Le genre western est souvent considéré comme excitant, héroïque et plein d’action. Il peut y avoir une grande quantité de drame et de conflit dans un western moyen, mais de nombreux films du genre (en particulier les plus anciens) voient le bien triompher sans ambiguïté sur le mal. C’est pourquoi les westerns sont typiquement édifiants, voire inspirants, avec des épreuves surmontées et des victoires remportées.

Mais comme tout genre, toutes les histoires racontées dans le cadre d’un western ne se terminent pas de manière heureuse. De nombreux westerns parviennent à donner une impression de tristesse, soit parce qu’ils soumettent leurs personnages à une grande misère, soit parce que les choses se terminent de manière tragique pour des personnages que le public a appris à aimer. Les westerns suivants sont particulièrement tristes et devraient s’avérer des expériences visuelles fortes pour ceux qui aiment que leurs westerns soient empreints d’une forte charge émotionnelle.

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10 « Unforgiven » (1992)

Image via Warner Bros.

Clint Eastwood a joué dans de nombreux grands films et en a réalisé un grand nombre, dont un grand nombre dans le genre du western. Cependant, ce qui est sans doute son meilleur western est aussi son plus puissant, car Unforgiven prend une histoire de western standard sur la vengeance, les chasseurs de primes et la lutte contre la corruption et la rend considérablement plus réaliste et moins optimiste que la majorité des westerns.

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Il s’agit d’une réflexion sur le genre du western dans son ensemble et d’un moyen pour Eastwood de revisiter le genre qui a fait de lui une légende, mais d’un point de vue plus âgé et plus sage. C’est un film brutalement réaliste par moments, et bien qu’il ne soit pas entièrement rempli de désespoir du début à la fin, il vous donne immédiatement l’impression que ce ne sera pas un western qui se terminera par le départ de tous les personnages vers le coucher du soleil.

9 « Duck, You Sucker » (1971)

On peut affirmer qu’aucun cinéaste n’a maîtrisé le genre du western aussi bien que Sergio Leone. Il est à l’origine de l’emblématique trilogie des Dollars (1964-1966), d’Il était une fois dans l’Ouest (1968) et a offert au monde son avant-dernier film – et son dernier western – en 1971 avec Duck, You Sucker.

Ce film suit deux personnages plus grands que nature qui se retrouvent mêlés à la révolution mexicaine des années 1910, sur un ton d’abord un peu comique, puis de plus en plus sombre au fil du film. Les premiers westerns de Leone n’étaient pas toujours heureux, mais aucun ne s’est avéré aussi tragique ou sombre que Duck, You Sucker, ce qui en fait un adieu puissant – et criminellement sous-estimé – au genre de la part du grand cinéaste italien.

8 « L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford » (2007)

Bien qu’il soit long, le titre de L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford vous permet de savoir à l’avance ce qui vous attend. Les deux premiers tiers du film environ sont consacrés à la construction de la trahison et du meurtre dramatiques évoqués dans le titre, tandis que le troisième et dernier acte du film en étudie les conséquences et montre comment le choix de Ford a affecté le reste de sa vie.

Naturellement, les deux premières heures de ce film de 160 minutes sont empreintes d’un sentiment d’effroi, et tout ce qui suit l’événement titré s’avère assez misérable. Ce n’est certainement pas un western amusant, mais il est très captivant et donne à réfléchir, avec des performances, une musique et des images remarquables.

7 « Hell or High Water » (2016)

Image via Lionsgate

Hell or High Water est un western moderne, qui évite certains aspects classiques du genre, comme les cow-boys, les saloons à l’ancienne et les duels. Il s’agit plutôt d’un film policier, qui suit deux frères qui braquent une série de banques pour sauver le ranch familial, tout en étant constamment poursuivis par un duo de Texas Rangers.

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La tension et le réalisme sont au rendez-vous tout au long du film (aussi réaliste que peuvent l’être les films de braquage) et le film n’a pas peur de montrer les conséquences d’une vie criminelle ou d’une implication dans un domaine risqué de l’application de la loi. C’est un film émouvant et passionnant dans tous les sens du terme, indispensable pour tous les fans de western qui ne craignent pas les films qui font battre leur cœur.

6 « 3:10 to Yuma » (2007)

Bien que le film 3:10 to Yuma de 2007 soit un remake du film du même nom de 1957, il change beaucoup de choses au niveau de l’intrigue (et certainement de la fin). L’original est un western solide, attachant et assez fiable, tandis que la version de 2007 rend les choses plus brutales, viscérales et parfois déchirantes.

Certes, l’idée principale reste la même dans les deux versions, à savoir qu’un homme transporte un dangereux criminel jusqu’au train de 3h10 pour Yuma. La version de 2007 insère un peu plus d’action et de tension dans les débats et n’a pas peur de faire mourir de nombreux personnages tout au long de l’histoire, ce qui rend le film plus émouvant que la version de 1957.

5 « Les frères Sisters » (2018)

La chose la plus drôle dans The Sisters Brothers est son titre, et le reste du film est plutôt morose. Il suit Eli et Charlie Sisters, deux célèbres assassins chargés de capturer un prospecteur d’or prometteur lors de son voyage en Californie, car leur employeur veut utiliser ce prospecteur d’or pour son propre compte.

Tout au long de leur périple, les personnages-titres sont soumis à toutes sortes de malheurs et d’événements malchanceux, ce qui fait de ce western un film dont la prémisse semble simple, mais qui devient de plus en plus complexe au fur et à mesure que le film avance. Le film est sombre et un peu misérable, ce qui est inhabituel pour un western – même pour un western qui se veut une déconstruction du genre – mais qui le fait sortir du lot.

4 « Heaven’s Gate » (1980)

Heaven’s Gate est un western épique réputé pour avoir coûté beaucoup d’argent et n’en avoir rapporté que très peu. La production de ce film a été tristement célèbre et la plupart des critiques l’ont jugé négativement à sa sortie… bien qu’il s’agisse d’un film impressionnant et loin d’être aussi mauvais que sa réputation le laisse supposer.

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Le film suit de nombreux personnages qui sont tous impliqués dans un violent conflit entre de riches éleveurs de bétail et les immigrés qu’ils emploient. C’est un film sur la lutte des classes qui est à la fois violent et tragique. C’est un film assez brutal et sans complaisance par moments, mais il laisse un impact suffisamment durable pour que les mauvaises critiques initiales qu’il a reçues semblent assez injustes.

3 « Le grand silence » (1968)

Image via 20th Century Fox

Le principal enseignement que l’on peut tirer du Grand Silence est que la vie dans le vieil Ouest était injuste, brutale et ne ressemblait pas à ce que l’on voit souvent dans les westerns hollywoodiens classiques. Ce western spaghetti est l’un des meilleurs de son sous-genre et se concentre sur un pistolero solitaire et muet qui tente de défendre un groupe de hors-la-loi contre une bande de chasseurs de primes particulièrement vicieux.

Grâce à son ton sombre, à sa musique obsédante et à son décor enneigé, ce film se démarque de presque tous les autres westerns. Il est sans aucun doute unique en son genre et dégage une atmosphère générale sombre et omniprésente, aussi froide que les conditions météorologiques observées tout au long du film. Ce n’est peut-être pas un film amusant ou excitant, mais il est tendu, émotionnel et inoubliable.

2 « Pat Garrett &amp ; Billy the Kid » (1973)

Plusieurs années après avoir réalisé le classique The Wild Bunch en 1969, Sam Peckinpah a réalisé un autre western qui visait à déconstruire certains des tropes les plus familiers. Il s’agit de Pat Garrett et Billy the Kid, dont l’intrigue est centrée sur le premier personnage, chargé de traquer le second, alors qu’ils se considéraient comme des amis.

C’est une vision violente et triste du genre western qui ressemble à un adieu un peu amer à ses premiers jours, plus simples. Le film bénéficie également de la musique de Bob Dylan, dont la chanson « Knockin’ on Heaven’s Door », qui apparaît également dans le film dans un rôle secondaire.

1 « The Proposition » (2005)

Image via First Look International

The Proposition, l’un des meilleurs films australiens du 21e siècle, est un western brutal et dur sur le crime, la vengeance et la fraternité. Il met en scène un homme à qui l’on fait chanter pour qu’il retrouve et tue son frère aîné – qui vient d’être condamné pour un acte criminel odieux – en lui disant que son jeune frère sera pendu si son frère aîné n’est pas traduit en justice.

Dès le départ, il est difficile de voir comment un film comme The Proposition pourrait se terminer bien pour toutes les personnes impliquées, et les événements se déroulent avec une certaine dose de réalisme désespéré et de tragédie. Sa violence et son manque d’émotions agréables font qu’il n’est pas destiné à tout le monde, mais il est très bien fait et représente le cinéma australien dans ce qu’il a de meilleur.

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La première image du prochain film Freud’s Last Session vient d’être dévoilée. On y voit le légendaire acteur Anthony Hopkins dans son nouveau rôle, celui du psychanalyste Sigmund Freud, ainsi que son partenaire Matthew Goode, dans le rôle de l’écrivain C.S. Lewis. Collider a rapporté pour la première fois la participation de Hopkins au projet l’année dernière. Le film est actuellement en phase finale de tournage en Irlande. Aucune date de sortie officielle n’a encore été fixée pour le film.

Freud’s Last Session racontera l’histoire de l’improbable rencontre entre le légendaire psychanalyste et athée Sigmund Freud (célèbre pour son complexe d’Œdipe, son surmoi et son ça) et l’écrivain chrétien C.S. Lewis, peut-être plus connu pour Les Chroniques de Narnia. Le film, qui se déroule juste avant le début de la Seconde Guerre mondiale, tournera autour de la rencontre improbable mais profonde de ces deux hommes. Le film montrera les deux hommes en train de débattre de l’existence de Dieu. Le film n’est pas basé sur une rencontre réelle entre les deux opposants, mais plutôt sur une pièce de théâtre Off-Broadway, qui a réuni leurs philosophies opposées dans une intersection hypothétique. Le prochain film explorera également la vie personnelle de Lewis et de Freud, en particulier la relation de Freud avec sa fille, Anna, et la relation de Lewis avec la mère de son meilleur ami.

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La nouvelle image montre les deux acteurs principaux debout ensemble dans une pièce sombre, qui semble être le bureau de Freud. Hopkins porte les lunettes à monture épaisse, le gilet et la chaîne de montre à gousset caractéristiques de Freud. Goode est représenté sous les traits du jeune Lewis. Ils se tiennent de part et d’autre d’un bureau et touchent tous deux une boîte. Le contenu de cette boîte est actuellement inconnu, mais l’image suggère une intersection entre ces deux personnes disparates. L’image met également en valeur les performances des deux acteurs principaux. Bien que le film s’intitule Freud’s Last Session, rien ne semble pouvoir arrêter la carrière de Hopkins, très occupée ces derniers temps. En effet, la production d’un autre projet de Hopkins, Those About to Die, vient de commencer.

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Qui d’autre joue dans La dernière séance de Freud ?

Le prochain film est réalisé par Matthew Brown, qui a déjà travaillé sur le film L’homme qui savait l’infini. Le film a été écrit par Mark St. Germain, d’après sa propre pièce de théâtre du même nom. Outre Goode et Hopkins, le film met en scène Jodi Balfour, Stephen Campbell Moore, Jeremy Northam et Orla Brady. Sony Pictures Classics a acquis tous les droits pour le film en Amérique du Nord. Aucune date de sortie n’a encore été fixée pour le film.

Image via Westend Films

Woody Harrelson et Justin Theroux sont prêts à s’impliquer dans la même controverse que celle qu’ils tentent d’éviter. En effet, HBO a publié une nouvelle affiche pour leur prochaine mini-série, White House Plumbers (Plombiers de la Maison Blanche). La série raconte l’histoire de E. Howard Hunt (Harrelson) et G. Gordon Liddy (Justin Theroux), les agents politiques chargés de garder à huis clos toutes les informations relatives à l’incident du Watergate. En gardant les secrets de Nixon, ils se rapprochent trop de l’affaire et n’ont aucun moyen de se sortir du pétrin pour lequel ils ont été engagés.

Le fait que White House Plumbers soit produite par les auteurs de Succession et Veep devrait suffire à susciter l’enthousiasme pour cette mini-série, qui abordera l’un des scandales politiques les plus marquants de l’histoire des États-Unis. Une bande-annonce de la série a récemment été diffusée, et elle présente très bien Hunt et Liddy lors du briefing de leur prochaine mission : Faire en sorte que Nixon soit réélu à tout prix à la présidence des États-Unis. Les deux hommes sont manifestement nerveux, car ils ne savent pas s’ils seront en mesure de mener à bien leur mission.

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Harrelson et Theroux seront rejoints par un casting très spécial, puisque la mini-série comprendra également des performances de Domhnall Gleeson et Lena Headey. Gleeson a récemment joué dans The Patient, où il incarne un tueur en série qui travaille également comme inspecteur de restaurant. Son personnage kidnappe un thérapeute joué par Steve Carell jusqu’à ce qu’il puisse être guéri de ses pulsions violentes. Par ailleurs, Headey a eu un petit rôle vocal dans DC League of Super-Pets de l’année dernière, en jouant le rôle de la mère de Superman. Cette comédie familiale montre que même les animaux de la Ligue des Justiciers peuvent sauver le monde de temps en temps.

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Harrelson a récemment rejoint le club des  » Five-Timers  » du Saturday Night Live

Woody Harrelson n’est pas étranger à l’animation de l’une des émissions de télévision les plus populaires de la planète, Saturday Night Live. En fait, il l’a fait si souvent qu’il a officiellement rejoint un groupe de très rares personnes qui ont animé cette émission cinq fois ou plus. Lors d’une récente interview avec Collider, l’acteur a parlé de ce qu’il ressentait à propos de la performance qui lui a permis de battre le record : « Cela signifie-t-il une fois de plus que la dernière fois ? Non, non, c’est très excitant. Je dois dire que j’essaie de ne pas y penser parce que je suis nerveux, car c’est en direct. Cela me rend nerveuse, en particulier le monologue. Pour l’instant, tout ce que cela signifie, c’est de la nervosité, mais à la fin de la nuit, samedi soir, le 25, je pense que cela signifiera un certain bonheur. »

En attendant plus de bandes-annonces et de nouvelles sur White House Plumbers, voici tout ce que nous savons sur la minisérie comique à venir. Vous pouvez découvrir la nouvelle affiche de White House Plumbers ci-dessous, avant la première de la mini-série sur HBO le 1er mai :

Souvent qualifiée de « plaisir coupable », la téléréalité permet aux téléspectateurs de se détendre. Ces séries sont souvent purement divertissantes et, contrairement aux émissions de fiction épisodiques ou aux documentaires, elles ne requièrent pas l’investissement du téléspectateur. Cela ne veut pas dire que les téléspectateurs ne sont pas engagés, qu’ils n’encouragent pas leur candidat favori à gagner ou qu’ils n’imitent pas les choix de vie des stars de la téléréalité.

Les téléspectateurs de téléréalité sont de solides juges de caractère lorsqu’ils décident si une série va durer ou non, et ces séries ont résisté à l’épreuve du temps : certaines ont donné lieu à des spinoffs ou à des séries secondaires. Qu’il s’agisse de survie, de compétition, de mode de vie festif ou de tout ce qui se trouve entre les deux, il y a une série de télé-réalité pour chacun. Voici les meilleures séries de télé-réalité de tous les temps, en fonction de leur valeur divertissante, de leur impact culturel ou d’une combinaison de ces atouts.

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15 « The Great British Bake Off » (2010-)

Image via Netflix

Aucune série de téléréalité ne suscite autant l’envie de sucreries qu’un voyage à l’intérieur de la tente blanche pour The Great British Bake Off. Également appelée The Great British Baking Show par les téléspectateurs de Netflix, cette série de compétition met en scène 12 boulangers amateurs qui doivent relever une série de défis hebdomadaires dans l’espoir de devenir le meilleur boulanger amateur du Royaume-Uni.

RELATED : D’où connaissez-vous la nouvelle animatrice de The Great British Bake Off, Alison Hammond ? Actuellement jugés par Paul Hollywood et Prue Leith, tous deux experts en cuisine et en pâtisserie artisanale, les pâtissiers sont mis à l’épreuve avec une pâtisserie signature qui démontre leur talent de pâtissier, une pâtisserie technique où ils doivent tous suivre la même recette, et une pâtisserie spectacle qui met en avant des présentations élaborées et créatives.

14 « 90 Day Fiancé » (2014-)

Testant les limites de l’amour, 90 Day Fiancé met en scène des couples qui s’engagent dans une procédure de visa de fiançailles de 90 jours aux États-Unis. Se rencontrant souvent sur Internet ou lors de vacances épiques à l’étranger, un Américain et son partenaire international se fiancent et entament le processus de retrouvailles aux États-Unis dans l’espoir de se marier au bout de trois mois.

Au cours des neuf saisons, les couples se marient, se séparent ou restent ensemble après les noces. Cette série extrêmement populaire a donné lieu à des séries dérivées à deux chiffres comme 90 Day Fiancé : Avant les 90 jours, 90 Day Fiancé : Happily Ever After ? et 90 Day Fiancé : La vie de célibataire.

13 « Shark Tank » (2009-)

Pour un téléspectateur qui ne regarde pas la télé-réalité, cela peut sembler être une série sur la nature, mais pour les fanatiques de télé-réalité, Shark Tank est l’une des meilleures séries de tous les temps. Les candidats sont des entrepreneurs passionnés qui présentent des opportunités d’investissement à une salle composée de certains des investisseurs les plus riches et les plus prospères, tels que Mark Cuban et Barbara Corcoran.

Les « Sharks », comme Cuban et Corcoran, se succèdent tout au long des saisons et des « Sharks » invités font leur apparition. Des marques à succès comme Bombas et Scrub Daddy ont vu leurs propriétaires recevoir des offres de la part d’investisseurs présentés dans la série d’ABC.

12 La franchise « Real Housewives » (2006-)

Ce qui a commencé dans le comté d’Orange, en Californie, s’est transformé en un phénomène national de télé-réalité. La série The Real Housewives of Orange County a été diffusée de 2006 à 2022. Elle mettait en scène la vie quotidienne et les drames de cinq femmes au foyer et de leurs familles vivant dans les communautés planifiées les plus riches des États-Unis.

Depuis sa création, la franchise a donné naissance à des personnages audacieux dans plusieurs grandes villes comme New York City, Atlanta, New Jersey, Beverly Hills et bien d’autres. Les femmes de cette franchise sont féroces et ont des opinions bien arrêtées, ce qui leur permet d’offrir un divertissement dramatique au public du monde entier.

11 « Hell’s Kitchen » (2005-)

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Gordon Ramsay, chef cuisinier de renommée mondiale, ne fait que hacher les ingrédients, pas les mots, et fait les beaux jours de la télé-réalité depuis des décennies. Hell’s Kitchen met en scène des aspirants cuisiniers qui s’affrontent dans divers défis culinaires intenses, réduisant ainsi le nombre de concurrents à un seul gagnant.

Inspirant la chaîne de restaurants de Ramsay, Hell’s Kitchen a diverti les téléspectateurs pendant des décennies grâce à l’humour explosif de Ramsay, dramatisé dans le cadre d’une émission de télé-réalité. La version américaine a été diffusée sur Fox et est entrée dans sa 21e année fin 2022-début 2023.

10 « The Voice » (2011-)

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À la fois chant et compétition, The Voice met en scène quatre musiciens en tête des hit-parades à la recherche des meilleures voix du pays. Lors d’une audition à l’aveugle, chaque coach fait face au chanteur qui auditionne et doit se baser uniquement sur le son de la voix pour décider de faire tourner le fauteuil. Si plusieurs chaises tournent, le candidat choisit l’artiste célèbre qu’il aimerait avoir comme coach.

Des stars de la musique comme Adam Levine, Blake Shelton, Alicia Keys, Miley Cyrus et bien d’autres ont fait tourner les fauteuils au fil des saisons. The Voice est une série de concours récompensée par un Emmy Award qui a changé la donne en matière de concours de chant.

9 « Top Chef » (2006-)

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Diffusée depuis deux décennies, cette série de compétition culinaire est une véritable référence en matière de téléréalité. En préparant des plats savoureux et appétissants, 15 des meilleurs aspirants cuisiniers s’affrontent pour le titre de Top Chef, avec des candidats (parfois plus d’un) éliminés chaque semaine. Un panel d’experts en gastronomie et en vin juge les candidats et leurs plats.

Padma Lakshmi a présenté Top Chef presque tout au long de la série, et le juge en chef Tom Colicchio en a été l’un des piliers dès le début. Comme toute série de télé-réalité à succès, ce concours de cuisine a donné lieu à de nombreux produits dérivés tels que Top Chef Jr. et Top Chef Masters.

8 « The Real World » (1992-)

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The Real World, l’une des séries les plus anciennes de MTV, reste une série de télé-réalité fondamentale. Mettant en scène une combinaison de personnalités, sept ou huit jeunes adultes sont filmés 24 heures sur 24, 7 jours sur 7, alors qu’ils emménagent dans une maison temporaire dans une nouvelle ville. Tout comme elle s’est inspirée de séries telles que Beverly Hills, 90210 et Melrose Place, The Real World a inspiré des séries de MTV telles que The Challenge, qui est toujours diffusée aujourd’hui.

The Real World a été diffusée sur MTV de 1992 à 2017. La série emblématique a pris un virage sur Facebook Watch en 2019 et est actuellement en développement chez Paramout+. The Real World a été saluée à l’époque pour avoir capturé les acteurs alors qu’ils étaient confrontés à des croyances différentes parmi les colocataires et pour avoir dépeint une expérience authentique de jeune adulte.

7 « Project Runway » (2004-)

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En plaçant la mode au premier plan de la télé-réalité, cette série a permis à des créateurs de mode comme Christian Siriano et Leanne Marshall de mener des carrières remarquables. Project Runway met en scène des stylistes et des designers amateurs qui s’affrontent dans divers défis pour créer des pièces étonnantes. Chaque semaine, un designer est éliminé par un panel de juges.

Parmi les juges de longue date de la série figurent Heidi Klum, Nina Garcia, Tim Gunn et Michael Kors. Le prix à gagner a évolué au cours des décennies de diffusion, mais les gagnants de Project Runway recherchent un prix en espèces pour les aider à lancer leur propre ligne de mode et à percer dans l’industrie.

6 « The Bachelor » (2002-) &amp ; « The Bachelorette » (2003-)

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Les émissions de télé-réalité, le Bachelor et la Bachelorette, sont peut-être d’un goût douteux pour les non-initiés, mais les potins sont très intéressants pour ceux qui font partie de la « Bachelor Nation ». Le Bachelor, l’émission de télé-réalité la plus célèbre d’ABC, met en scène un homme célibataire qui fréquente plusieurs femmes pendant plusieurs semaines dans l’espoir de mettre un genou à terre à la fin de l’émission et de trouver sa femme. Le même concept s’applique à la femme principale de l’émission The Bachelorette.

Presque aucune relation ne dure, et seuls quelques mariages ont eu lieu et durent encore. Au cours des 27 saisons de The Bachelor et des 19 saisons de The Bachelorette, les deux séries de rencontres ont connu leur lot de controverses, allant de nombreux scandales à un manque de diversité. Bien qu’il s’agisse d’un type de série très « à quoi bon ? » avec son palmarès de relations réussies, ses fans fidèles lui ont permis de rester un pilier de la télé-réalité américaine.

5 « American Idol » (2002-)

Bien que la série ait évolué au cours des décennies qui ont suivi sa première, American Idol reste l’une des séries de concours de chant les plus novatrices et les plus influentes de l’histoire de la télé-réalité. Fidèlement animée par Ryan Seacrest depuis toutes ces années, la série a débuté avec trois juges : Randy Jackson, Simon Cowell et Paula Abdul.

Parmi les anciens gagnants, on trouve des icônes de la musique comme Kelly Clarkson et Carrie Underwood. Au fil des saisons, les juges ont changé, mais la popularité de la série ne se dément pas.

4 « RuPaul’s Drag Race » (2009-)

Des personnalités audacieuses et brillantes donnent vie à cette série de téléréalité emblématique et colorée. RuPaul’s Drag Race rassemble un groupe de drag queens talentueuses qui s’affrontent dans divers défis tels que des défilés, des défilés de mode et des batailles de lip-sync dans l’espoir de gagner un prix en espèces et le titre de « America’s Next Drag Superstar » (prochaine superstar de la drague en Amérique).

RELATED : Chaque franchise de RuPaul’s Drag Race classée, selon IMDBSous la houlette du célèbre RuPaul, cette série a remporté 26 Emmys au cours de son existence. Bien qu’elle ait changé de chaîne au cours de sa diffusion, RuPaul’s Drag Race reste un incontournable de la téléréalité de compétition.

3 « Big Brother » (2000-)

Big Brother est une autre série au concept simple qui reste à l’antenne deux décennies plus tard. La série se résume à un groupe de personnes, dont les personnalités s’opposent constamment, vivant sous un même toit, sauf que ce toit est équipé de 94 caméras HD et de 113 microphones qui enregistrent leurs moindres mouvements à chaque instant.

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Le seul objectif est de ne pas se faire expulser par le vote du public et de rester la dernière personne debout pour gagner 500 000 dollars. Complètement coupés du monde extérieur, les candidats sont enregistrés 24 heures sur 24 et 7 jours sur 7. Le titre de la série s’inspire du classique de George Orwell, Nineteen Eighty-Four (Dix-huit Quatre-vingt-quatre).

2 « The Amazing Race » (2001-)

The Amazing Race, l’une des meilleures séries de téléréalité de la télévision de réseau, résiste toujours à l’épreuve du temps. Dans cette série, des équipes de candidats parcourent le monde vers des destinations épiques dans une course pour gagner 1 000 000 $. Les équipes disposent d’un budget limité et doivent être les premières à atteindre la destination finale pour recevoir leur prix.

Comme beaucoup de grands noms de la télé-réalité, The Amazing Race a conservé un animateur fidèle au cours de ses 34 saisons, Phil Keoghan. La série de CBS, récompensée par un Emmy, rappelle aux téléspectateurs en streaming que la télévision de réseau peut encore se montrer à la hauteur lorsqu’il s’agit de programmes de télé-réalité.

1 « Survivor » (2000-)

Diffusée depuis plus de vingt ans, Survivor reste sans doute la meilleure série de télé-réalité de l’histoire de la télévision de réseau. Jeff Probst a fidèlement animé la série pendant les 44 saisons. À la croisée de la télé-réalité, des jeux télévisés et de la survie, Survivor met en scène un groupe de candidats envoyés sur une île tropicale où ils doivent s’affronter pour remporter le prix ultime d’un million de dollars. Chaque semaine, les candidats votent pour se décider et s’éliminer l’un après l’autre de l’île.

Bien équilibrée, la série de téléréalité propose des défis qui mettent à l’épreuve les limites physiques et la force mentale des candidats à l’aide de diverses énigmes et défis de réflexion. Lorsqu’ils ne participent pas aux jeux, les participants s’efforcent de se nourrir, de faire du feu et de s’abriter. Survivor, qui a été diffusée sur CBS pendant toutes ces années, est largement reconnue comme le chef de file de la télé-réalité.

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Lors de la Star Wars Celebration Europe ce week-end, les fans ont eu droit à une bande-annonce exclusive pour la prochaine série, The Acolyte, qui emmènera la franchise loin dans le passé alors que les histoires s’étendent au-delà de la Saga Skywalker. Elle se déroulera 100 ans avant les événements des préquelles de George Lucas, qui ont commencé avec La Menace fantôme, et se basera sur une époque connue sous le nom de Haute République, qui a été bien documentée dans diverses formes de médias élargis de Star Wars au fil des ans.

La série est composée d’un ensemble d’acteurs, dont plusieurs des stars les plus brillantes de cette génération, y compris Jodie Turner-Smith, et sera centrée sur une ancienne Padawan qui retrouve son Maître Jedi pour enquêter sur une série de crimes. Après avoir révélé à Collider que son personnage n’était pas un Jedi, Jodie Turner-Smith s’est exprimée plus en détail sur son personnage, qu’elle a décrit comme un « leader très puissant », lors d’une rencontre avec le rédacteur en chef de Collider, Steve Weintraub, à l’occasion d’un événement organisé à Londres :

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« Oh, vous savez ce que j’ai le droit de dire ? Devinez ce que j’ai le droit de dire ? Que je suis très puissant. J’utilise la Force, mais je ne suis pas un Jedi ou un Sith […] Faites ce que vous voulez de cette information ».

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RELIEF : L’Acolyte confirme la présence de Rebecca Henderson dans le rôle de Vernestra Rwoh dans la série Star Wars.

Turner-Smith a également fait l’éloge de ses collaborateurs sur le projet, en mettant l’accent sur la showrunner Leslye Headland et la productrice Rayne Roberts, tout en parlant de sa joie de voir la représentation croissante d’un éventail diversifié de femmes leaders. Leslye Headland a fait la une des journaux et a reçu un accueil enthousiaste lors de l’événement lorsqu’elle a déclaré que La Guerre des étoiles lui avait sauvé la vie dans des moments difficiles.

Headland vient s’ajouter à une liste de plus en plus longue de femmes responsables de la création dans l’univers Star Wars, aux côtés de Deborah Chow, la showrunner d’Obi-Wan Kenobi, Bryce Dallas Howard, qui a dirigé un certain nombre d’épisodes du Mandalorien et du Livre de Boba Fett, Sharmeen Obaid-Chinoy, qui réalisera la prochaine suite avec Daisy Ridley, et bien sûr, Kathleen Kennedy, la directrice de Lucasfilm.

« J’aime le fait qu’il soit dirigé par des femmes. Vous savez, il y a Leslye là-bas. Leslye est là-bas, une autre de nos productrices, Rayne [Roberts]était là aussi », a poursuivi Mme Turner-Smith. « C’est vraiment cool d’être dirigé par des femmes, des femmes de couleur, des femmes homosexuelles. Je me suis dit : « Dans ce monde ? » qui est très blanc et masculin. C’était très excitant, surtout parce que Leslye est une fanatique. Elle est en quelque sorte notre encyclopédie. C’est aussi très agréable de voir les différents types de fans, et ils le font, et la façon dont elle a pris le contrôle créatif de cette chose en étau a été inspirante ».

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Qui d’autre fait partie de la distribution de L’Acolyte ?

Stenberg a d’abord été attachée au rôle principal en décembre 2021, mais leur casting n’était qu’une rumeur sur Internet jusqu’à ce que Stenberg soit au SDCC l’année dernière, alors qu’elle faisait la promotion du film d’horreur Bodies Bodies Bodies de A24. Au fil du temps, un lien soudain s’est établi avec le projet, avec le gagnant d’un Emmy Lee de Squid Game qui a rejoint le rôle principal, Manny Jacinto, et Charlie Barnett de Russian Doll qui s’est engagé. Alors que la production de la série a démarré en novembre dernier, le casting toujours impressionnant s’est étoffé avec l’arrivée de Carrie-Anne Moss, Rebecca Henderson, Dean-Charles Chapman et Dafne Keen, qui ont tous rejoint le projet. Il a également été annoncé que Joonas Suotamo, connu pour avoir joué Chewbacca dans la trilogie suivante et dans Solo : A Star Wars Story, rejoindrait le casting en tant que maître Jedi Wookiee.

Les Umansky sont de retour et ils sont prêts à faire des affaires. Après une première saison réussie sur Netflix, le diffuseur a annoncé qu’il concluait l’accord pour la deuxième saison de Buying Beverly Hills. Mauricio Umansky et sa société immobilière, The Agency, aideront leurs clients à mettre les points sur les i et les barres sur les propriétés les plus récentes et les plus prisées, en les emmenant dans certaines des maisons les plus chics de Beverly Hills, en Californie. Le public peut également s’attendre à voir les filles de Mauricio Umansky, Farrah Aldjufrie et Alexia Unmansky, et peut-être même à apercevoir sa femme et la star de The Real Housewives of Beverly Hills, Kyle Richards, dans le cadre d’une émission familiale.

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La saison dernière, les téléspectateurs ont vu un grand nombre d’acheteurs trouver leur maison définitive. Le premier épisode a donné le coup d’envoi de la saison en ramenant les fans de The Real Housewives of Beverly Hills à l’endroit où tout a commencé pour la famille Umansky : Milldale. C’est dans cette maison que les téléspectateurs ont découvert pour la première fois la famille Richards et Umansky, lieu de la White Party annuelle et de beaucoup de drames et de larmes. Dans une saison ultérieure, Sutton Stracke, une autre femme au foyer, invitée de Chucky et meilleure amie de Jennifer Tilly, a loué la maison et l’a marquée de son empreinte. Dans le premier épisode de Buying Beverly Hills, les téléspectateurs ont appris que Larsa Pippen, star de The Real Housewives of Miami et ex-copine de Kim Kardashian, avait également loué la vaste maison de Bel Air à un moment donné.

De l’ex-petite amie de Ryan Seacrest à Michael Jackson, Prince et Michael Jordan, nous avons vu Umansky et The Agency retirer du marché les propriétés les plus convoitées, aidant ainsi leur clientèle de premier plan à trouver la maison de leurs rêves. Bien que nous ne sachions pas encore quelles portes nous allons franchir, nous sommes certains que la deuxième saison nous fera vivre d’autres moments époustouflants dans les plus belles demeures de Beverly Hills, Los Feliz, Bel Air et bien d’autres encore.

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Qui sont les Umansky ?

Nous avons rencontré Richards et la famille Umansky pour la première fois dans la première saison de The Real Housewives of Beverly Hills (Les vraies femmes au foyer de Beverly Hills). Si vous voulez aller plus loin, le public a techniquement rencontré Richards dans La petite maison dans la prairie et Halloween, car elle et sa sœur Kim Richards, autre star de Real Housewives, étaient des enfants acteurs. Après avoir travaillé aux côtés de son beau-frère Richard Hilton (le mari de Kathy Hilton, la sœur de Kyle et Kim et la star des Real Housewives) chez Hilton &amp ; Hyland, Umansky s’est mis à son compte en 2011 pour créer The Agency. Une décision rentable et réussie de sa part, la société immobilière n’a cessé de prospérer au cours de la dernière décennie.

Pour l’instant, aucune date de diffusion de la deuxième saison de Buying Beverly Hills n’a été fixée, mais restez à l’écoute pour plus d’informations. Découvrez ci-dessous la bande-annonce de la première saison de la série.

Redeeming Love, un film de 2022 de Pinnacle Peak Pictures et Mission Pictures International, illustre un problème chronique des fictions modernes réalisées par des chrétiens (plutôt que des films sur le christianisme) : elles manquent de profondeur. C’est un sentiment tristement ironique, étant donné que la Bible chrétienne prône l’acceptation universelle, la compassion et la paix, et aborde des sujets suffisamment sombres pour faire frémir David Cronenberg. L’amour rédempteur, par exemple, simplifie et aseptise des sujets nuancés avant de présenter une solution facile et presque magique à la souffrance. Les thèmes du film sont valables en théorie, mais rendus inopérants par une mauvaise exécution.

En conséquence, Redeeming Love manque également de l’empathie que sa foi préconise. Tout le monde connaît la description que fait Roger Ebert de la réalisation d’un film : « une machine qui génère de l’empathie ». Les médias visuels sont particulièrement qualifiés pour distiller l’universalité commune de l’expérience humaine en quelques heures et mettre en évidence ce qui n’est pas universel. Et la clé d’un film convaincant est une narration forte et un cœur empathique. Si l’on supprime ces éléments de l’équation, que reste-t-il ? Une histoire aussi plate et peu appétissante que la pâte à crêpes d’hier.

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De quoi parle l' » amour rédempteur  » ?

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Redeeming Love – basé sur un roman historique chrétien à grand succès de Francine Rivers – présente Angel (Abigail Cowen), une travailleuse du sexe populaire dans une ville californienne des années 1850. Angel n’a pas choisi ce mode de vie ; après la mort de sa mère Mae (Nina Dobrev, qui est trop bonne pour cela), un riche pédophile connu sous le nom de Duke (Eric Dane) contraint Angel à la prostitution enfantine, au viol, à l’inceste, à l’avortement non consensuel et à la stérilisation. Une fois adulte, Angel méprise sa situation, mais se retrouve sans le sou car la maquerelle du bordel, la Duchesse (Famke Janssen, également trop bonne pour ce film), confisque l’argent pour l’utiliser à ses propres fins. Angel n’a nulle part où aller et aucun moyen de subvenir à ses besoins en dehors de la maison close. La seule protection dont elle dispose pour éviter de souffrir davantage, c’est d’élever en permanence ses murs émotionnels.

Michael Hosea (Tom Lewis), un jeune fermier en quête d’une épouse, entre en scène. Il tombe amoureux d’Angel lorsqu’il l’aperçoit dans les rues de la ville et prend la nouvelle qu’elle est une travailleuse du sexe avec humour et une acceptation rafraîchissante : bien sûr, mon Dieu, pourquoi pas ! Il dépense des sommes d’or exorbitantes pour rendre visite à l’objet de son affection. Les deux ne couchent pas ensemble. Au lieu de cela, Michael demande à plusieurs reprises à Angel de l’épouser ; Angel refuse, déconcerté, irrité et ennuyé par le fait qu’ils ne veulent tout simplement pas coucher ensemble et en finir. Ce n’est qu’après avoir été sévèrement battue par l’un des gardiens de la maison close (qui a une obsession sexuelle troublante pour Angel et qui a failli la violer) qu’Angel, abasourdie par la douleur, accepte avec lassitude la dernière proposition de Michael. Le mariage avec un fermier bizarre est sûrement une meilleure option, n’est-ce pas ? Les cloches de l’église sonnent et Michael ramène sa nouvelle épouse à la ferme.

Malgré le succès du roman, « L’amour rédempteur » a été un échec

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Les studios chrétiens Pinnacle Peak Pictures et Mission Pictures International ont coproduit Redeeming Love, qui a été distribué par Universal Pictures ! Les deux sociétés sont à l’origine de succès surprenants : Pinnacle Peak (alors Pure Flix Entertainment) a sorti God’s Not Dead en 2014, qui a rapporté 64 millions de dollars pour un budget de 2 millions de dollars, tandis que Mission Pictures a supervisé I Can Only Imagine, le quatrième biopic le plus rentable au monde (86 millions de dollars pour un budget de 7 millions de dollars). Le roman Redeeming Love s’est vendu à plus de 3 millions d’exemplaires depuis 1991, de sorte que les deux précédents laissent présager une trajectoire de profit similaire. Au lieu de cela, L’Amour rédempteur n’a pas réussi à rentabiliser ses 30 millions de dollars, ne rapportant que 9 millions de dollars au box-office. Si le public chrétien a réagi aux films précédents, pourquoi pas celui-ci ? Cette question mérite d’être approfondie pour une autre fois.

L’amour rédempteur » n’apporte aucune nuance aux sujets difficiles

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Sur le papier, Redeeming Love n’est pas nécessairement un mauvais film. Les performances centrales sont bonnes (Abigail Cowen est une étoile montante et son rôle dans Fate : The Winx Saga de Netflix est très prometteur), la cinématographie est assez belle pour 30 millions de dollars, et le pire péché de la réalisation est le péché d’insipidité. Mais tout se passe comme s’il s’agissait d’une histoire au lieu d’avoir une âme. Le récit veut clairement que le public sympathise avec Angel. Au lieu de cela, j’ai ressenti la façon dont le passé de cette femme s’est déroulé, comme un porno de torture émotionnelle, bien plus que je n’ai méprisé les personnages fictifs qui ont commis ces actes. Même en tenant compte de la façon dont les femmes étaient traitées dans les années 1850, le fait d’empiler atrocité après atrocité sur Angel frôle la parodie et la manipulation du public.

De plus, la représentation du travail sexuel manque de nuances. On pourrait brièvement soutenir de bonne foi qu’il n’y avait pas assez de temps pour rendre justice à ceux qui choisissent volontairement le travail du sexe et à leur droit de le faire, à ceux qui ne le veulent pas mais qui n’ont pas d’autre recours pour survivre, et aux communautés qu’une telle pauvreté affecte de manière disproportionnée. Mais pour une histoire indissociable du travail du sexe, le point de vue du film semble se résumer à un insipide « la prostitution, c’est mal ».

Le fait que certains rebondissements de l’intrigue soient dignes d’une prise de bec n’arrange rien et réduit à néant toute bonne intention de la part des réalisateurs ou des acteurs. Par exemple : Duke orchestre une rencontre entre Angel et son père. Cet abruti négligent n’a pas vu Angel depuis qu’elle a environ huit ans. Il ne reconnaît pas cette belle femme adulte, alors Angel a des relations sexuelles avec son père pour le punir de les avoir laissées, elle et sa mère, dans la misère. Lorsque son père réalise qu’il a couché à son insu avec sa fille bâtarde, il se suicide. Est-ce que ces conneries sont un drame légitime, ou est-ce que j’ai accidentellement allumé le spin-off de Days of Our Lives : 1850s ? (Cela n’existe pas, mais je le regarderais probablement).

L’amour rédempteur » fait passer le sexisme pour des croyances évangéliques

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Au crédit du film, Redeeming Love n’hésite pas à évoquer le traumatisme d’Angel tout au long de sa vie. A son discrédit prévisible, l’idée que l’amour d’un homme bon, blanc et hétérosexuel puisse guérir la douleur de toute une vie d’une femme (blanche elle aussi) est… ouf. L’expression « romance historique chrétienne » me fait froncer les sourcils dans la stratosphère, pour commencer. Mes sens du sexisme déguisé en vertu évangélique sont en éveil ! Nous avons en effet la misogynie, intentionnelle ou sous-entendue ; nous avons le manque d’agence d’Angel à chaque tournant. Elle est forcée de se prostituer, on peut dire qu’elle est forcée de faire un mariage qu’elle n’a jamais voulu. Bien sûr, Michael parle de son « libre arbitre » et assure à Angel qu’elle a le choix de rester avec lui ou non, mais soyons honnêtes : où peut-elle aller ? Elle est toujours fauchée, alors elle doit rester dans une ferme tranquille avec un homme inexplicablement épris d’amour ou retourner au harcèlement physique et sexuel au mieux, à l’abus au pire.

A cette fin, il y a l’affirmation sous-jacente que l’amour véritable est le but ultime. Angel considère d’abord le mariage comme une autre forme de domination masculine et d’assujettissement féminin, et ne l’acceptera pas dans sa vie. À l’inverse, Michael assure à sa femme que « le mariage n’est pas l’esclavage ». De nombreuses femmes des siècles passés et d’aujourd’hui ne seraient pas d’accord avec lui !

Oui, l’amour de Michael peut être assez tendre pour qu’Angel apprécie le sexe pour la première fois (et se sente par conséquent impure à cause de son travail sexuel – elle se baigne frénétiquement dans la rivière et frotte des pierres sur sa peau, charmant). Et oui, Dieu peut sauver Angel lorsque Duke la kidnappe à nouveau et veut faire d’elle le joyau de la couronne de son bordel. Elle prie Dieu, rétablissant la foi qu’elle avait abandonnée à la suite de la mort de sa mère, et parbleu ! Un homme sympathique voit sa situation critique et aide Angel à s’échapper.

Dieu est un pansement cosmique

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Conformément à de nombreuses autres représentations de l’acte compliqué et encore mystérieux qu’est la prière et des réponses divines potentielles à nos supplications, cela réduit la foi chrétienne à « Dieu est un pansement cosmique ». Aucune religion n’est une machine à sous qui récompense ses adeptes par le bonheur et l’intégrité en échange de l’adoration. Je suis la première personne à pleurer devant une fiction où l’espoir sauve le monde et l’amour vainc un ennemi, mais Redeeming Love évite la complexité avec une subtile dextérité et ne s’attaque pas à la sombre sévérité de son sujet.

Si ce film simplifie la nature complexe du travail du sexe en la réduisant à une « mauvaise prostitution », ses personnages subissent le même sort. Le mal devient un monstre narquois qui réduit les mineures en esclavage, tandis que les vrais chrétiens, comme Michael, sont pratiquement parfaits en tous points (sans le parapluie volant). Les individus de toutes les religions vous diront que c’est tellement loin d’être le cas qu’il devrait flotter dans l’espace. La nature imparfaite de l’humanité est un élément important de la beauté de la foi légitime – l’idée qu’un être omniscient puisse nous accepter malgré nos imperfections permanentes. (Pour ajouter l’insulte à l’injure, Angel est en quelque sorte un pécheur qui a besoin de la grâce indulgente de Dieu. La fille abusée qui a été forcée à se prostituer a besoin de rédemption. Qu’est-ce que j’ai raté ?)

Un bon film ne peut être un sermon

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À la fin du film, Angel rend l’amour de Michael et donne miraculeusement naissance à un enfant, avec un deuxième en route. Vous vous souvenez qu’elle a été stérilisée ? Pas de problème ! Dieu peut faire des miracles, et il a donné deux enfants à Angel en dépit des règles de la biologie. C’est parce qu’elle n’a pas pu « donner » d’enfants à Michael qu’Angel l’a quitté pendant trois ans ; dans son esprit traumatisé, il méritait une femme capable de remplir cette fonction. Aujourd’hui, Angel a atteint le stade de la famille nucléaire idyllique, qui est la meilleure récompense pour une femme.

Les erreurs maladroites d’un auteur de romans d’amour des années 90 sont en grande partie pardonnables si ce n’est que Rivers a coécrit le scénario. Et ce qui pourrait être une bizarrerie normale d’une écriture insuffisante prend tout son sens lorsqu’on analyse d’autres films financés de la même manière par des conglomérats chrétiens et commercialisés auprès des masses évangéliques : dans l’ensemble, les films chrétiens sont au service d’un ordre du jour. Redeeming Love est un sermon banal enveloppé dans les apparences d’un film. Francine Waters a elle-même déclaré qu’elle voulait que le film « attire les gens vers le Christ ».

À l’inverse, prenez Le Prince d’Égypte, Silence, ou même Daredevil de Marvel : leur but est de raconter une superbe histoire. Cela implique de dépeindre les protagonistes comme des êtres humains à part entière, avec des expériences vécues et une myriade de défauts. La religion d’un personnage influence ses actions et sa vision du monde, certes, mais il s’agit d’une facette singulière de sa personnalité, et non d’un trait de caractère qui le définit et qui n’a rien de plus profond. Le récit et les personnages de Redeeming Love manquent tous d’une authentique multidimensionnalité et d’un véritable conflit (la base de tout drame), ce qui rend ses idéaux creux et sans tension.

Les thèmes de la Bible sont incroyablement sombres et finalement porteurs d’espoir, mais à un certain prix. Comme le dit la chanson country classique, Dieu n’a jamais promis à ses disciples un jardin de roses. Imaginez à quel point les films chrétiens pourraient être convaincants s’ils reflétaient la réalité au lieu de créer des outils de propagande au pire, et des histoires sans substance au mieux. Le succès au box-office de God’s Not Dead et de I Can Only Imagine – leurs défauts mis à part – montre clairement que certains chrétiens ont soif de films de qualité reflétant les principes de leur foi. Au lieu de cela, nous avons l’Amour rédempteur. En tant que cinéphile, c’est ennuyeux ; en tant qu’évangélique, c’est offensant.

Tout a commencé par un coup de klaxon, comment cela a-t-il fini comme ça ? Dans Beef, la nouvelle série de Netflix, un incident de rage au volant se transforme en une quête de vengeance tout aussi rageuse lorsque Danny (Steven Yeun) et Amy (Ali Wong) laissent l’incident s’enfoncer dans leur esprit et ne le laissent pas partir. Tout au long de la première saison de la série, les deux personnages sont déterminés à ruiner la vie de l’autre, chaque attaque contre l’autre devenant de plus en plus grave, menant à un cambriolage qui tourne mal et à une expérience de mort imminente dans le désert. Maintenant que la série a eu le temps de se reposer, Netflix a récemment partagé une nouvelle featurette avec le créateur Lee Sung Jin, Wong et Yeun qui expliquent le final et plus encore.

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Lee commence la vidéo en parlant de la nature « libératrice » de deux personnages qui « se sont vus dans leur pire état ». Il s’agit d’une déclaration importante car malgré les épreuves qu’Amy et Danny se sont infligées, ils restent ensemble dans l’épisode final, dans lequel ils comptent l’un sur l’autre pour rester en vie dans le désert. Yeun et Wong soulignent ensuite la tension qui existe entre leurs personnages depuis le premier épisode. Ils notent tous deux qu’il n’est pas vraiment clair si cette tension est d’ordre sexuel au début, et que la série est, d’une certaine manière, une comédie romantique. Ils évoquent également la relation entre Danny et son frère Paul (Young Manzino).

Comment le final a mis Amy et Danny sur un pied d’égalité

Dans la série, Amy et Danny ont une multitude de différences dans leur vie, qu’il s’agisse de leurs relations personnelles, de leur carrière ou de leur situation financière. Après le braquage de l’épisode 9 qui a impliqué une fusillade, une mort choquante et une chute d’une falaise, le duo s’est retrouvé à lutter pour sa survie. Ce qui les a rapprochés, c’est d’avoir été accidentellement empoisonnés par des baies. Pour Lee, c’était l’occasion rêvée d’inaugurer une nouvelle méthode, celle de les coller l’un à l’autre. Cela leur a permis de s’ouvrir davantage l’un à l’autre après tant de combats. Yeun a particulièrement apprécié le fait que Wong et lui aient pu passer plus de temps ensemble.

RELIEF : La critique de ‘BEEF’ : Steven Yeun et Ali Wong se surpassent dans le récit de vengeance de Netflix | SXSW 2023

La saison s’est achevée sur le retour d’Amy et Danny vers la civilisation. Le mari d’Amy, George (Joseph Lee), les trouve mais interprète mal la situation et tire sur Danny. Les dernières minutes de la série se concentrent sur Danny à l’hôpital (et dans le coma) tandis qu’Amy s’assoit avec lui. Lee a révélé que c’était l’idée de Wong de faire s’allonger Amy à côté de Danny dans son lit. Elle a expliqué que c’était parce qu’elle voulait donner le sentiment « de deux personnes qui rentrent à la maison l’une vers l’autre ». Lee conclut en disant que ces dernières minutes ont servi à donner au public « une petite lueur d’espoir ».

Tous les épisodes de Beef sont disponibles sur Netflix. Regardez la nouvelle vidéo ci-dessous :

Il n’était pas facile de garder secret l’un des plus grands moments de l’histoire récente de la télévision, et les acteurs et l’équipe de Succession l’ont appris à leurs dépens. Dans l’épisode de dimanche dernier, intitulé « Connor’s Wedding », Logan Roy (Brian Cox) est finalement mort, laissant derrière lui l’un des plus grands conglomérats médiatiques du monde et une famille dysfonctionnelle qui n’a jamais pu régler ses problèmes. Si la mort du personnage était quelque peu attendue, il était difficile de prévoir qu’elle interviendrait dans le troisième épisode de la saison et dans ce contexte particulier.

Étant donné que de nombreuses scènes de la dernière saison de Succession ont été tournées sur place et que la série bénéficie de l’attention de son public, il aurait été facile pour le secret entourant la mort de Logan de fuir en ligne des mois avant la diffusion de l’épisode. Cox lui-même a parlé des efforts considérables qu’il a dû déployer pour tromper tous ceux qui essayaient de comprendre ce qui se passait, mais il est maintenant révélé que même les scénaristes de la série ont dû faire preuve d’une grande prudence. Georgia Pritchett, productrice exécutive et scénariste de la série HBO, a partagé sur les réseaux sociaux le processus qui a permis de cacher le décès de Logan au public.

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Selon Pritchett, alors que l’équipe savait déjà que Logan allait mourir depuis la préproduction de la saison précédente de Succession, les scénaristes ont dû cacher le secret une nouvelle fois au moment de tourner les scènes de l’épisode. Ils ont décidé d’utiliser Larry David comme nom de code pour tout ce qui concernait la mort de Logan pendant la production, de sorte que les tableaux blancs utilisés pour planifier le tournage faisaient souvent référence au chapitre « Connor’s Wedding/Larry David ». Le nom de la star de Curb Your Enthusiasm a fonctionné comme un charme, et personne n’a été en mesure de comprendre le grand rebondissement de cette semaine.

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Les réactions improvisées des enfants de Logan

Au cours de cet épisode très émouvant, un moment s’est détaché d’une série d’excellentes performances de la part des acteurs de la prestigieuse série. Après la conférence de presse où les enfants Roy ont annoncé la mort de leur père au public, Roman (Kieran Culkin), Kendall (Jeremy Strong) et Shiv (Sarah Snook) s’embrassent, tout en essayant de faire face à leurs sentiments contradictoires face à la perte de leur père. Selon Mark Mylod, le réalisateur de « Connor’s Wedding », ce moment a été complètement improvisé par les acteurs, ce qui donne un poids émotionnel supplémentaire à ce visuel déjà puissant.

En attendant la diffusion d’un nouvel épisode de Succession dimanche, vous pouvez consulter le message officiel de Georgia Pritchett ci-dessous :

Nous nous préparons à l’arrivée du Chevalier noir au printemps, Netflix accélérant les préparatifs pour la sortie de son dernier drame coréen avec la publication d’un teaser officiel. La première de Black Knight est prévue pour le printemps sur le streamer, le 12 mai 2023. L’adaptation du webtoon vient s’ajouter à un catalogue toujours plus important d’impressionnants drames coréens ancrés sur Netflix. La série espère imiter les succès d’autres K-drama comme Squid Game lorsqu’elle sera enfin disponible pour le public.

La bande-annonce commence par un aperçu d’un futur dystopique ravagé par la pollution de l’air. La série Black Knight est une autre série qui utilise l’environnement comme point d’ancrage de son intrigue. La pollution de l’air a restructuré les classes de vie de l’humanité telle que nous la connaissons. Les chevaliers noirs ont désormais pour mission de combler le vide et d’assurer la livraison des produits de première nécessité, dont le plus important est l’oxygène. Un groupe de livreurs équipés de masques à gaz bravent les conditions difficiles pour apporter de l’espoir à ceux qui en ont besoin. Voyageant dans un air chargé de smog et de vent poussiéreux, ces livreurs doivent apporter leur cargaison et empêcher quiconque de chercher à empêcher la livraison dans ce drame coréen.

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La pollution de la planète est primordiale dans la bande-annonce, ces livreurs devant être désinfectés à leur retour de voyage. Les QR codes gravés sur la peau qui permettent d’y accéder renvoient à un paysage morne de l’apocalypse. Dans ce monde sans ordre, ces chevaliers noirs doivent rester « durs » car dans cette nouvelle Corée, la force est essentielle à la survie. Cependant, là où il n’y a pas de loi, le chaos règne et des cendres naît un chevalier sans loi.

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Quelle est l’intrigue de Black Knight ?

La série se déroule en 2071 et suit un réfugié nommé Sa-wol et le très respecté livreur 5-8, qui a décidé de s’attaquer au tout-puissant groupe Cheonmyeong. La restructuration de la classe sociale, les codes QR qui imposent ces strictes divisions sociétales et l’inévitable insuffisance de l’offre dans un tel avenir ne manqueront pas de creuser un fossé entre les hauts gradés et ceux qui se trouvent en bas de l’échelle.

Black Knight met en vedette Kim Woo-bin, qui a une pléthore de travaux à son actif en tant que chevalier 5-8, avec Kang Yoo-seok dans le rôle de Sa-wol. Song Seung-heon incarnera Ryu Seok, l’unique héritier du puissant groupe Cheonmyeong et le méchant de l’histoire. Les autres acteurs sont Esom, Song Seung-heon, Kim Eui-sung, Jin Kyung, Lee Hak-joo, Lee Sang-hee et Yu Seong-ju. La série est basée sur la série Delivery Knight de Lee YunGyun, acclamée par la critique, et réalisée par Cho Ui-seok qui s’est exprimé sur le projet en disant :  » La première fois que j’ai lu le webtoon, j’ai trouvé que la configuration était extrêmement innovante. Il ne s’agit pas des livreurs que nous connaissons – ils se battent contre les chasseurs pour livrer de l’oxygène et des produits de première nécessité, ce qui signifie qu’ils jouent le rôle le plus crucial dans la survie de l’humanité restante. Cela m’a vraiment séduit ».

L’univers dystopique de Black Knight sera diffusé en première mondiale le 12 mai – uniquement sur Netflix. Regardez le teaser ci-dessous :