Dans la communauté cinématographique, il y a toujours de l’excitation dans l’air lorsqu’une star du cinéma monte sur la chaise du réalisateur pour la première fois. Les spectateurs peuvent maintenant voir la vision que Michael B. Jordan apporte à l’écran avec son premier film, Creed III, et son rôle d’auteur dans la série. Bien sûr, il y a toujours des détracteurs. Les acteurs ont souvent la réputation de ne pas avoir les qualités requises pour réaliser, car ils ne sont perçus que comme de jolis visages à l’écran. En fonction des attentes du public, les acteurs devenus réalisateurs pour leur premier film ont connu des résultats variés au fil des ans. Les premiers films sont capables de donner le coup d’envoi d’une carrière cinématographique durable, de convaincre l’acteur de rester devant la caméra pour de bon, ou de se situer entre les deux. Quelle que soit l’issue, leur candidature en tant qu’auteurs est représentative de la marque et de l’image de la star de cinéma.
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RELIEF : 7 meilleurs débuts d’acteurs devenus réalisateurs au cours de la dernière décennie
Clint Eastwood – « Play Misty for Me » (1971)
Image Via Universal Pictures
1971 a été une année marquante pour Clint Eastwood. Outre la sortie de Dirty Harry et le lancement d’un personnage emblématique, il a commencé sa carrière de réalisateur avec Play Misty for Me, et n’a jamais regardé en arrière, puisqu’il a réalisé près de 40 films derrière la caméra. Ce thriller psychologique mettant en scène Eastwood dans le rôle d’un DJ de radio traqué par une fan obsessionnelle (Jessica Walter) est le genre de film de genre qui aurait pu lui permettre de gagner sa vie s’il s’y était intéressé davantage en tant que réalisateur. Après des années de travail sur des plateaux de cinéma et de télévision, Eastwood se sentait confiant dans ses capacités à contrôler enfin sa production. Son collaborateur habituel et mentor, Don Siegel, a joué un rôle de conseiller vigilant sur ce film et a même participé à l’écran en tant que personnage secondaire. Play Misty for Me, réalisé avec tant d’assurance, est la parfaite démonstration qu’Eastwood est un professionnel accompli et un talent unique, naturellement doué, qui est né pour s’épanouir au cinéma.
Warren Beatty – « Le ciel peut attendre » (1978)
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De l’extérieur, Warren Beatty était un play-boy qui n’avait que du style sans substance. En réalité, Beatty collaborait beaucoup, voire beaucoup, avec ses scénaristes et ses réalisateurs pendant la production des films. Incertain de son aptitude à réaliser seul, il s’est associé à l’esprit comique aiguisé de Buck Henry en 1978 pour coréaliser son premier long métrage, Heaven Can Wait, une comédie fantastique sur un quarterback vedette qui est envoyé par erreur dans l’au-delà et se réincarne en millionnaire qui vient d’être assassiné. Dans ce film, Beatty fait preuve d’un sens de l’humour agréable et d’une conscience aiguë de son image de beau gosse. Selon la biographie de Beatty, Star, écrite par Peter Biskind, le directeur artistique Paul Sylbert a déclaré que dès qu’il a trouvé ses marques en tant que réalisateur, Beatty a réalisé « qu’il n’avait plus besoin de Buck Henry ». Warren l’a relégué à l’arrière-plan et a pris le relais ». S’il ne l’était pas déjà, Le ciel peut attendre a fait de Beatty une méga-star. À partir de ce moment, il est très sélectif dans ses projets et ne participe à des films que s’il possède une certaine forme de paternité créative.
Robert Redford – « Ordinary People » (1980)
Image via Paramount Pictures
Aucune idole de la matinée n’a brillé plus fort que Robert Redford. L’une des figures les plus belles et les plus charismatiques d’Hollywood a fait l’impensable et est resté exclusivement derrière la caméra pour son premier film, Ordinary People. Tous ceux qui doutaient des capacités de la star à prendre les rênes d’un drame poignant et sobre sur une famille dysfonctionnelle en deuil ont été ébranlés par le succès fulgurant du film aux Oscars, avec notamment le prix du meilleur film et du meilleur réalisateur pour Redford. Dans la plupart des cas, les acteurs poursuivent un projet ambitieux pour leurs débuts afin d’être pris au sérieux par le public. Le film de Redford, réalisé en 1980, est certes saisissant sur le plan émotionnel, mais il est plutôt pittoresque, ne comporte qu’un nombre limité de fioritures athlétiques et pourrait se déguiser en téléfilm. Grâce au minimalisme, Redford s’est lancé un défi avec ce film et a puisé dans un aspect réfléchi de sa personnalité. Cela peut également être attribué à la distribution de Mary Tyler Moore et Judd Hirsch dans des rôles dramatiques et sincères. Depuis, Redford n’a que rarement joué dans ses mises en scène.
Eddie Murphy – « Harlem Nights » (1989)
L’immense célébrité d’Eddie Murphy a été mise à l’épreuve lorsqu’il a décidé de se lancer dans la réalisation avec son échec critique, Harlem Nights. En 1989, Murphy a appris que la réalisation n’est pas à la portée de tout le monde, comme il le reconnaît lorsqu’il parle de l’échec du film et de son expérience désagréable pendant le tournage. Alors qu’il semblait que Murphy était trop célèbre et distant pour coopérer avec les acteurs ou l’équipe, son covedette et idole Richard Pryor a affirmé qu’il était tout à fait collaboratif. Le produit final est un gâchis boursouflé et Murphy n’a plus jamais réalisé de film et a évité les films risqués et convaincants comme Harlem Nights.
Kevin Costner – « Danse avec les loups » (1990)
Image via Orion Pictures
Dès le départ, les critiques et le public s’en prennent à ce que les médias appellent « Kevin’s Gate », en référence au célèbre flop Heaven’s Gate. Les gens étaient consternés que Kevin Costner, la star des films de base-ball, ait le culot de devenir l’auteur d’un western épique de trois heures, un genre qui stagnait en 1990. Alors qu’on s’attendait à un désastre cinématographique pour l’éternité, Danse avec les loups s’est avéré être un succès retentissant au box-office, qui a accumulé sept Oscars, dont ceux, très prisés, du meilleur film et du meilleur réalisateur pour Costner. Le film, qui raconte l’histoire d’un lieutenant de la guerre de Sécession qui se lie d’amitié avec une tribu amérindienne, s’inscrit certes dans la lignée des films de sauveurs blancs, mais on ne peut nier la légitimité que le rôle et la mise en scène ont conférée à Costner à Hollywood. C’est le genre de tâche ambitieuse que seuls les grands classiques peuvent mener à bien. La star s’est sentie à l’aise dans la foulée, étendant ses prouesses en travaillant sur des films plus provocateurs comme JFK et des épopées tout aussi grandioses comme Waterworld, dont l’accueil et les recettes décevantes l’ont ramené sur terre. Après l’échec catastrophique de sa deuxième tentative de réalisation, The Postman, Costner n’a réalisé qu’un seul autre film depuis. Cependant, nous pourrions assister à une nouvelle réalisation de Kevin Costner, puisqu’il aura plus de temps après avoir quitté Yellowstone.
Robert De Niro – ‘A Bronx Tale’ (1993)
Image via Savoy Pictures
Robert De Niro est sans doute le meilleur acteur de sa génération, voire de tous les temps, mais il a aussi quelques réalisations à son actif. Son premier film de 1993, A Bronx Tale, est redevable au travail de Martin Scorsese rien qu’en apparence. Bien que bien rythmé et engagé dans sa caractérisation, le film, qui raconte l’histoire d’un garçon attiré dans le monde criminel après avoir suivi le mentorat d’un chef de la mafia (Chazz Palminteri), ressemble à un karaoké de Scorsese. Le maître du cinéma a inspiré d’innombrables imitateurs au fil des ans, et ce film montre la dure réalité des tentatives d’imitation de son style, à savoir que même son collaborateur le plus célèbre ne parviendra pas à le copier. La performance de De Niro dans ce film ne présente pas son poids dramatique interne habituel ni son pathos vigoureux. Il n’a réalisé qu’un seul autre film par la suite, The Good Shepherd en 2006.
Ben Affleck – « Gone Baby Gone » (2007)
En 2007, la réputation de Ben Affleck était au plus mal après une série de films comme Daredevil et Gigli qui l’ont tourné en dérision. Son statut d’aliment pour les tabloïds a fait de lui une star rayée de la carte au milieu des années 2000. C’est alors qu’il a étonné le monde en montrant ses talents de réalisateur avec Gone Baby Gone. Affleck comprenait parfaitement les mécanismes d’un genre hollywoodien classique, le roman noir, et parvenait à lui donner une tournure moderne. En restant exclusivement derrière la caméra, il raconte l’histoire d’un couple de détectives privés (Casey Affleck et Michelle Monaghan) qui découvrent l’effroyable vérité sur l’enlèvement d’une petite fille. Rétrospectivement, Ben Affleck a fait le bon choix en ne jouant pas dans le film, car cela aurait pu distraire les spectateurs à l’époque et faire perdre de la crédibilité à la narration. Gone Baby Gone présente Affleck comme un artiste sophistiqué et non comme une star de cinéma centrée sur son salaire. Dans ses films suivants, Affleck a non seulement joué dans tous les films, mais sa présence a pris de l’importance à chaque film. Il a remporté le prix du meilleur film pour Argo en 2012, qu’il a également réalisé et dans lequel il a joué.
Bradley Cooper – « Une étoile est née » (2018)
Dans un véritable test de célébrité, Bradley Cooper a jeté son dévolu sur la réalisation pour adapter l’itération du 21e siècle d’Une étoile est née. Cela faisait près de 40 ans que l’histoire d’un musicien alcoolique en perte de vitesse (Cooper) et de la romance qu’il noue avec une star montante (Lady Gaga) n’avait pas été portée sur grand écran. Une étoile est née a déjà été portée à l’écran à trois reprises, dans les années 30, 50 et 70. En 2018, Cooper s’est inséré dans le canon de l’histoire du cinéma et a fait revivre une forme de mélodrame pastiche et de narration sincère qui semblait à jamais démodée. L’évolution de Cooper en tant que second rôle dans des comédies dans les années 2000 jusqu’à sa formation en tant que dernier d’un type spécifique de star de cinéma classique a été complète. Il devrait sortir un nouveau film cette année, Maestro, l’histoire du célèbre compositeur Leonard Bernstein, une fois de plus en tant que star, producteur, scénariste et réalisateur. S’il n’y a pas de Warren Beatty en 2023, ce qui s’en rapproche le plus, c’est Bradley Cooper !
Greta Gerwig – Lady Bird
Greta Gerwig est une actrice et une actrice dynamique, qui a gravi les échelons jusqu’à devenir l’une des auteurs les plus en vue des années 2010. Elle a d’abord coréalisé un petit film indépendant avec Joe Swanberg, intitulé Nights and Weekends, puis coécrit Frances Ha et Mistress America, deux films dans lesquels elle a joué sous la direction de son partenaire, Noah Baumbach. Après des années de travail divertissant et réfléchi en tant que scénariste et actrice, Gerwig a réalisé le rêve de tout artiste en 2017, en devenant l’auteur d’une histoire personnelle réalisée dans le cadre d’une vision unique lorsqu’elle a écrit et réalisé Lady Bird. Le film, avec son ton rapide et la perspective distincte d’une jeune adulte à l’esprit libre qui aspire à une plus grande liberté et à l’expression artistique, est tout à fait en phase avec Gerwig. Qu’il s’agisse de la compréhension de la ville de Sacramento ou de l’état d’esprit d’une adolescente au début du XXIe siècle, tous les aspects du film semblent directement tirés de la vie de Gerwig. Entre l’acclamation massive de la critique pour ce film et sa suite, une adaptation vivante de Little Women en 2019, Gerwig est en train de se forger l’une des carrières les plus impressionnantes du cinéma d’aujourd’hui. Son prochain film, Barbie, devrait sortir en 2023, et le public aurait raison de s’en réjouir.
