Avoir un talent reconnu attaché à un projet peut faire toute la différence. C’était le cas avec la sélection Sundance 2023, The Pod Generation. Emilia Clarke était impatiente de travailler avec la scénariste et réalisatrice Sophie Barthes et était également déterminée à porter son histoire à l’écran. Sa participation en tant qu’actrice principale a été déterminante, tout comme sa contribution en tant que productrice exécutive de la production.
Clarke joue aux côtés de Chiwetel Ejiofor le rôle de Rachel et Alvy, un couple vivant dans un futur pas si lointain, avec des opinions radicalement différentes sur la technologie, la façon de vivre leur vie et la façon d’avoir un bébé. Lui est un botaniste déterminé à préserver autant que possible le monde naturel, tandis qu’elle est une étoile montante d’une entreprise de technologie qui adopte la vague d’appareils d’IA conçus pour faciliter la vie. Lorsque Rachel trouve une place au Womb Center, un établissement qui offre aux futurs parents la possibilité d’avoir un enfant plus facilement en utilisant des utérus détachables et portables – ou plutôt, des pods – elle et Alvy explorent, et débattent, du rôle que les technologies avancées jouent dans leurs vies.
À l’occasion de la première de The Pod Generation à Sundance, Barthes, Clarke et Rosalie Craig, qui interprète parfaitement le rôle de Linda, la directrice du Womb Center, se sont rendus au Collider Studio présenté par Saratoga Spring Water pour parler de leur expérience de la mise en scène de l’histoire. Barthes révèle comment l’histoire a évolué au fil des ans, Clarke donne un aperçu de son expérience dans la production de son tout premier long métrage, Craig parle de son approche pour jouer le personnage le plus « dément » du film, et bien plus encore ! Écoutez tout cela par vous-même dans la vidéo en haut de cet article ou lisez la transcription ci-dessous.
Image via Sundance
J’aime toujours entendre parler de l’évolution d’un scénario, alors quelle est la toute première idée qui vous est venue et vous souvenez-vous de la dernière chose que vous avez trouvée et qui a permis de tout rassembler ?
BARTHES : C’était un très long processus. Je pense que peut-être lorsque j’attendais mon premier enfant, j’ai commencé à faire des rêves, des rêves très étranges pendant cette grossesse et je pense que c’était peut-être le début du processus, et c’était il y a 13 ans. Mais ensuite, il a évolué, et je ne l’ai pas écrit pendant longtemps. Le processus est mystérieux. On ne sait jamais comment on en vient à écrire l’histoire après tant d’années.
Et ce qui l’a rendu complet, c’est que pendant le montage, on ne trouvait pas le début du film. Et soudain, avec le monteur, nous nous sommes réveillés un jour et j’ai dit : « J’ai une idée », et il avait exactement la même idée. Il commençait le film avec le personnage d’Emilia enceinte et cette image était si forte qu’elle allait influencer le reste du début du film parce que nous étions en train de planter le problème du film. Il s’agit de la grossesse, de la maternité, et d’une femme qui réprime peut-être ses désirs de maternité. C’est donc l’image qui a permis de mettre tout ça en place.
Emilia, je crois que c’est votre première production de long métrage. Que signifie pour vous être productrice d’un film et comment cette définition a-t-elle évolué au cours du processus ?
EMILIA CLARKE : Honnêtement, c’est quelque chose pour lequel j’ai la chance d’être créditée en tant que productrice, mais je voulais absolument jouer dans ce film et il fallait donc que le film existe pour que je puisse y jouer, c’est un peu comme ça. Donc j’ai en quelque sorte [came to have] ce rôle de producteur simplement parce que je voulais désespérément, désespérément travailler avec Sophie et faire ce film. J’ai une société de production et elle s’est en quelque sorte intégrée à ce film, ce qui est la meilleure chose au monde.
Et j’adore être producteur, mais ce sont des expériences comme celle-ci, [and] c’est tout le travail que je produis en ce moment, c’est toujours que j’ai un besoin de faire quelque chose et donc, faire partie du processus créatif devient alors la cerise sur le gâteau. Je trouve souvent, en tant qu’acteur, qu’il n’y a pas grand-chose à faire, même si on va me critiquer. Vous avez un peu l’impression d’arriver à la fin. J’étais tellement ennuyé, tellement frustré de rencontrer, lors de mon premier jour de tournage, tous ces gens qui travaillaient sur quelque chose depuis des années, et cela signifiait tellement pour eux, et le premier jour de tournage était un grand moment, et vous êtes là, à vous dire : » Vraiment ? Je ne fais que rattraper le temps perdu. C’est quoi ton nom ? Vous êtes juste en retard à la fête. Et donc, quand vous avez autant de peau dans le jeu et que vous produisez en même temps, cela devient un rôle plus épanouissant. Et avoir l’occasion de le faire avec Sophie a été une joie et un privilège, franchement.
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Ayant eu l’expérience de la production, c’est une formulation terrible, mais maintenant, lorsque vous vous lancez dans un projet où vous n’êtes « qu’un acteur », y a-t-il quelque chose que votre expérience de la production vous permet de faire afin que même si vous n’avez qu’un seul rôle, vous obteniez toujours l’expérience que vous voulez avoir d’une production ?
CLARKE : Cela fait probablement de moi un acteur vraiment frustrant, parce que j’arrive ensuite sur le plateau et je me dis : « Je vois ce qui se passe ici. Je lis entre les lignes. Je sais ce qui se passe vraiment », et il y a peut-être certains cas où les acteurs sont peut-être, en quelque sorte, parfois, un peu maternés. Peut-être, et infantilisés d’une certaine manière et protégés dans cette sorte d’altérité de ce qu’est leur rôle. Et je comprends tout à fait pourquoi ! Ne casse pas le truc qui doit être sur la caméra parce que tu l’as cassé et on doit arrêter de le filmer. Je comprends donc toutes ces raisons, mais lorsque vous avez l’œil du producteur, vous arrivez sur le plateau et vous vous dites : « Je n’ai pas besoin de ça. Je vois ce qui se passe. Vous pouvez me parler. Je comprends. C’est tout bon. Allons-y et faisons ça ». Ça devient donc une chose beaucoup plus pratique. Mais il y a aussi la joie de jouer dans un film, c’est un peu plus relaxant, je suppose.
Je vais continuer sur cette lancée et vous lancer ça, Rosalie. Quelqu’un a soulevé quelque chose de similaire pour moi récemment. Je crois qu’elle a dit que les acteurs sont souvent traités comme de délicates petites coquilles d’oeuf alors que parfois, on a juste besoin d’une note plus directe. Y a-t-il quelque chose que vous avez vécu en faisant Génération Pod qui vous a semblé être la note juste dont vous aviez besoin et qui a rendu quelque chose meilleur que si vous n’aviez pas reçu cette note du tout ?
CRAIG : Je pense que c’est toujours un privilège d’être sur le plateau avec le scénariste-réalisateur parce que vous pouvez collaborer d’une manière qui n’est pas possible si vous voulez changer quelque chose ou si vous improvisez une scène, par exemple, et qu’elle doit être approuvée et passer par des étapes. Je pense donc qu’en étant avec le véritable créateur et la personne qui a eu la vision du film et qui connaît les personnages mieux que nous, qu’est-ce qui pourrait être une mauvaise note ? Parce que vous ne pouvez pas dire « Je ne suis pas sûr », parce que ça vient d’ici ! Il a été fait ici, il a été imaginé il y a 13 ans alors qu’elle portait son premier enfant. Je n’ai donc aucune autonomie à cet égard.
BARTHES : Je pense que c’est une collaboration. Je pense qu’ils sont très humbles parce que… je pense que chaque acteur l’aborderait différemment. Donc c’est un dialogue. Ce n’est pas comme si j’imposais un personnage très rigide à un acteur, et je pense que Rosie avait des idées très spécifiques sur ce personnage qu’elle a apportées au processus créatif.
Quelle est, selon vous, la plus grande différence entre la version de Linda que vous imaginiez et celle que vous avez obtenue après que Rosalie ait obtenu le rôle ?
BARTHES : Je pense qu’elle l’a joué encore plus démente que ce que j’avais écrit. [Laughs] On ne peut pas l’arrêter. Elle se sentait presque comme Nicole Kidman dans le film To Die For de Gus Van Sant, où cette femme est implacable et rien ne peut l’arrêter. Quand [Rosalie] a commencé à agir comme ça, j’ai pu imaginer la dernière photo de Nicole Kidman sous la glace, quand vous êtes si heureux qu’elle ait été congelée, qu’elle soit morte et qu’elle ne revienne jamais. C’est ce genre de personnage, implacable et vraiment dingue. C’est ce qu’elle a apporté au personnage parce que je pense qu’il était plus satirique et un peu plus libre d’une certaine manière sur le papier.
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Je suis toujours obsédée par l’histoire des personnages quand je suis très investie dans un scénario. Emilia, quel genre de conversations avez-vous eues avec Chiwetel ou Sophie pour savoir comment ces personnages se sont trouvés et ce qu’ils ont vu l’un dans l’autre, alors que tant de qualités fondamentales et de croyances en eux sont si radicalement différentes dans leur façon de vivre leur vie et de voir la technologie ?
CLARKE : Je pense que pour Chiwetel et mes personnages, cela ressemblait beaucoup à une romance universitaire. Cela semble si mauvais, n’est-ce pas ? Non, mais comme ils n’auraient pas pu se trouver dans les mondes dans lesquels nous les trouvons actuellement. Je pense donc qu’ils ont dû se rencontrer quand ils étaient plus jeunes et plus ouverts sur qui ils étaient et dans quel genre de rôle ils allaient se retrouver. Et je pense que nous les rencontrons pour la première fois lorsqu’elles sont le plus éloignées l’une de l’autre. Et c’est la beauté de l’écriture de Sophie dans le film, c’est que toute l’histoire consiste à les réunir à nouveau. Chiwetel et moi n’en avons pas vraiment discuté, mais j’ai toujours pensé que l’endroit où ils se retrouvent à la fin est celui où ils étaient au début, et qu’ils ont en quelque sorte bouclé la boucle et sont revenus l’un vers l’autre.
Je veux un film préquel entier sur Linda – comment elle a été impliquée dans la société, comment elle a gravi les échelons. Avez-vous travaillé sur l’histoire de l’engagement d’une personne dans une telle entreprise ?
CRAIG : Je pense que quand Sophie dit « démente », c’est tout à fait exact. Mais elle m’a paru être une femme qui ne cherchait pas seulement à être dans un monde d’hommes, mais aussi à supprimer la possibilité pour les femmes de loger leurs propres enfants à ce niveau. Je pense qu’il y a probablement quelque chose de fondamental pour elle, peut-être qu’elle voulait vraiment des enfants elle-même et qu’elle s’est jetée dans ce monde où ce n’était pas disponible pour elle ou qu’elle est littéralement trop froide pour s’impliquer dans une relation… Je pense qu’une des choses que Sophie m’a dites m’a vraiment frappée lorsque nous étions en train de discuter après que j’ai eu la partie sur les femmes dans les grandes entreprises qui se voient offrir de l’argent pour congeler leurs œufs ou peut-être pour avorter, et quel genre de personne cela serait et le fait que cela serait enveloppé dans un joli petit arc appelé une promotion. Et je pense qu’il n’est pas nécessaire de chercher bien loin pour se rendre compte de ce que quelqu’un pourrait être psychologiquement fait pour offrir aux gens cette solution comme étant la meilleure pour leur vie.
Pensez-vous que si elle avait l’opportunité d’utiliser une capsule, elle la prendrait ?
CRAIG : Je ne pense pas qu’elle renoncerait à un module parce qu’elle voudrait l’argent pour le louer. [Laughter] Je pense qu’elle dirait : « Non, parce que quelqu’un d’autre doit l’utiliser pour le payer », tu vois ? Je ne pense pas qu’elle s’approcherait d’un bébé. Je ne pense même pas qu’elle aime les enfants ou les bébés. Je pense qu’elle voit tout simplement que vous louez un espace. Il ne vous appartient pas. Il lui appartient.
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Je dois parler un peu de la conception de la production. C’est incroyable de fond en comble, mais l’une des choses que j’ai préférées dans la projection d’hier soir, c’est la réaction à chaque fois que l’IA thérapeute apparaissait à l’écran. Quelle a été l’évolution de l’apparence de cette IA particulière ? A-t-elle toujours ressemblé à ce que nous voyons dans le film fini ou a-t-elle commencé à un endroit différent ?
BARTHES : J’ai toujours voulu avoir un œil et puis, comme le film essayait de mélanger la biophilie, qui est quelque chose qui se passe dans les villes maintenant parce que nous nous sommes tellement éloignés de la nature et maintenant nous apportons la nature dans les villes, donc vous voyez des murs biophiles dans beaucoup de cafés. C’est la nouvelle tendance. L’idée était donc de mélanger l’organique et le numérique, ce qui est très déroutant pour l’être humain, qui ne sait plus où il en est. Je pense qu’à l’avenir, ce sera probablement comme ça. Nous voulons avoir une référence pour savoir si la machine en face de nous est à moitié organique, à 80% organique, et ce qui est numérique, et c’est l’ère de la confusion. Et je pense que si je devais donner un nouveau titre au film, je pourrais l’intituler « L’ère de la confusion », car on ne sait plus ce qu’on a devant soi. On pourrait plaisanter sur le fait que l’intelligence artificielle en ce moment, la façon dont Eliza fonctionne, c’est un peu de l’idiotie artificielle parce qu’elle tourne en rond et qu’elle n’est pas très intelligente émotionnellement, Mais un jour ils vont comprendre. Donc, esthétiquement, pour moi, la science-fiction doit être très organique pour que nous y croyions, qu’elle nous séduise et que nous tombions dans le panneau. Et je pense que nous tomberions tous dans le panneau.
Je pense à ça tout le temps. Quand je regarde des films comme celui-ci, il peut être si clair qu’une certaine chose est mauvaise ou n’est pas la bonne voie à suivre, mais en tant que personne qui aime vraiment la technologie et qui en voit le développement, je sais que je me laisserais prendre à certaines choses que je ne devrais peut-être pas.
BARTHE : Nous sommes câblés pour cela d’une manière étrange. Nous créons ces choses. Mais maintenant nous devenons esclaves des choses que nous créons, donc c’est complexe.
CRAIG : Andrij [Parekh] qui est l’incroyable directeur de la photographie et le mari de Sophie, a dit quelque chose de tellement brillant hier soir, je me suis assis avec ça, le fait que nous avons une relation avec notre technologie où nous la touchons et c’est une chose basée sur les sens. J’ai compris que nous touchons peut-être plus nos appareils que les humains, car nous sommes toujours en train de faire défiler les pages. C’est assez terrifiant que nous puissions être plus intimes avec ça.
Peut-être les humains, mais pas mon chat. Je touche définitivement plus mon chat que mes appareils. Très bonne utilisation du chat dans ce film, d’ailleurs.
CLARKE : C’est un chat français célèbre !
BARTHES : C’est le meilleur chat acteur de France.
Est-ce qu’il a un nom ?
CLARKE : Il s’appelle Gaspar.
Nous savons tous ce que je vais googler quand nous aurons fini cette interview.
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Ça peut paraître idiot, mais c’est très important pour la physicalité de votre personnage. Comment se sentait la capsule ? Était-elle lourde, de quelle texture était-elle ?
CLARKE : C’était charmant. C’était vraiment charmant. C’était très joli. C’était très léger, évidemment parce qu’il n’y avait pas vraiment de bébé dedans. Sophie a dû nous rappeler, à Chiwetel et à moi, qu’au fur et à mesure que le bébé grandissait à l’intérieur, il devenait un peu lourd. Et donc au début, c’était genre, ‘Oh oui, voilà. On va juste le passer ici et tout ça », et c’est comme, non, en fait, il a cinq, six mois maintenant, donc il est assez lourd. J’essaie de savoir où nous en sommes dans l’histoire et quel est le poids de cet œuf, mais la comédie se joue toute seule avec cet accessoire. Tout ce que vous faites avec cet œuf est drôle, surtout le fait de trébucher et de tomber.
Je peux confirmer qu’il y a un rire particulier avec la cosse dans ce film qui est si bien fait que j’ai failli ne pas m’en remettre.
Nous avons la capsule et nous avons le thérapeute IA, mais il y a aussi beaucoup de petits éléments de construction du monde. Y a-t-il une chose en particulier qui ne passe pas beaucoup à l’écran que vous avez vraiment aimé créer et que vous espérez que les gens remarqueront ?
BARTHES : J’adore les petits assistants cognitifs. Ils sont censés être presque comme des petits animaux de compagnie pour lesquels on commence à avoir de l’affection, mais ils sont en même temps extrêmement ennuyeux parce qu’ils essaient d’apprendre de l’humain et qu’ils essaient de le remplacer à un moment donné. Mais j’aime vraiment leur côté tactile. Je pense que tout ce qui a un œil est très intéressant à regarder.
Toute IA ressemblant à un animal de compagnie est ce qui me ferait craquer.
Vous avez maintenant créé un utérus portable, vous avez transféré des âmes. Y a-t-il un autre élément de l’expérience humaine que vous aimeriez explorer à travers une sorte de mélange de technologies futuristes ?
BARTHES : Je pense que je suis obsédé par cette idée de la marchandisation de tout, que l’Amérique est un endroit incroyablement inventif, mais c’est aussi un endroit où tout est à vendre. Tout ! Et je le ressens. Et ce n’est pas parce que c’est l’Amérique. Je pense que c’est le modèle capitaliste qui est arrivé à un tel degré de raffinement qu’il n’y a plus de limites pour vendre quoi que ce soit. C’est inquiétant, mais je pense aussi que nous devons en parler. Il faut se poser des questions comme : jusqu’où pouvons-nous aller ? Tout doit-il être une marchandise ?
Et aussi, je veux dire, c’est un peu tiré par les cheveux mais je pense aussi que le film est une allégorie de l’industrie cinématographique où les films sont devenus des marchandises. Lorsque vous essayez d’obtenir un financement, et nous avons eu beaucoup de mal à monter ce film, mais vous avez parfois l’impression que le film n’est qu’une petite gêne et une marchandise où les fonds spéculatifs et les financiers essaient de parier sur les films, mais c’est une forme d’art et tous les films n’ont pas besoin d’être un gros succès au box-office pour être un film réussi.
Mais je pense que pour moi, l’oeuf est une allégorie de beaucoup de choses. Ce n’est pas seulement l’oeuf et le bébé. Ça pourrait être un film, ça pourrait être le fait qu’en tant qu’artistes, nous avons besoin de commercialiser notre travail. Et parfois, quand on regarde l’histoire du cinéma, Luis Buñuel, qui est l’un des cinéastes les plus incroyables, ne faisait pas de succès au box-office, mais aujourd’hui il ne ferait presque plus de films parce que l’industrie est devenue très marchande. Et c’est vraiment triste pour l’âme humaine et pour le développement du cinéma, car il n’y a pas beaucoup de place pour les films qui sont des efforts artistiques. Il s’agit plutôt de savoir s’ils ont un potentiel commercial. Et cela s’applique à beaucoup d’autres secteurs de l’activité humaine. L’art moderne, l’art contemporain est aussi devenu complètement marchandisé. Si je décide que cette bouteille coûte 10 millions de dollars et qu’Emilia la signe, alors elle vaudra 10 millions de dollars. C’est absurde.
CLARKE : Cela le ferait baisser.
Pouvez-vous en signer quelques-uns et je les emporterai avec moi ?
CRAIG : Si tu fais ça, elles sont à moi !
Nous remercions tout spécialement nos partenaires de 2023 à Sundance, notamment le partenaire présentateur Saratoga Spring Water et les partenaires de soutien Marbl Toronto, EMFACE, Sommsation, Hendrick’s Gin, Stella Artois, mou, et le véhicule tout électrique Fisker Ocean.
