La scène finale du nouveau film de Damien Chazelle, Babylon, a pris l’internet d’assaut pour son utilisation, à la manière de YouTube, d’un montage d’extraits de films qui emmène les spectateurs des premiers jours du cinéma jusqu’à aujourd’hui, ou du moins jusqu’en 2009. Certains se sont moqués du montage pour son influence sur l’Internet et ont rejeté l’ensemble de la scène comme un gadget de cinéma léger, basé sur la nostalgie. Le fait de montrer des films qui plaisent au public comme Jurassic Park et Matrix peut certainement avoir pour effet de vous faire pointer du doigt l’écran en disant « Je connais ça », surtout dans le contexte actuel d’infestation de suites héritées du passé. Mais Chazelle est un cinéaste plus ingénieux qu’on ne le pense. En plus de soutenir la catharsis émotionnelle de la fin et de mettre un point d’orgue à sa présentation d’Hollywood comme un endroit désordonné d’où jaillit la magie, l’histoire que le montage couvre est très spécifique. Plutôt que de se contenter de jouer quelques succès ou même ses goûts personnels, Chazelle a choisi des films et des plans très spécifiques qui ont poussé la technologie du cinéma pour leur époque.
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Les parallèles entre » Babylon » et » Singin’ in the Rain « .
Image via Paramount Pictures
Le montage commence après que Manny (Diego Calva) entre dans un cinéma qui passe « Singin’ in the Rain ». Comme ce film, l’histoire du Babylon jusqu’à présent est intensément occupée par ce qui est peut-être la plus grande innovation du cinéma : les images sonores. En regardant des scènes de Singin’ in the Rain, Manny se souvient. Nous faisons un flash-back sur une scène antérieure, en les contrastant avec le film tel que Manny le regarde. À ce stade, il n’aura plus jamais l’occasion de participer à Hollywood, ses rêves ayant été anéantis par le cinéma parlant. À cause du cinéma parlant, Nellie LaRoy (Margot Robbie) ne peut plus gagner de l’argent en tant que star de cinéma car sa voix ne convient pas à son personnage sensuel. Cela a poussé Nellie à rechercher des prêteurs et lorsqu’elle ne pouvait plus payer ses dettes, Manny s’est mis en quatre pour elle, mais il a été chassé de la ville.
Certains de ces éléments se reflètent dans Singin’ in the Rain. L’incapacité de Nellie à s’adapter au cinéma parlant est très similaire à l’arc de Lina Lamont dans ce film. Chazelle a également placé plusieurs autres séquences similaires dans son film, comme l’incapacité de Jack Conrad (Brad Pitt) à s’adapter au jeu avec le son qui ressemble aux problèmes initiaux de Don Lockwood (Gene Kelly), jusqu’à la lecture exacte et erronée de la réplique « I love you ! Je t’aime ! Je t’aime ! », qui fait passer une scène de romance sincère à la comédie. La chanson du titre elle-même apparaît également plus tôt dans Babylon, lorsque Manny la produit comme un numéro musical. C’est historiquement exact car, comme toutes les chansons du film, « Singin’ in the Rain » n’était pas originale pour son époque, mais plutôt tirée d’anciennes comédies musicales hollywoodiennes.
Vaincu par la tristesse de la fin de la magie, Manny s’effondre la tête dans ses mains. La caméra descend de son siège au balcon vers la foule qui assiste à la célèbre scène « Singing in the Rain », dans laquelle le protagoniste Don Lockwood a finalement réussi à faire tourner sa chance et chante une chanson sur son bonheur. Le public est clairement sous le charme. Soudain, la scène s’accélère, de même que la musique de trompette. Le film commence à entrelacer des extraits de films antérieurs sur la magie du cinéma. Maintenant dans la tête de Manny, il réalise l’immortalité des films. Nous entendons la voix de Manny qui, plus tôt dans le film, expliquait à Nellie pourquoi il voulait travailler dans l’industrie cinématographique. « Je veux juste faire partie de quelque chose de plus grand. Quelque chose d’important. Quelque chose qui dure, quelque chose qui signifie quelque chose », déclare-t-il sur des images d’une caméra en train d’être installée et d’une pellicule en train d’être chargée, comme s’il nous préparait à ce qui allait suivre.
Quels sont les films présents dans le montage de ‘Babylon’s End’ ?
Image via Eadweard Muybridge
Le montage proprement dit commence ensuite avec Le cheval en mouvement, que les amateurs de Nope reconnaîtront facilement pour sa place au premier plan de l’histoire du cinéma. Montrant un homme chevauchant un cheval au galop, cette séquence de douze images prises l’une après l’autre par le photographe Eadweard Muybridge en 1878 est généralement considérée comme la première image en mouvement et a donné naissance à l’art de la chronophotographie. Si vous avez déjà regardé un documentaire sur la nature montrant une fleur s’épanouissant en quelques secondes, ou les étoiles se déplaçant rapidement comme un orbe creux autour de la Terre, vous avez déjà vu des exemples de cette technique. Le cheval en mouvement est placé de manière appropriée au début du montage. Tous les films que vous avez vus utilisent le principe technologique ainsi démontré : lorsque vous prenez des photos assez rapidement et que vous les diffusez à une certaine vitesse, on dirait qu’elles bougent. Pour enfoncer le clou, le Babylon montre ensuite un chat trottant, passant au galop, qui fait partie de la série de photographies de Muybridge de 1887 « Animal Locomotion : An Electro-photographic Investigation of Consecutive Phases of Animal Movements », et la toute première vidéo de chats.
Le troisième plan est une version raccourcie du film des frères Lumière de 1895, L’arrivée d’un train en gare de La Ciotat, plus connu en anglais sous le titre Arrival of a Train at La Ciotat. Les frères Lumière sont souvent considérés comme les premiers cinéastes ; leur technologie de projection a fait du cinéma un art social et un type de divertissement pouvant être vécu par de grandes foules. La Ciotat n’est pas leur premier film, mais il est devenu célèbre pour la légende urbaine selon laquelle, lors de la première projection, le public a paniqué, craignant que le train ne sorte de l’écran et ne les percute. Une fois encore, Chazelle choisit un film qui a changé la technologie du cinéma, et a commencé à choisir des films qui ont également démocratisé sa valeur.
Nous continuons avec deux autres courts-métrages fantaisistes. Il y a Annie Oakley, un film de l’Edison (oui, cet Edison) Manufacturing Company datant de 1894 qui montre les talents de tireur de la vraie Oakley. Vient ensuite Birth of the Pearl, un court métrage érotique de 1903 réalisé par le cinéaste méconnu F. S. Armitage, qui a créé de nombreux nouveaux trucs pour le cinéma, comme le retour en arrière de la pellicule pour donner l’illusion d’un mouvement d’objet défiant la gravité. Il s’agit de films tels qu’ils étaient autrefois : des gadgets sans histoire et des expositions de ce que les gens voulaient voir à l’époque : une célébrité armée d’un pistolet et une femme presque nue. Nous ne sommes pas allés si loin.
Chazelle choisit des films qui ont fait avancer l’histoire du cinéma
Image via Warner Bros. Pictures
L’histoire du cinéma, et donc de ce montage, prend un tournant avec le court métrage de Georges Méliès de 1902, Le Voyage Dans La Lune, ou A Trip to the Moon. Le célèbre plan du montage représente la lune avec une fusée qui s’y pose comme un visage frappé par quelque chose dans l’œil. Dans ce film et dans nombre de ses autres œuvres, Méliès a poussé les effets spéciaux à leurs limites, notamment en utilisant des raccords de substitution : le cinéaste coupe un plan, retire ou ajoute un élément dans le cadre, puis reprend le plan, donnant l’impression que cet élément est apparu ou a disparu. L’accent mis sur l’histoire et les effets spéciaux plutôt que sur la réalité a rendu le film incroyablement populaire, et il porte souvent le nom du tout premier film de science-fiction.
La poignée de films suivante montre l’influence de Méliès directement à travers leurs histoires fantastiques. Il y a Ali Baba et les quarante voleurs (en anglais, Ali Baba and the Forty Thieves) de 1902, qui utilise une technique de peinture sur couleur, et un plan célèbre de The Great Train Robbery de 1903, qui, avec son innovation de la technique de prise de vue directe, est généralement considéré comme le premier western. Le court métrage fantastique Little Nemo (1911) introduit l’animation dans le montage comme elle a contribué à l’introduire dans l’histoire, puis D.W. Griffith entre en scène avec son épopée Intolérance (1915), le premier long métrage du montage et, comme tous les films du montage, une partie importante de l’histoire du cinéma, à des égards suffisamment nombreux pour mériter son propre article. Le plan de Babylone est en fait celui du tournage d’Intolérance à Babylone. Charlie Chaplin, qui n’a sûrement pas besoin d’être présenté, apparaît dans le montage dans son film Le Champion, nous rappelant les anciennes stars du muet. Nous voyons ensuite un plan de la série française Les Vampires de 1915, qui a eu une influence considérable sur le cinéma expérimental, jusqu’à la Nouvelle Vague française. L’épopée de Cecil B. Demille, Joan the Woman (1916), le film partiellement animé de 1925, La Voix du Rossignol, et Le Ballet Mécanique (1924) sont autant d’exemples du mélange de Méliès entre le film populaire et les techniques expérimentales qui repoussent les limites de l’utilisation d’une caméra pour raconter une histoire.
Un plan très rapide du Chanteur de jazz suit, le film de 1927 qui a introduit le son dans les images en mouvement et, comme le montrent Babylon et Singin’ in the Rain, a changé le cinéma à jamais. Suit un plan rapide du musicien de jazz Duke Ellington dans Black and Tan de 1929, un exemple du genre de spectacles musicaux basés sur le jazz que le public s’arrache après l’invention du son à laquelle Sidney Palmer (Javon Adepo) a participé plus tôt dans Babylon. Un plan rapide nous donne un aperçu de l’arche de Noé de The Hollywood Revue de 1929, le film contenant la chanson « Singin’ in the Rain » que Manny a aidé à produire plus tôt. Le prochain plan de Piccadilly (1929) sera le dernier à la frontière entre les films muets et les films parlants, et entre l’incolore et le coloré.
Le montage de ‘Babylon’ rend hommage aux films parlants colorés
Photo via MGM
Bien qu’il ne s’agisse pas du premier film en couleur, loin s’en faut, le plan célèbre suivant du Magicien d’Oz a fait découvrir à une grande partie du public ainsi qu’aux spectateurs de Babylone la vraie couleur telle que nous la voyons aujourd’hui. Encore une fois, regardez comment se mêle ce mélange de démocratisation du cinéma et de technologie. Pour nous assurer qu’il ne s’agissait pas seulement d’un jeu d’hommes américains, nous voyons l’épopée russe Ivan le Terrible, deuxième partie (1944), le court métrage d’animation expérimental Tarantella (1940) réalisé par Mary Ellen Bute, le film d’amour Love Letter (1953) de la deuxième cinéaste japonaise de tous les temps, Kinuyo Tanaka, et le drame épique Pather Panchali (1955) de la trilogie Apu de l’influent cinéaste indien Satyajit Ray. Ensuite, un plan de Duck Amuck (1953) établissant le métarécit de l’effacement de Daffy Duck est un appel parfait à l’attention de Chuck Jones et d’autres dessinateurs qui ont repoussé les limites de l’animation. Deux plans à grande vitesse suivent, l’un tiré de This is Cinerama (1952) qui a apporté de nouveaux rapports d’aspect à l’écran et l’autre de Ben-Hur (1959) qui nous rappelle à quel point les cascades de ce film ont changé la donne.
Chazelle cesse ensuite de s’attacher aux dates de sortie séquentielles pour présenter des films plus expérimentaux. Il remonte jusqu’en 1929 pour deux plans non séquentiels d’un célèbre effet spécial de coupure des yeux dans Un Chien Andalou de Luis Buñuel, qui prend en sandwich deux plans, le premier de la scène de la douche dans le film Psychose d’Alfred Hitchock (1960) et le second non encore identifié. La prise en sandwich place le gore suggestif de Psychose au même niveau que les effets explicites de Buñuel. D’autres films expérimentaux de toutes les époques suivent. Meshes of the Afternoon (1943) est suivi de deux films français : l’épopée La Passion de Jeanne d’Arc (1928) et le drame Vivre sa vie (1962). Vient ensuite Lucía, un drame tri-narratif sur trois Cubaines du nom de Lucía. Il y a un kaléidoscope d’oranges qui n’a pas encore été retrouvé, suivi d’images de Borom Sarret (1963) qui est largement considéré comme le premier film réalisé par un cinéaste africain. Le montage s’accélère alors que Chazelle se dédouble, revenant sur Le Ballet Mécanique et sur Meshes of the Afternoon, avant que The Black Vampire (1953) ne soit suivi d’un autre retour sur Les Vampires, les contrastes montrant à quel point les plans sont similaires ; le cinéma s’influence lui-même. L’imagerie devient ensuite psychédélique ; nous voyons des plans de 2001 : L’Odyssée de l’espace (1968) de Stanley Kubrick, de Week-End (1967) de Jean-Luc Goddard, de l’abstrait Matrix 1 (1971), et un plan saisissant de Sunstone (1979) avant de revenir à la production hollywoodienne typique.
Les derniers clips de The Montage rendent hommage aux effets pratiques et à l’image de synthèse.
Le film nous offre la première des deux présentations d’effets pratiques de Steven Spielberg lorsqu’il montre la puissance divine provenant de l’arche dans Les Aventuriers de l’Arche perdue (1981). Mais bien sûr, la plupart des spectateurs se souviennent probablement mieux de cinq films situés vers la fin de la séquence : Tron (1982), Terminator 2 : Le Jugement dernier (1991), Jurassic Park, Matrix et Avatar (2009) ont tous révolutionné l’utilisation de l’imagerie de synthèse au cinéma, et les plans individuels de T2 et Jurassic Park, en particulier, sont des prouesses d’effets spéciaux. Avatar est également le seul film de ce montage à ne pas avoir été tourné sur pellicule, y compris Babylon lui-même. Nous y reviendrons dans un instant. Il y a d’abord un plan du film Persona d’Ingmar Bergman (1965), où l’on voit un enfant toucher un écran de cinéma, ce qui jette un regard poignant sur le mythe, le merveilleux et la mystique de toute l’histoire du cinéma. Ensuite, il y a une séquence qui se déroule dans les teintures utilisées sur les pellicules physiques, entrecoupée de plans de films au Babylon, de scènes du Babylon lui-même, de couleurs remplissant l’écran, d’un compte à rebours de démarrage de film à l’ancienne et d’images de Singin’ in the Rain.
De nombreux critiques et appréciateurs en ligne ne comprennent pas l’intérêt de ce montage. Comme vous pouvez le constater, il ne s’agit pas simplement du « canon » des plus grands films ou même des films les plus importants sur le plan historique, comme le voit Chazelle, mais plutôt d’un montage de plans et de films qui ont changé notre façon de faire des films, tout comme Le chanteur de jazz l’a fait pour les personnages de Babylon. Après un film qui montre à quel point les progrès constants de la technologie font d’Hollywood un singe tout en produisant de la magie pour les cinéphiles, Chazelle termine son film en plantant l’idée d’une frontière sans fin qui s’étend devant ses personnages jusqu’à notre époque actuelle, où le cinéma est une forme en constante évolution, tant sur le plan artistique que technique. Comme Manny l’apprend, en écoutant la voix de Gene Kelly, en pleurant et en souriant dans son siège de cinéma, les films continueront à vivre, et comme le savent tous les cinéastes, d’Eadweard Muybridge à James Cameron, c’était tout simplement amusant d’avoir été là un jour et de faire partie de la magie.
