Dans le premier long métrage du scénariste et réalisateur Andrew Durham, Fairyland, Emilia Jones joue le rôle d’Alysia Abbott, une jeune fille élevée par son père célibataire dans les années 70. Basé sur les mémoires du même titre, de l’auteur et de la vraie Alysia, Fairyland raconte une « histoire parallèle de passage à l’âge adulte », comme le décrit Durham, de la relation père-fille entre Alysia et Steve Abbott (Scoot McNairy), un homme qui navigue dans la communauté homosexuelle du San Francisco des années 70, et toutes les nouvelles libertés qu’elle a à offrir. Tout en élevant sa fille et en essayant de vivre sa nouvelle vie, Steve encourage Alysia à embrasser ses passions, tout en faisant de même.

Bien que son enfance ait été remplie d’amour de la part de son père, Alysia commence à ressentir l’altérité de sa famille en grandissant. Voulant désespérément s’intégrer et se forger sa propre vie, Alysia part à l’université, d’abord à New York, puis à l’étranger, en France. C’est à cette époque des années 80, où le sida a tragiquement balayé la communauté gay, que Steve fait appel à sa fille après son diagnostic. Alysia doit alors prendre la décision de continuer à vivre sa vie ou de rentrer chez elle pour s’occuper de son père. Outre McNairy et Jones, Fairyland met également en vedette Cody Fern, Adam Lambert, Geena Davis, Nessa Doughtery, Maria Bakalova, etc.

Après la projection de Fairyland à Sundance, Durham, Jones, McNairy, Lambert et Fern ont visité le studio Collider à Park City. Au cours de leur entretien avec Steve Weintraub de Collider, ils expliquent ce qui a résonné en eux dans le scénario, parlent du « tourbillon » que représente la réalisation d’un film indépendant et expliquent pourquoi il est impératif de raconter et de continuer à raconter cette histoire déchirante. Ils s’ouvrent sur l’effet d’entraînement du sida sur la communauté homosexuelle et sur tous ceux qui en sont affectés, et discutent des scènes émouvantes du film. Durham révèle également la façon dont le film a failli changer radicalement au cours du processus de montage, et explique le travail intentionnel de la caméra qui mûrit à chaque acte. Vous pouvez regarder l’interview dans le lecteur ci-dessus, ou lire la transcription complète ci-dessous.

Image via Sundance

COLLIDER : Andrew, vous avez travaillé au tout début de votre carrière comme assistant de bureau ou quelque chose comme ça sur le premier film Scream, si je ne me trompe pas.

DURHAM : Wow. Oui, j’étais assistant coordinateur de production sur le premier Scream.

Quand vous l’avez fait, aviez-vous la moindre idée que ce film allait devenir ce qu’il est devenu ?

DURHAM : Je n’en avais aucune idée, mais je pense que les gens de Dimension devaient avoir une idée parce qu’ils ont mis Drew Barrymore dans le film au début, et elle était une affaire chaude. Enfin, elle l’est toujours, mais c’était un gros coup. Mais je pensais que c’était un travail pour moi. Je travaillais en freelance dans la production. J’avais quitté l’école de cinéma depuis quelques années et c’était un super boulot. Je pouvais aller à Santa Rosa et dans le comté de Sonoma, et on buvait du vin le week-end. Je me suis fait des amis merveilleux avec ça. Nous avons juste pensé que c’était une explosion. Nous ne savions pas que cela allait devenir la franchise que c’est devenu, mais j’ai le sentiment que certaines personnes ont eu une idée, peut-être.

Je suis curieux pour vous Emilia, quand avez-vous décidé de prendre le contrôle de Sundance cette année avec deux films ?

EMILIA JONES : Honnêtement, je suis tellement excitée d’être ici parce que [with] CODA, nous n’avons pas pu venir à Sundance, et tout était donc en ligne. Alors quand j’ai découvert que Fairyland et Cat Person essayaient, je me suis dit : « Oh, j’espère vraiment qu’au moins l’un d’entre eux pourra être accepté pour que je puisse enfin aller à Sundance ». Je ne pensais pas que ce serait les deux, alors je suis sur un petit nuage. Je suis très choquée.

Allons-y. Votre film est fantastique. C’est aussi un film si important, et il est magnifiquement raconté, mais personne ici ne l’a encore vu. Comment avez-vous décrit le film à vos amis et à votre famille ?

DURHAM : Eh bien, mes amis et ma famille m’écoutent le décrire depuis huit ans, alors ils le connaissent tous très bien. Il a fallu beaucoup de temps pour le réaliser. Je dirais à quelqu’un – si c’était une sorte d’elevator pitch – je dirais que c’est une histoire d’amour père-fille qui se déroule à une époque où l’Amérique était sur le point de changer à bien des égards. Nous les regardons évoluer avec leur temps.

C’est une histoire parallèle de passage à l’âge adulte. C’est l’histoire d’une fille, ou d’une jeune fille, élevée par son père gay. Si vous connaissez un peu ce genre de communauté à l’époque, beaucoup de ces hommes qui sont sortis du placard dans les années 1970, pendant le mouvement de libération gay, traversaient une seconde adolescence parce qu’ils avaient supprimé cette première adolescence. Il se trouve que sa fille atteint l’âge adulte alors qu’il atteint à nouveau l’âge adulte. Nous regardons donc ces deux mondes se heurter et se connecter.

Je pense que tu as déjà fait ça avant.

DURHAM : C’est la première fois qu’on me pose cette question, alors merci.

fairyland-andrew-durham-cody-fern-emilia-jones-scoot-mcnairy-adam-lambertImage via Photagonist

Pour vous quatre, qu’est-ce que ça vous a fait de lire le script pour la première fois, et qu’est-ce qui vous a fait dire, « Oh, mon Dieu, je dois faire partie de ça ? ».

SCOOT MCNAIRY : Quand j’ai lu le script pour la première fois, il a résonné en moi. La première fois que je l’ai lu, il a résonné avec moi tout autant la 50ème fois que je l’ai lu. Et même en le voyant aujourd’hui, il résonne toujours. Andrew a écrit un script incroyablement beau. Je sais qu’il l’avait depuis très longtemps, mais le scénario parlait de lui-même. C’est une très belle histoire d’amour entre un père et sa fille pendant l’épidémie de SIDA, mais surtout, c’est l’histoire de ces deux personnes qui essaient de s’en sortir, de faire mieux, d’être mieux et de découvrir qui elles sont en tant que personnes. C’est une histoire dont on entend parler, mais ce n’est pas un film que j’ai vu ou une histoire que j’ai vue au cinéma auparavant. C’était original. C’était une belle histoire qu’il avait écrite. Le casting était incroyable. C’était une évidence. C’était un petit film, mais je pense que nous avons tous libéré nos emplois du temps pour venir faire ce truc. Nous sommes tous vraiment, vraiment passionnés et nous voulions le faire.

FERN : J’ai été attaché pendant six ans. Je pense que c’est six ans.

DURHAM : Cody était la toute première personne attachée au film.

Ne l’oubliez pas. J’étais tellement amoureux du scénario et je voulais tellement qu’il se réalise. Les années ont passé sans qu’il se réalise, et je me suis dit : « Je ne vais pas pouvoir le faire. » Andrew et moi sommes restés en contact et je le harcelais tous les ans en décembre, je crois, du genre : « Qu’est-ce qui se passe ? » Puis tout s’est mis en place en l’espace d’une semaine.

J’ai découvert que Scoot le faisait, et j’ai tout de suite été terrifié parce que je l’ai toujours vu comme un artiste phénoménal, le genre d’acteur dont on se dit : « Ok, je dois vraiment sortir le grand jeu. » [To Jones] J’étais à une soirée des Oscars quand on s’est rencontré, et vous avez dit « Fairyland ». J’ai dit, « Et alors ? » Et toi : « Je suis Alysia » et moi : « Quoi ?! » Puis tout s’est produit. Tout s’est mis en place en l’espace de deux semaines, et nous sommes partis à San Francisco pour le tournage. C’était une expérience extraordinaire tout du long. C’est ce que j’ai vécu.

DURHAM : Les 21 jours pendant lesquels on a tourné le film.

Ouais, c’était un tourbillon. Mais je pense que c’est ce qui est si excitant dans le cinéma indépendant. Ça fait ressortir une telle crudité à l’écran. Et c’est, c’est 21 jours, et vous devez filmer la jeune Alysia [and] et la vieille Alysia à travers des années. C’était dur, mais tout le monde a travaillé si dur ensemble, et c’était vraiment un travail d’équipe. J’ai aimé chaque seconde de ce travail. Même si c’était difficile, et que nous étions confrontés au temps, oui, j’ai adoré ça. Et l’histoire, elle était si belle. J’ai lu les mémoires et le scénario et j’en suis tombée amoureuse. En fait, j’ai auditionné pour Andrew avant la pandémie, et puis je n’ai pas entendu. Nous avions un Zoom.

DURHAM : Nous avons eu un Zoom la première semaine de la pandémie, n’est-ce pas ? Nous étions tous les deux à la maison. Ça ne s’appelait pas Zoom à l’époque. Ça s’appelait Skype.

C’était Skype, ouais. Puis je n’ai rien entendu et j’ai pensé, « Oh, je ne l’ai pas eu. » Puis j’ai reçu un appel des mois plus tard, et j’étais si excitée de le faire. C’est une très belle histoire.

Adam, vous avez un petit mais important rôle dans le film, mais vous n’avez pas parlé de ce qui vous a attiré dans le projet, et je suis curieuse.

ADAM LAMBERT : Eh bien, Andrew m’a contacté, et nous avons eu une grande conversation, et il m’a parlé de ses mémoires. Je l’ai lu et je l’ai trouvé magnifique. J’ai toujours aimé San Francisco dans les années 70, en particulier le Castro, le mouvement de libération gay. Les membres de la famille de ma mère vivaient dans le Castro à cette époque. Ça me touche de près. C’était une époque très nostalgique d’après les histoires que j’ai entendues.

Il y a beaucoup d’histoires de gays qui sont racontées en ce moment, et c’est vraiment important, et c’est quelque chose qui aurait dû être fait depuis longtemps. [There are] De plus en plus de personnages font leur apparition. [There are] De plus en plus d’histoires. J’ai l’impression que nous sommes à une époque où les histoires et la visibilité des homosexuels sont plus importantes que jamais, et c’est grâce à elles que nous avons pu faire bouger les choses. Je pense que les médias, la télévision, les films, la musique, nous sommes ceux qui aident les gens à se sentir à l’aise avec l’expérience homosexuelle.

Mais ce film en particulier était très intéressant parce qu’il y a une collision entre le mouvement gay libéral et un père célibataire qui élève un enfant. J’ai trouvé ça très intéressant de voir ces choses se mélanger d’une si belle manière.

Fairyland - Still 1Image via Sundance

Vous avez mentionné que vous aviez un calendrier serré pour faire ça. Je suis curieux de savoir, lorsque vous regardiez le calendrier, quel était le jour que vous aviez encerclé en vous demandant « Comment allons-nous faire ? ». Et aussi pour les acteurs, y avait-il un jour dans le planning qui vous rendait un peu inquiet ou nerveux ?

DURHAM : J’essaie de penser à un jour qui n’était pas ce jour-là. Vous comprenez que lorsque vous avez un enfant de sept ans, il ne peut travailler que cinq heures par jour ? Ce que nous faisions, c’était de filmer Nessa Dougherty – qui était la merveilleuse petite fille qui joue la jeune Alysia – le matin, et puis elle partait à midi, et puis Emilia venait, et nous tournions ses scènes. N’oubliez pas que Scoot doit passer des années 70 aux années 80 à l’heure du déjeuner, et qu’il doit donc changer de coiffure, de maquillage, etc. Nos déménagements d’entreprise sont mineurs. Nous avons tourné la majeure partie du film dans deux grandes maisons, deux grandes maisons anciennes pour les intérieurs. Les mouvements d’entreprise sont donc faciles, mais nous filmions la jeune Alysia le matin et la plus âgée le soir. Le matin était en 16 millimètres, [in] le soir, le département caméra passait au numérique. C’était comme tourner deux films, et nous l’avons toujours dit. Quand vous avez posé la question s’il y avait un jour de folie, le jour où nous avons tourné la parade de la Gay Pride dans les années 70. Eh bien, il y avait une vague de chaleur, mais aussi, c’était le deuxième ou le troisième jour de tournage.

Scoot : Trois mouvements de compagnie.

DURHAM : Ouais. Il y a eu trois déménagements de compagnie, ce qui était beaucoup pour un film sur notre calendrier. Ça a dû être difficile parce que nous avions plusieurs endroits différents, et c’était un tournage compliqué à faire.

FERN : Mais vous ne l’auriez pas su. Andrew l’a géré si adroitement. C’était une expérience de tournage tellement punk. Je me souviens que je venais dans la salle de maquillage, j’étais dans mon personnage, et j’entrais et il y avait Emilia qui se faisait coiffer. On partait faire quelque chose et puis Nessa entrait. Pendant tout ce temps, Andrew était si calme, et il venait avec son petit écran et sa direction était, « Alors comment vous sentez-vous ? » J’étais comme, « Ouais, c’est bon. » Il est comme, « Ok. Ouais. Très bien alors. » Et il est sorti de la pièce. On ne savait jamais qu’il y avait un problème. Il était comme, « Ok. Eh bien, ouais, on doit faire ça, alors faisons-le. » Cela ressemblait à du cinéma indépendant dans le meilleur sens du terme, une collaboration avec un chef qui savait ce qu’il voulait et qui l’a fait.

Oui, même si c’était stressant, ça ne s’est jamais vu, jamais.

LAMBERT : Et je dois dire que c’est mon premier film. J’ai été dans l’industrie du divertissement pendant longtemps dans le théâtre et la musique, et d’autres choses, mais j’avais une petite appréhension. Je me disais : « J’espère que je sais ce que je fais, qu’ils m’aiment et que je ne vais pas tout faire foirer ». Je dois dire que ça a été un vrai jeu d’enfant. C’était si confortable tout de suite. Andrew m’a fait sentir que tout allait bien se passer. J’ai marché sur le plateau et j’ai rencontré Scoot. Il m’a fait un gros câlin et m’a dit : « Je suis si excité. » J’ai tout de suite pensé, « Ok, ça va être génial. » J’ai rencontré Emilia. On avait l’impression d’être très détendus et que la famille était déjà formée, mais je ne me suis pas sentie étrangère quand je suis entrée sur le plateau. J’ai trouvé cela vraiment merveilleux. Je l’ai vu dans l’autre sens.

MCNAIRY : J’ai fait quelques films et Andrew est une lumière dans une bouteille. C’est merveilleux de travailler avec lui, mais aussi d’être avec lui. Vous avez envie d’aller boire un verre ou de dîner avec lui après. Il est très, très magnétique. Donc ça descend du haut vers le bas. Évidemment, nous le savons tous. Quand vous avez un leader qui garde son calme et sa vision créative, et son calme, c’est rare. Andrew l’a fait avec grâce.

FERN : Et une extraordinaire équipe de producteurs aussi. Vous avez Sofia Coppola et vous avez Megan Carlson. Elles ont été de véritables leaders sur ce film. Tout s’est passé comme une expérience familiale. C’était juste, en tant qu’équipe, vous n’avez pas ça souvent. C’était une telle fête de l’amour. C’était si facile, si doux, si humoristique et si léger, tout en abordant des sujets si intenses. Félicitations à Andrew.

Une des raisons pour lesquelles je suis si heureux que ce film ait été fait, c’est qu’il y a beaucoup de jeunes qui ne sont pas familiers avec cette époque. Chaque fois que je pense à la fin des années 70, enfin, au début des années 80 de San Francisco et au milieu des années 80, je pense à toutes les personnes qui ont été perdues à cause du SIDA et qui n’ont jamais eu de chance. C’est une génération de personnes. Ce film met en lumière cette histoire. Pouvez-vous nous parler un peu de cet aspect ?

DURHAM : C’est un peu émouvant pour moi. Je vais passer le relais à quelqu’un d’autre.

Je suis désolé.

Non, c’est bon. C’est une question difficile.

MCNAIRY : J’en savais un peu, mais pas autant que je le sais. [now]. La tragédie qui a frappé cette communauté a été totalement mise de côté. Après avoir traversé une pandémie de COVID qui n’a rien à voir avec le SIDA… C’est l’une des choses les plus tristes au monde de savoir que si vous aviez traversé la pandémie de COVID et que vous n’aviez personne ? Et cette petite communauté avait beaucoup de fierté, avait gagné beaucoup de terrain avec son mouvement, seulement pour être…

C’est juste une tragédie. C’est tellement triste. C’est tellement triste. Et c’est la seule chose qui m’a frappé en faisant les recherches pour ça. Je ne savais pas grand-chose sur le sida. J’ai toujours grandi au Texas. J’étais à l’abri de ça. Après avoir appris beaucoup de choses sur ce sujet, je ne comprenais pas. Je réalise maintenant la tragédie que cette communauté a vécue et que personne ne lui a tendu la main pour l’aider.

Fairyland - Still 4Image via Sundance

C’est une période honteuse de l’histoire de l’Amérique. Mais l’une des raisons pour lesquelles je suis si heureuse que ce film ait été réalisé, c’est que nous devons en parler, et nous ne pouvons pas enterrer ces choses sous le tapis. C’est l’une des nombreuses raisons pour lesquelles je pense que vous avez fait un travail fantastique.

DURHAM : Eh bien, c’est aussi pourquoi j’ai fait ce film. Je n’avais pas l’intention de ne pas répondre à votre question, mais j’ai probablement, comme beaucoup d’entre nous, un peu de SSPT de cette époque, alors il est difficile pour nous d’y aller. C’est pourquoi le film est là.

LAMBERT : Je dirai aussi que j’ai manqué cette époque d’une dizaine d’années, mais en grandissant dans l’ombre de cette période, dans ses conséquences, la peur qui entourait le sexe et l’homosexualité a imprégné les années 90. J’étais un enfant dans les années 90, mais on pouvait le sentir. Tout ce que l’on voyait à la télévision sur l’homosexualité était comme si tout le monde avait peur de ce qui s’était passé. Je pense qu’en regardant la communauté actuelle, la communauté LGBTQ d’aujourd’hui, surtout les jeunes qui arrivent, il y a beaucoup d’histoire que nous n’avons pas transmise à notre communauté. Il y a beaucoup de choses qui ont été perdues. Beaucoup de nos professeurs nous ont été enlevés. Beaucoup de personnes qui seraient aujourd’hui nos aînés n’existent plus. L’histoire que la communauté homosexuelle a traversée est vraiment importante aujourd’hui, plus que jamais, compte tenu de ce qui se passe dans le pays, compte tenu du fait que, comme je l’ai dit plus tôt, nous sommes à nouveau attaqués.

Nous [have] devons nous assurer que tout le monde sait ce qui s’est déjà passé afin de ne pas répéter nos erreurs, et nous pouvons construire à partir de ce que nous pouvons apprendre et en sortir plus forts, et plus unis.

Vous avez tous les deux des scènes très émouvantes dans le troisième acte. Je suis curieux de savoir si nous pouvons parler un peu de la façon de jouer ces scènes et de les rendre aussi authentiques que possible. J’ai eu l’impression de regarder de vraies personnes qui ont des défauts, mais qui essaient d’en tirer le meilleur. Je pense que vous avez tous les deux fait un travail incroyable.

JONES : Eh bien, heureusement pour nous, lorsque nous sommes arrivés au troisième acte et à ces scènes vraiment, vraiment émotionnelles, elles étaient à la toute fin du tournage. Donc à ce moment-là, j’étais devenu très proche de Scoot. J’étais devenu proche d’Andrew. Nous étions tous devenus très, très proches, et nous avons développé nos personnages. Alors quand sont arrivées ces scènes vraiment, vraiment émotionnelles, j’étais vraiment triste. Je suis tombée amoureuse du Steve de Scoot, et nous arrivions aussi à la fin du tournage, et c’était émouvant. J’avais appris tellement de choses sur cette période. Il n’y avait pas besoin de jouer la comédie.

Andrew a fait de très longues prises, ce que j’ai adoré parce que j’avais l’impression de vivre comme Alysia, et d’être dans ce moment. Je n’ai jamais eu l’impression de jouer. Je n’ai jamais remarqué la présence de la caméra, surtout (la directrice de la photographie) Greta. [Zozula]la façon dont Greta a filmé ces scènes aussi. Elle nous laissait faire. Ce n’était pas comme, « Ok, maintenant nous allons nous rapprocher. Alors maintenant, nous allons faire un gros plan. Maintenant, on va faire un plan large. Maintenant, on va faire ce plan. » C’était juste moi et Scoot à ce moment-là, et nous ne l’avons pas fait beaucoup, beaucoup de fois, ce qui a aidé, je pense, et l’a rendu plus émotionnel.

MCNAIRY : Pour moi, travailler avec un talent comme Emilia, il faut juste écouter. Quand vous travaillez avec des gens vraiment talentueux, il y a moins de travail pour vous, surtout en tant qu’acteur. Donc il faut juste être présent et écouter, c’est tout. Même avec Nessa, la petite fille, vous les écoutez vraiment, et ce sont des rock stars. Elles vous y amèneront. Vous voyez ce que je veux dire ? Si vous restez concentré et que vous les écoutez parce qu’elles sont toutes les deux… Nessa a fait un travail incroyable. C’était son premier film, mais Emilia est une pro. Donc quand vous travaillez avec quelqu’un comme ça, ce n’est pas du travail. C’est un jeu.

fairyland-scoot-mcnairyImage via Photagonist

J’allais dire, vous avez une scène amusante avec Nessa. Je ne veux pas la gâcher ici, mais je suis curieux de savoir comment c’était de filmer une certaine scène qui traite de choses adultes.

FERN : Ce qui était vraiment génial à propos – juste en passant – du cinéma indépendant [was]Je suis entré dans ce bain, et il était glacial. Tu te souviens de ça ? Ils étaient comme, « L’eau est chaude. Ça va être génial. »

Il n’y avait pas l’eau courante dans cette maison, alors on devait remplir la baignoire avec l’eau du tuyau.

FERN : Alors ils disaient, « Sautez dans la baignoire, ça va être génial », et je disais, « Il fait moins 10 degrés. »

Ok, je vais dire quelque chose à propos de ça. Je me souviens qu’au début du film, Scoot et moi nous regardions l’un l’autre parce qu’Andrew était si doux que la caméra était au loin ou autre, et nous faisions notre truc. Il savait ce qu’il voulait, et nous étions comme, « Nous avons toutes ces idées, et nous avons tous ces … » et il était juste comme, « Eh bien, non, je veux que vous soyez dans la distance. » C’était la même chose avec la scène du bain. Il a mis la caméra à un certain endroit, et je pensais, « Il va y avoir de la couverture. Il va y avoir un gros plan. » J’allais faire tous ces choix, et il a dit, « Non, non. Assieds-toi dans les toilettes. On va juste le faire », et on a l’impression que c’était la première prise.

DURHAM : Ça pourrait l’être.

FERN : Quand le cendrier est tombé dedans.

DURHAM : Nous n’avons pas fait beaucoup de prises sur ce film parce que nous n’avions pas le temps. Oh, le cendrier est tombé dedans. C’était la première prise. Oui, vous avez raison.

C’était la première prise, donc c’était le choc, vous faites face à cette situation qui s’effiloche, et tout semblait si authentique. Nessa est une petite âme si spéciale. Elle est si vibrante, curieuse et amusante. Encore une fois, c’est comme Scoot l’a dit, vous avez juste besoin de vous verrouiller et d’y aller.

Andrew, l’une des choses dont je vous félicite, et vous l’avez abordé un peu plus tôt dans l’interview, c’est l’esthétique du film, et la façon dont vous avez utilisé le 16 millimètres pour les années 70, et puis vous l’avez tourné complètement différemment une fois qu’il est devenu les années 80. Pouvez-vous nous parler des choix que vous avez faits et de la raison pour laquelle vous avez voulu procéder de cette manière ?

DURHAM : C’était une décision très, très consciente. Greta, notre directeur de la photographie, est tout simplement incroyable. Elle est incroyable. Elle était l’une des plus agiles, intelligentes… Son esthétique est incroyable. Nous avons décidé de faire en sorte que le film mûrisse en même temps que nos personnages, si vous voyez ce que je veux dire. La première moitié, tout ce qui concerne Nessa, est en 16 millimètres. Le travail de caméra est un peu plus fluide et plus direct. On filme beaucoup en hauteur. Nous regardons Steve pendant la majeure partie de cette partie, la plupart des scènes de Nessa. Puis, lorsque nous arrivons à ces scènes d’adolescence, les années 1980, et que nous présentons Emilia, nous passons au numérique, et nous regardons un peu plus Steve à ce moment-là. Nos plans sont encore un peu désordonnés et ludiques, mais ce n’est qu’au troisième acte que nous regardons Steve de haut et que les plans sont beaucoup plus stables. Ce sont des compositions plus conservatrices.

C’était très important pour moi, car cette histoire est racontée à travers les yeux d’Alysia. Il était très important pour moi que, lorsque vous arrivez à la fin du film, ces premières scènes tournées en 16 soient considérées comme de lointains souvenirs. C’était très, très important pour moi, car j’ai été inspirée par les albums de photos de mes parents et par ma profession de photographe. J’adore regarder les vieilles images.

Ce film couvre beaucoup de terrain. Il s’étend sur 15 ans. Deux acteurs jouent Alysia. C’est beaucoup demander à son public, alors j’ai décidé de m’appuyer là-dessus. Et je veux, comme je l’ai dit, qu’à la fin du film, lorsque vous êtes à la fin du troisième acte, tous ces souvenirs du début du film vous paraissent très lointains, comme des photos délavées, et c’était l’intention.

Fairyland - Image 6Image via Sundance

J’aime parler du processus de montage, car c’est là que tout se joue. Même si vous avez eu un tournage limité, et je suis sûr que les prises étaient limitées, je suis curieux de savoir comment le film a changé dans la salle de montage d’une manière à laquelle vous ne vous attendiez pas.

DURHAM : Oh, j’avais deux monteurs, Peter [CabadaHagen] et Larry [Klein]et ils étaient tout simplement incroyables. Ils ont réalisé un magnifique montage, ou ce que vous appelez un montage brut. Dès que nous sommes rentrés de France, j’avais le film en tête, et ils l’ont fait exactement comme ce script. C’est mon premier film, donc ça semblait lourd, long et bizarre. J’étais juste comme, « Oh, mon dieu. » Sofia est la meilleure personne pour vous donner des conseils. Elle est si douée pour vous dire : « Calmez-vous. Ce n’est pas la fin du monde. Tu as le film là. C’est à ça qu’ils ressemblent tous » même si mes éditeurs me disent, « Non, cette histoire est solide. Elle est là. » Ce qui s’est passé, c’est que j’ai décidé à un moment donné que je voulais raconter cette histoire de manière non linéaire, et je voulais que tout le film soit un flashback.

Je suis allé dîner avec Scoot, et il m’a demandé : « Comment va le montage ? » J’ai dit, « Tu sais quoi ? J’ai besoin de commencer avec Emilia, et elle a besoin de regarder dans des boîtes et des lettres, et nous devons commencer à revenir sur son enfance, et nous devons faire tout ça. » On a joué avec ça pendant des semaines. C’est le luxe que j’ai eu, car lorsque vous avez un film à si petit budget et que vous montez dans le salon de quelqu’un, nous avions un peu plus de flexibilité. Mais mes monteurs m’ont laissé faire, et ils m’ont laissé travailler cet exercice et le faire sortir de mon système. Sofia n’arrêtait pas de me dire : « Les gens ont été attirés par l’histoire grâce à ton scénario. Tu dois t’en tenir au scénario. C’est ce qui a marché. » Et j’ai dit, « Non, non, non, non. Je pense que ça doit être non-linéaire. »

Et on a essayé. Quand vous ne tournez pas quelque chose de non linéaire, et que vous n’écrivez pas quelque chose de non linéaire, c’est vraiment difficile d’essayer d’assembler les pièces du puzzle. J’ai parlé à une monteuse qui a dû faire ça une fois sur un film, et elle m’a dit, « Eh bien, préparez-vous aux reprises et aux groupes de discussion, et à toutes sortes de choses. » Vous savez quoi ? Je suis revenu à ce qu’était le montage original, et nous l’avons juste affiné, et je pense que ça a vraiment marché. Mais comme je l’ai dit, j’ai eu la chance d’avoir le temps. J’ai pu expérimenter avec ça. Mais je pense que nous sommes beaucoup mieux lotis.

Vous savez quoi ? J’ai parlé à beaucoup de réalisateurs, et ils font parfois des montages vraiment expérimentaux, et parfois ça marche, mais c’est bien d’avoir cette liberté. Donc au moins vous avez essayé.

MCNAIRY : Ou de savoir que ça ne marche pas, pour pouvoir passer à autre chose.

100%.

fairylandImage via Photagonist

FERN : Mais même avec cela, le montage de ce film, je l’ai vu pour la première fois dans les salles aujourd’hui. J’ai décidé d’attendre. C’est extraordinaire la façon dont il déplace les périodes de temps de façon si transparente. Comme cette scène où Alysia descend du bus. J’ai eu un moment dans le film où je me suis dit, « Oh, mon dieu, il est si intelligent. » J’apprécie juste le fait que ça avance vraiment. C’est extraordinairement bien rythmé.

MCNAIRY : Ouais. Vous ne comprenez pas à quel point c’était intelligent parce que constamment, vous descendez d’un bus, et puis vous êtes dans une toute autre ville où elle marche, et puis vous êtes dans une toute autre ville, ou un autre endroit, où ils parlent au type. Andrew a fait un travail incroyable en plaçant ces lieux et en utilisant tous ces murs ou espaces bidimensionnels différents, et en assemblant le tout. Il faut avoir été là pour voir à quel point c’est impressionnant pour un film indépendant, et aussi l’équipe de production pour être capable de structurer cela. C’est vraiment, pour moi, c’était phénoménal d’être comme, « Wow, vous avez vraiment cousu cette chose ensemble de façon transparente. »

LAMBERT : Et les images d’archives sont aussi très cool, parce qu’elles s’intègrent parfaitement, aussi, et ça vous met là.

Un grand merci à nos partenaires de 2023 à Sundance, y compris le partenaire présentateur Saratoga Spring Water et les partenaires de soutien Marbl Toronto, EMFACE, Sommsation, Hendrick’s Gin, Stella Artois, mou, et le véhicule tout électrique, Fisker Ocean.