz et Guildenstern ne cessent de divertir).

Mais le sentiment de « gentillesse » du film n’est pas une simple réflexion après coup, peinte par peur. Dès le début, dans les séquences new-yorkaises filmées avec amour (le directeur de la photographie Dean Semler, célèbre pour Mad Max 2 et 3, fait ressortir la vitalité de tout ce qu’il filme), les relations des Marios entre eux, avec leurs amours et avec le monde en général sont rafraîchissantes et positives. Les frères plombiers ont grandi en s’élevant eux-mêmes, et Luigi dit à Daisy que Mario « m’a élevé. Il a été mon père, mon frère, mon oncle, tout le monde », suivi d’un beau moment de silence timide où chacun a le temps de prendre cette pensée sentimentale avec un sourire. On peut dire que Daisy a plus d’autorité et de personnalité ici que dans n’importe quelle représentation de la princesse Peach dans les jeux vidéo ; elle est une amoureuse et une chercheuse en paléontologie, une sauveuse d’une dimension alternative, une femme qui n’a pas peur de s’opposer à ceux qui osent essayer de se mettre en travers de son chemin, une personne qui prend soin de ses semblables, qu’ils soient humains ou dinosaures (ses interactions avec Yoshi, dépeint ici comme étant cruellement gardé par les Koopa, sont déchirantes). Elle est, de son propre aveu, bizarre, et surtout, Luigi adore ça ; c’est un plaisir de le voir encourager ses habitudes au début et l’aider à sauver la situation à la fin (Mario a une relation tout aussi saine avec une version du personnage de Pauline, interprétée avec charme et fougue par Dana Kaminski).

Héros du peuple

John Leguizamo et Bob Hoskins dans Super Mario Bros.Image via Buena Vista Pictures

Ces trois personnages expriment, avec désinvolture et subtilité, des convictions politiques et personnelles qui font d’eux des « héros pour le peuple ». J’adore le fait que le film nous rappelle souvent que Mario et Luigi ne sont que des plombiers ordinaires qui font de leur mieux pour rendre ce monde fou un peu plus sain (qu’y a-t-il de plus représentatif d’un héros de la classe ouvrière, d’un exemple de changement systémique issu de petites actions, qu’un plombier ?), et j’adore que Mario dénonce l’état policier oppressif du Royaume Champignon (« Vous ne pouvez pas arrêter un type pour avoir chanté une chanson ! » plaide Mario après avoir vu un flic arrêter un type qui chantait une chanson de protestation contre Koopa ; l’une des scènes les plus folles et les plus efficaces de tous les films basés sur la propriété intellectuelle que j’aurai jamais vus).

Ces moments, fondamentaux pour l’ADN certes sauvage du film, constituent une différence exemplaire entre le style et la substance. Super Mario Bros. utilise, de manière fascinante et frénétique, le langage visuel de l’obscurité, de la dystopie et du « bord » pour présenter de manière immersive un monde qui a désespérément besoin d’être sauvé. Et si ses héros s’intègrent parfaitement dans la mise en scène de ce monde (surtout lorsqu’ils revêtent une version de leur costume de jeu vidéo), ils n’en partagent pas la noirceur. Ils croient en un monde meilleur, en l’entraide, en l’amour. Ils combattent le pouvoir incontrôlé, l’oppression, le fascisme politique pur et dur. Ils ne sont pas enduits de manière fétichiste d’une couche de peinture « grimdark » ; au contraire, ils essaient d’y mettre un terme. C’est toujours un plaisir sous-estimé, voire prémonitoire, de regarder cette version de Super Mario Bros, de s’orienter vers ces héros racontables, de s’émerveiller devant le monde tactile et de rire avec audace des grands coups d’éclat de l’auteur.

Je n’arrive pas à croire que je dise ça, mais.. : #ReleaseTheJankelAndMortonCut.