Wes Anderson appartient à un groupe de cinéastes qui ont émergé dans les années 1990 avec des impulsions stylistiques caractéristiques et totalement uniques, qui sont passées du stade de films indépendants à micro-budget à celui de prétendants aux prix les plus prestigieux. Des auteurs/réalisateurs comme Quentin Tarantino, David Fincher, Paul Thomas Anderson, Guillermo del Toro, Danny Boyle, Kevin Smith, Christopher Nolan, John Singleton et Robert Rodriguez sont tous passés d’un statut de culte à un nom connu de tous après quelques succès retentissants, et chacun d’entre eux a inspiré d’innombrables imitateurs qui tentent de reproduire certaines des mêmes qualités.

Alors que de nombreux thrillers policiers peuvent être décrits comme « Tarantinoïques », que de nombreux thrillers psychologiques adoptent l’approche de Fincher, que de nombreux imitateurs du dialogue de Smith et que de nombreux films de genre de haut niveau sont décrits comme des descendants de Nolan, personne n’a réussi à capturer cette qualité insaisissable qui définit un film de « Wes Anderson ». Anderson est parfois considéré comme le favori des hipsters des cafés et des cinéphiles de Letterboxd, mais son approche kaléidoscopique du cinéma est quelque chose que personne d’autre ne pourra jamais maîtriser.

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Wes Anderson a changé la donne dès le début

Image via Sony Pictures Releasing

Anderson a lancé sa carrière en faisant jouer ses amis d’enfance dans le court métrage Bottle Rocket, qu’il a ensuite adapté pour réaliser son premier long métrage. Le film est un thriller décalé qui suit l’égoïste aspirant criminel Dignan (Owen Wilson) alors qu’il convainc son ami Anthony (Luke Wilson), souffrant de troubles mentaux, de réaliser le cambriolage d’un entrepôt de stockage. À l’instar de films comme Reservoir Dogs ou Clerks, Bottle Rocket annonçait d’emblée une voix cinématographique caractéristique qui a posé les jalons de la carrière d’Anderson. Bottle Rocket n’essayait pas de profiter de l’engouement pour les polars néo-noir des années 90 qui avait conduit au succès de The Usual Suspects, The Boondock Saints et Lock, Stock, and Two Smoking Barrels ; en fait, Anderson a eu l’impression d’être subversif dès le début de sa carrière.

Le film est doté d’un sens de l’humour acéré et mordant qui s’appuie sur des idiosyncrasies, tout en laissant la place à des moments plus sombres. L’histoire se déroule comme une fable, et chaque complication n’est utilisée que pour l’effet comique. Il y a une affinité pour la nostalgie, mais Bottle Rocket est clairement une version postmoderne d’un thriller avec sa bande sonore éclectique. Bien sûr, il y a le style visuel qui a fait d’Anderson une icône parmi les snobs de l’art ; ses cadrages symétriques, ses mouvements de caméra plats, ses motifs de couleurs frappants, son architecture artisanale et ses zooms rapides occasionnels ont eu un impact si immédiat qu’ils ont inspiré d’innombrables imitateurs. Il est facile de prendre ces techniques manifestement remarquables et de penser qu’elles constituent le style entier d’Anderson, mais Bottle Rocket a un sens profond de la tragédie qui ne fera que s’accentuer dans les œuvres ultérieures d’Anderson.

Bottle Rocket est en fin de compte une histoire sur l’idéalisme fané ; Dignan se rend compte qu’il n’est pas un maître voleur, et Anthony ne « guérit » jamais vraiment de ses tourments psychologiques. Max Fischer (Jason Schwartzman) ne trouve pas l’amour dans Rushmore, Royal (Gene Hackman) doit vivre avec un dysfonctionnement dans The Royal Tenenbaums, Gustave (Ralph Fiennes) paie le prix de ses indulgences dans The Grand Budapest Hotel, et même Mr Fox (George Clooney) doit devenir un « père de famille » à la fin de Fantastic Mr Fox. Cette reconnaissance du destin donne à ces histoires un sentiment de réalisme ; elles ont seulement été filtrées à travers le point de vue unique d’Anderson.

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Wes Anderson a des protagonistes imparfaits

Jeff Goldblum, Bill Murray, Willem Dafoe, Cate Blanchett, Bud Cort, Anjelica Huston, Michael Gambon, Noah Taylor, Matthew Gray Gubler, Seu Jorge et Waris Ahluwalia dans Image via Buena Vista Pictures Distribution

Si les protagonistes d’Anderson ont tendance à être immatures, arrogants ou en pleine période de transition, ses films ne célèbrent pas ce type de comportement adolescent. Anderson s’amuse à voir des personnages comme Max Fischer dans Rushmore se délecter de sa propre obsession de la compétition, mais le film se moque de lui, pas avec lui. Steve Zissou (Bill Murray) est un parfait abruti dans La vie aquatique avec Steve Zissou, dont l’arrogance lui fait perdre toute amitié personnelle, et de la même manière, l’autocomplaisance de Royal se manifeste par l’effet qu’elle a sur ses enfants dans Les Ténèbres royales. Anderson a appris à faire la différence entre la représentation et l’approbation.

Il est également remarquable que dans les films d’Anderson, l’idéalisme chaleureux soit célébré pour sa rareté. Dans Isle of Dogs, une dictature fasciste est renversée grâce à l’amour d’un jeune garçon pour son chien ; dans Moonrise Kingdom, la passion d’enfance de Sam (Jared Gilman) et Suzy (Kara Hayward) expose les problèmes fondamentaux de toutes les institutions qui les entourent. L’exécution de Gustave par des officiers militaires hostiles à la fin de The Grand Budapest Hotel reflète tristement la façon dont les horreurs de la guerre ont érodé l’élégance flamboyante et maniérée de sa génération.

Les films de Wes Anderson s’améliorent sans cesse

Contrairement à certains de ses contemporains, Anderson a fait preuve d’une plus grande maturité en vieillissant. Ses tentatives d’ouverture d’esprit n’ont pas toutes été efficaces ; si ses intentions de célébrer la culture indienne dans The Darjeeling Limited semblent sincères, le film finit par se conformer au cliché du « sauveur blanc ». Cependant, Anderson a montré avec The Grand Budapest Hotel et Isle of Dogs qu’il pouvait aborder des thèmes tels que la xénophobie, le fascisme et la radicalisation de manière poignante et réfléchie, sans que sa bizarrerie ne paraisse superficielle. Son dernier film, The French Dispatch, est peut-être son thème le plus ambitieux à ce jour ; il parvient à aborder la masculinité toxique sur les campus universitaires, la culture de la protestation, les relations problématiques entre les artistes et leurs muses, et les abus au sein du système carcéral dans un film qui célèbre l’importance de la liberté de la presse.

La capacité d’évoluer et d’essayer de nouvelles choses est le signe d’un grand artiste, et Anderson continue d’appliquer son point de vue unique à ses projets personnels. Il est l’un des rares cinéastes « auteurs » à pouvoir encore susciter l’intérêt du public sur la seule base de son nom, et il n’a jamais cédé aux caprices des obsessions de la culture pop d’aujourd’hui en travaillant sur un grand film de franchise. Il n’y a peut-être pas d’autre réalisateur capable d’obtenir des ensembles aussi étoffés que ceux d’Anderson pour chaque projet sur lequel il travaille. S’il est triste de constater qu’il n’y aura jamais d’autre Anderson, cela ne fait que rendre plus excitants ses projets à venir, comme Asteroid City.