La relation entre les femmes et l’horreur a toujours été tordue et controversée. Pendant trop longtemps, on a supposé que les femmes n’aimaient pas ou ne s’intéressaient pas à l’horreur, et que les films présentant du sexe, du gore et de la violence ne les intéressaient pas. Cette idée a été contestée de manière convaincante par Carol J. Clover dans son ouvrage fondamental, Men, Women, and Chainsaws, qui a souligné que les femmes étaient en fait de grandes amatrices du genre. Mais ce n’est que ces dernières années que nous avons constaté un changement dans les voix qui racontent les histoires, les femmes cinéastes n’étant plus considérées comme une nouveauté dans la mer de l’horreur dominée par les hommes, mais comme une meilleure représentation. La multiplication des festivals de films consacrés aux femmes cinéastes, comme le festival annuel Final Girls Film à Berlin, montre clairement que les femmes sont là pour rester dans la sphère effrayante de l’horreur. Nous avons également constaté que lorsque les femmes ont la possibilité de réaliser des films d’horreur, le succès ne tarde pas à suivre, avec des films comme Candyman (2021) de Nia DaCosta qui a atteint la première place au box-office.
Les femmes ne sont pas étrangères au sang et à la peur
On pourrait dire que les femmes ont une affinité avec le sang. Nos vies en sont imprégnées dès l’adolescence et le spectre omniprésent de la violence sexiste domine les médias de façon quotidienne et constante. Si les films doivent être interprétés comme le reflet de la société dans laquelle ils sont formés, il est indiscutable que ces expériences se retrouvent à l’écran. Cependant, le rôle des femmes dans les films d’horreur a, historiquement, été réduit à refléter simplement l’interprétation dominée par les hommes de cette violence et de la peur qui l’accompagne. S’il est vrai que de nombreux films écrits, réalisés et produits par des hommes ont exploré l’expérience d’être une femme, dans des films comme Carrie (1976) par exemple, lorsqu’on regarde des films qui ont été influencés par des réalisatrices, beaucoup de ces interprétations masculines de la vie des femmes sonnent creux en comparaison. Il existe suffisamment d’exemples de films dans lesquels les femmes n’ont été que des lieux de violence pour démontrer que l’absence de perspectives féminines a un impact négatif sur le montage final.
Cependant, ce n’est pas parce que les hommes ont dominé le genre que les femmes n’ont pas eu leur mot à dire. En fait, les femmes ont été impliquées dans les films d’horreur, et plus largement dans l’industrie cinématographique, depuis ses débuts. Prenez, par exemple, Ida Lupino, une réalisatrice d’horreur révolutionnaire, responsable de films comme The Hitchhiker (1953) ou Stephanie Rothman, et Karen Arthur (The Mafu Cage, 1978). Malheureusement, malgré cette présence, le rôle des femmes dans certains des films d’horreur les plus emblématiques a souvent été minimisé, voire ignoré. Un excellent exemple en est la minimisation de la contribution de Debra Hill à la franchise Halloween. Hill est à l’origine des personnages féminins d’Halloween (1978), et sans son point de vue et sa capacité à écrire des jeunes femmes attachantes et intéressantes, nous soucierions-nous encore de Laurie Strode aujourd’hui ? Pourtant, son travail sur la franchise est rarement mentionné. De même, la contribution importante de Daria Nicolodi à Suspiria (1977) a été activement supprimée par le réalisateur Dario Argento et, par conséquent, elle est régulièrement négligée dans les discussions sur le film. Stephanie Rothman et Karen Arthur ont toutes deux fini par quitter l’industrie du cinéma, Rothman prenant sa retraite à 48 ans en raison de la lassitude qu’elle ressentait face au rejet constant auquel elle était confrontée en tant que réalisatrice, et Arthur passant au monde de la télévision, légèrement plus ouvert.
Les réalisatrices sont tenues à une plus grande exigence
Les femmes ont révolutionné la sphère de l’horreur en s’emparant de sous-genres dominés par les hommes, comme le slasher, et en les réinterprétant sous un angle souvent féministe dans des films comme La soirée pyjama (1982). Mais même en réalisant des slashers qui mettent en scène les complexités de l’amitié féminine et l’isolement social de l’adolescence, parallèlement aux éléments divertissants et gores du slasher, la réalisatrice Amy Jones a été critiquée pour la nature exploitante du film, d’une manière que les réalisateurs masculins de l’époque n’avaient pas. Il s’agit d’une plainte fréquente et exaspérante, qui impose aux femmes des normes bien plus élevées qu’à leurs homologues masculins. On suppose également que les femmes ont toujours l’intention de faire des films qui constituent un commentaire social ou qui sont ancrés dans le féminisme, alors que les cinéastes masculins ne sont presque jamais interrogés sur leurs politiques ou leurs intentions.
Les femmes cinéastes font ressortir le corps et toutes ses horreurs
Image via 20th Century Fox
L’une des contributions les plus intéressantes des femmes cinéastes concerne le sous-genre du body horror. Dans des films comme Trouble Every Day (2001), Claire Denis, qui a coécrit et réalisé le film, montre comment l’érotisme, le sexe et l’intimité peuvent être présentés de manière monstrueuse et fascinante. Ce film est un excellent exemple de la façon dont le regard masculin du cinéma peut être subverti. Au lieu d’objectiver le corps des femmes, de présenter les formes féminines d’une manière qui rend hommage aux représentations pornographiques de la « perfection » physique, Denis montre de la vraie chair, des cheveux, des boutons et tout le reste, et utilise des gros plans extrêmes qui rendent impossible de dire qui nous regardons.
Malgré l’obsession culturelle pour la jeunesse et le corps des adolescentes, la réalité de l’adolescence, avec tous les traumatismes qui y sont associés, n’est pas souvent explorée. Mais lorsqu’elle est explorée par des réalisatrices, les résultats sont à la fois engageants et souvent empathiques. Grâce à cette résonance, ils ont acquis un statut culte, avec des films comme Jennifer’s Body (2009), écrit par Diablo Cody et réalisé par Karyn Kusama, Raw (2015), réalisé par Julie Ducournau, et Gingers Snaps (2000), coécrit par Karen Walton, qui laissent un héritage durable.
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Subversion du trope des » mères monstrueuses « .
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Le rôle de la mère monstrueuse n’est pas étranger au genre de l’horreur. Mais comme l’ont démontré des réalisateurs tels que Jennifer Kent (The Babadook), Alice Lowe (Prevenge) et Lee Soo-yeon (The Uninvited), la maternité n’est pas une fatalité. Ces films s’éloignent du personnage unidimensionnel de la mère psychotique comme Mme Voorhees dans Vendredi 13 (1980) ou le personnage titulaire de Greta (2018) et aussi du stéréotype de la « mère sacrée ». Des films comme The Uninvited et Prevenge cherchent à supprimer l’emprise étouffante de la maternité que présente ce stéréotype. La société cherche à présenter les mères comme omnipotentes, omniprésentes, qui ne sont plus de simples êtres humains. Même dans les films d’horreur, les mères monstrueuses n’ont pas souvent de profondeur ou de vie en dehors de leur rôle de mère – comme on le voit avec des personnages comme Mme Vorhees.
Mais ces films, écrits et réalisés par des femmes, dont certaines sont mères, présentent les tensions qui peuvent surgir dans la dynamique de la maternité, et les émotions complexes qu’elle peut invoquer. Souvent, cela conduit à des personnages qui sont l’antithèse de la mère socialement acceptable, celle qui sacrifie tout, son corps, son esprit, sa vie et son sens de soi pour ses enfants. Ces mères « monstrueuses » présentent la nature souvent dérangeante de la grossesse et de la maternité d’une manière qui, espérons-le, sortira de l’écran et influencera notre perception des mères partout dans le monde, en apportant un soutien à celles qui luttent et en s’efforçant de supprimer les pressions sociales auxquelles ces femmes sont confrontées.
En plus de présenter l’expérience de la maternité avec empathie et de démontrer sa complexité, les réalisatrices ont également exploré le cadre domestique, en éclairant les espaces où les femmes ont historiquement été cachées. Dans des films comme Relic (2020), The Babadook (2014) et Lucky (2020), nous voyons comment l’espace domestique devient un terrain propice au ressentiment, à la hantise et à la violence. Ces films illustrent l’expérience souvent épuisante d’être une femme, l’endroit où vous êtes censée vous sentir le plus en sécurité étant le lieu de toutes vos pires craintes. La maison hantée est l’un des tropes les plus durables de l’horreur, mais dans ces films, nous voyons comment cette expérience peut être sensiblement différente pour les femmes.
Les films réalisés par des femmes suscitent de l’empathie pour les personnes souffrant de troubles mentaux
Les femmes ont souvent été présentées comme des malades mentales, instables et paranoïaques. Cette représentation misogyne des femmes a servi de base à de nombreux livres, pièces de théâtre et films. Dans le domaine de l’horreur, la femme instable a longtemps été un cliché du genre. Parfois la méchante, souvent la victime, nous avons vu ces représentations influencer et refléter l’opinion de la société sur les femmes. Les représentations unidimensionnelles de femmes mentalement instables ont saturé le marché pendant un certain temps. Cependant, entre les mains de réalisatrices et de scénaristes féminines, ces tropes deviennent un véhicule par lequel explorer à la fois les peurs de la maladie mentale et la peur plus large d’être étiqueté comme instable par ceux qui nous entourent. Dans des films comme The Wind (2018) d’Emma Tammi et Saint Maud (2020) de Rose Glass, nous voyons le coût de la solitude et une exploration empathique de la maladie mentale qui va au-delà du trope de la « folle au couteau » qui est si souvent répandu. Ces représentations éclairent l’expérience de la maladie mentale et présentent ceux qui en souffrent avec une sympathie qui reconnaît les difficultés auxquelles ils sont confrontés.
Dépeindre les relations amoureuses sans objectiver les femmes
Image via Searchlight Pictures
La violence sexuelle a souvent été un élément de l’intrigue dans le domaine de l’horreur, avec des films comme I Spit on Your Grave présentant des représentations graphiques de la terreur sexualisée. Lorsqu’ils sont entre les mains de femmes, ces thèmes prennent des représentations différentes, mais tout aussi dérangeantes. Des cinéastes comme les sœurs Soska ont repris ces thèmes et les ont associés à l’horreur corporelle dans des films comme American Mary (2012) pour montrer l’impact de cette violence, ainsi que l’impact durable de l’objectivation. Dans Fresh (2022), écrit par Lauryn Kahn et réalisé par Mimi Cave, les réalités contemporaines de la drague sont également explorées en tandem avec cette objectivation et Revenge (2017) démontre qu’il est possible d’explorer le thème de la vengeance du viol sans objectiver les femmes dans le processus. En soulignant le rôle des questions plus larges d’objectivation dans ces films, ces cinéastes permettent une reconnaissance directe des façons dont les questions plus larges de misogynie et d’objectivation alimentent la violence envers les femmes. Dans A Girl Walks Home Alone at Night (2014) d’Ana Lily Amirpour, cette menace est manipulée efficacement pour renverser le stéréotype de la femme comme proie et présenter une alternative.
Parallèlement aux films qui explorent les dangers potentiels de la violence sexuelle et les risques des relations amoureuses, les femmes ont également exploré les complexités des amitiés, dans des films comme Jennifer’s Body et Bleed With Me (2020) d’Amelia Moses. Plutôt que de présenter les femmes comme des personnages unidimensionnels qui n’existent qu’en concurrence les uns avec les autres, généralement pour attirer l’attention des hommes, ces films soulignent au contraire l’intensité, et parfois la toxicité, de l’amitié féminine.
Les femmes cinéastes apportent bien plus que de simples « émotions ». Tout le monde éprouve des émotions et pourtant, d’une manière ou d’une autre, c’est devenu le domaine et la responsabilité des femmes de les traduire à l’écran. S’il est vrai que les femmes sont à l’origine d’un grand nombre de films d’horreur à forte résonance émotionnelle, comme The Babadook, il y a beaucoup plus à explorer dans le travail de ces femmes. Il est clair que les réalisatrices ont apporté beaucoup au genre de l’horreur. Elles ont redéfini le film d’horreur, supprimé l’accent misogyne qui assombrissait les premières productions et créé des personnages qui ont traversé les décennies et les multiples suites. Elles ont également présenté des personnages complexes et moralement ambigus qui éloignent les femmes du récit de la victime ou de la vierge. Il est indéniable que les femmes ont continué à repousser les limites du genre de l’horreur.
Nous avons besoin de plus d’opportunités pour les femmes cinéastes, afin que nous puissions continuer à apprécier des films avec des personnages complexes, bien équilibrés et des histoires qui prennent en compte différentes expériences de vie et perspectives. Nous avons besoin de plus de films qui reconnaissent les femmes dans le public, plutôt que de les réduire à une réflexion après coup, et nous avons besoin que la sphère de l’horreur continue à évoluer et à se développer, avec ces nouvelles perspectives pour continuer à générer plutôt que de stagner si nous voulons continuer à voir les développements passionnants de ces dernières années. L’essor du streaming a accru l’accessibilité et le potentiel des cinéastes, ce qui pourrait finir par égaliser les règles du jeu. Mais ce dont la scène de l’horreur a besoin, c’est d’un changement radical vers l’égalité, qui supprime le besoin d’une « femme cinéaste » en tant que sous-genre. Quand les femmes sont dans le monde de l’horreur, la magie opère. Et nous méritons cette magie.
